Кино и Театр

ФИЛЬМ «АРМАН» И ЕГО РОДИТЕЛИ

Известную актрису Элизабет срывает с репетиции тревожный звонок из школы,

где учится её сын Арман. Самого сына мы почти не видим, а вот родители и то, что происходит между ними, сразу  втягивает в экран и не отпускает до самого конца.  Конфликты детей — это слабая тень тех трагических отношений, которые происходят  между взрослыми, которые были тоже когда-то детьми. И можно догадаться, что там все та же противоречивая природа человека давала о себе знать.

Авторы сначала осторожно и очень бережно погружают зрителя в самый настоящий омут страстей, который потом проливается мощным дождем — и буквальным и метафорическим —  на головы персонажей.

Отличительная особенность фильма — частое использование крупных планов. Невольно отмечаешь точный подбор актеров и классное исполнение каждой роли. Но особенно солирует Ренате Реинсве («Осло, 31 августа», «Худший человек на свете», сериал «Презумпция невиновности», «Другой человек»).  Особенно в сцене истерического смеха и странного танца в коридоре со школьным уборщиком. Здесь фильм соскальзывает в какую-то экранную иррациональность, но очень  гармоничную с тем, что перед зрителем разворачивается. В пустых классах разворачивается зловещее противостояние,  в нем о детях быстро забывают — ведь у взрослых есть свои тайны и желания, а в огласке не заинтересован никто. Недаром лента получила награду за лучший дебют на Каннском Кинофестивале — 2024 и была выдвинута на соискание премии «Оскар»-2025 от Норвегии.

Не верится, что такая серьезная работа — дебют молодого режиссера Хальвдана Ульмана Тёнделя. Но есть одна любопытная деталь — он родился в 1990 году в Осло (Норвегия). Окончил Школу искусств, коммуникаций и технологий Вестердалс в Осло. Его мать — известная писательница и журналистка Линн Ульман, его бабушка и дедушка — актриса Лив Ульман и режиссёр Ингмар Бергман.

 

ОПЕРА «ЧЕТЫРЕ ДЕВУШКИ» ПО ПЬЕСЕ ПИКАССО

Премьера оперы Эдисона Денисова «Четыре девушки» по пьесе Пабло Пикассо прошла на Малой сцене Театра имени Наталии Сац. 6 ноября в рамках Девятого фестиваля музыкальных театров «Видеть музыку».

«Появление в афише театра редчайшей оперы Эдисона Денисова, одного из мэтров музыкального авангарда последней четверти ХХ века, по пьесе иконы мирового авангарда Пабло Пикассо в каком-то смысле не случайно, потому что оно является логичным продолжением сразу нескольких линий работы и развития театра, – рассказал художественный руководитель театра Георгий Исаакян. – Одна из них – это интерес к современной музыке, партитурам и поиск нового языка общения с современным зрителем. А другая – это всходы тех зерен, которые мы сеем в проекте «RE-Конструкция» (в рамках которой и прозвучали впервые в Театре имени Наталии Сац «Четыре девушки»), где мы открываем для себя и для наших зрителей и слушателей редкие, забытые или ранее не исполнявшиеся партитуры».

Музыкальным руководителем и дирижером нынешней постановки на Малой сцене стал, как и дирижером первого исполнения «Четырех девушек» в Театре имени Наталии Сац в 2022 году, Валерий Платонов: «Клавир «Четырех девушек» Эдисон Денисов подарил мне в 1989 году в Пермском театре оперы и балета после премьеры его «Пены дней», – говорил он. – Я очень хотел ее поставить, но не получалось. Недавно я предложил ее Георгию Исаакяну в Детский музыкальный театр имени Наталии Сац, который последнее десятилетие очень активно работает с современной музыкой. И мне показалось, что опера Денисова по пьесе Пикассо про еще совсем юных девушек могла бы заинтересовать театр. Я счастлив, что так и вышло, и она была сначала исполнена в рамках проекта «RE-Конструкция», а теперь стала репертуарным спектаклем».

За художественное решение спектакля отвечали режиссер Мария Фомичёва и художник Екатерина Куколь.Неотъемлимой частью постановки станет хореографический текст, который создают главный хореограф театра Кирилл Симонов и Михаил Галиев. Художник по свету – Ирина Вторникова, хормейстер – Вера Давыдова. Для Марии Фомичёвой, выпускницы Георгия Исаакяна, партитура Эдисона Денисова и текст Пабло Пикассо стали возможностью поговорить о течении жизни. «Неумолимая сила времени, заставляющая расти, расцветать, угасать, явлена в женских инициациях, которые проходит каждая: познание любви, рождение ребенка, время зрелости. Каждая из шести картин оперы – ритуал, создающий пульсирующую действительность, словно ты смотришь на раскаленный в полдень воздух времени. Партитура Эдисона Денисова полна света, неопределенности, особого, я бы назвала, «очарованного» течения времени. «Четыре девушки» позволяют взглянуть на оперу как на поэтическое искусство, освобождая от линейного сюжета и делая его мерцающим».

Спектакль исполнялся на французском языке. Впервые опера «Четыре девушки» была исполнена в Театре имени Наталии Сац в концертной версии 14 октября 2022 года в рамках проекта «RE-Конструкция».

«ИГРОКИ» В ТЕАТРЕ САТИРЫ
В Театре Сатиры с успехом прошла первая премьера сезона. Гоголевские «Игроки» идут без перерыва один час сорок минут и смотрятся на одном дыхании. На сцене создается некое завораживающее мистическое пространство, в котором проступают символы и константы нашей хорошо знакомой жизни. Сцена становится дорогой, трактиром, гостиницей, казино… Россией.

Трудно поверить, что это режиссерский дебют актера Альберта Хасиева, настолько в пьесе много неожиданных мастерских решений, не позволяющих скучать зрителю ни одну минуту.
На афишах «Игроки» — трагикомедия. Но на самом деле в них какая-то смесь энергичных, экстремальных жанров — детектива, буффонады, сказки, эксцентрики, фантасмагории… Авторы пошли по яркому театральному пути. Содержание вещи известно — здесь ничего не поменять. Историю карточного шулера, который знакомится с еще более хитрой троицей карточных мошенников и в итоге сам становится жертвой обмана. А вот форма может быть любой. И тут зрителей ждет много сюрпризов, которые и создают атмосферу какого-то всемирного обмана. Где на ровном месте даже оживает любимая колода главного героя Аделаида Ивановна и своим танцем обещает ему будущее счастье выигрыша.
Перед зрителем идет захватывающее своеобразное спортивное соревнование, кто кого переобманет. Остается замерев наблюдать финальный момент, когда ворона каркнет и сыр к лисице упадет. В одеждах и реквизитах гоголевского времени прекрасно передается атмосфера всеобщего мошенничества, накрывшая, к сожалению, и нашу сегодняшнюю страну.
Эпидемия всепланетного мошенничества охватила землю, от обычных граждан до целых стран. Но, зная природу человека, русский писатель Николай Васильевич Гоголь, как это ни странно, уже это предсказывал. Увы, природа человека слаба и не совершенна и мало что в ней меняется. Если у вас есть телефон, то вам не раз звонили всё те же гоголевские игроки. Цифровые телефоны стали удивительным инструментом извлечения денег и мало кого миновала участь знакомства с разнообразными попытками отъёма денег. Одним словом, мы тоже стали игроками.
Из недостатков спектакля можно отметить слишком большой азарт актеров и упоение своими ролями. В такие моменты плохо слышны слова, прописанные гениальным автором, а они не стареют и остаются свежими до сих пор. Но в целом спектакль — безусловно, достойное открытие 101 театрального сезона замечательного театра.

«ВРЕМЯ ЖИТЬ» СКВОЗЬ ПРИЗМУ ОНКО

Кому-то фильм  «Время жить» покажется слюнявой мелодрамой, а кто встречался с онкологией, так, пожалуй,  не скажет. У этих восприятие происходящего на экране поострее самоуверенных, пышущих  здоровьем зрителей.

Главный герой фильма — представитель компании Weetabix, рекламный агент, нескладный, но обаятельный Тобиас Дюран (Эндрю Гарфилд), расстроенный в процессе бракоразводного процесса, случайно попадает под машину Алмут Брюль (Флоренс Пью), бывшей фигуристки и талантливого шеф-повара (звезда Мишлен в её копилке). Так нелепо и жестоко свела их судьба. Молодость тел, влюбленность, переходящая в любовь и реальные отношения, в которых бывает всякое, в том числе проблемы и недопонимание.

Алмут не планирует иметь детей, а Тобиас мечтает об отцовстве. Алмут хочет построить карьеру в сфере высокой кухни, а Тобиас стремится привязать ее к семье. Все теряет смысл, когда у Алмут диагностируют рак яичников. Все обретает смысл, когда пара ждет первого ребенка. Онко дает о себе знать и помнить. Начинается  другое восприятие жизни.

Действие распадается на временные пазлы, которые надо научиться собирать. То кадры из прошлого, то кадры настоящего. Но тут помогает прическа героини. В раковом времени она коротко острижена.  Авторы фильма показывают, как жадно прощается человек с этим миром. И как ему важно остаться в памяти близких и не быть стёртым ластиком смерти в небытиё. Под таким углом каждый кадр начинает высвечиваться по-другому.

«КАНИКУЛЫ», КОТОРЫЕ НЕЛЬЗЯ ЗАБЫТЬ

.

На первый взгляд в фильме «Каникулы» все скучно. Руководительница театральной студии Татьяна  (Дарья Савельева) и завуч Мария Генриховна (Полина Кутепова) везут школьный театральный кружок со своим спектаклем «Земляничное вино»  на фестиваль детских театров в Сочи. Но удивительная актерская игра, изящная режиссура и глубоко прописанный сценарий не позволяют скучать с первых же кадров, где происходит яркий поединок-дуэт двух разных характеров, взглядов, возрастов, пониманий, что и как происходит в наше время. Разные возрасты школьников напоминают своеобразную модель нашего общества. Со своими пристрастиями, ревностями, влюбленностями.

Режиссеру Анне Кузнецовой удалось создать многомерную психологическую драму происходящего на экране. Её даже трудно передать словами. Стоит посмотреть на виртуозный узор обстоятельств, столкновений между персонажами, в которых узнается наша современная жизнь в живом клубке разнообразных противоречий. Посмотрев его, почему невольно возвращаешься к тому конфликту, который в скрытой, но яркой, местами яростной форме, происходил между героями. Неслучайно, что  на первом фестивале актуального российского кино «Маяк», церемония закрытия которого прошла в Геленджике в 2022 году, дебютный фильм Анны Кузнецовой «Каникулы»  был справедливо удостоен Гран-при.

ЛИЧНАЯ ЖИЗНЬ ВОЕНКОРА ЛОПАТИНА

В центральном академическом Театре Российской Армии в Москве прошла премьера спектакля «Так называемая личная жизнь»
Инсценировка знаменитой повести Константина Симонова «20 дней без войны» не могла не стать актуальной во времена СВО. Рано или поздно операция закончится. И тем, кто на передовой линии фронта, также придется возвращаться в мирную жизнь. И стоит присмотреться к опыту прожитых поколений.
Главный герой военкор Лопатин (просвечивает образ самого автора) получает 20 дней внезапного творческого отпуска для написания сценария. Но дома у него больше нет: отношения с женой разрушены, она собирается замуж, дочь – подросток, привязанная к нему больше чем к жене, уехала в эвакуацию с бабушкой. Ведь это тоже война, только на личном фронте. Лопатин получает возможность отправиться в Ташкент, где на киностудии идут съёмки фильма по серии его ярких военных очерков.
Инсценировка идет в малом зале огромного, как страна, Театра Армии. И даже малый зал все равно кажется большим. И нужна была виртуозная режиссура, чтобы это распахнутое, как степь, пространство ожило и задышало понятной и близкой реальностью. Здесь в условно реалистичной манере зрители видят редакцию фронтовой газеты, качающиеся вагоны поезда или трамвая, прогулки по заснеженной улице…
В создание сцен внесла свой вклад художница Ольга Кузнецова, когда мы внезапно оказывались уже не на сцене, а в многокомнатной коммуналке, пустынном павильоне киностудии, грузинском дворике, где в последний день перед возвращением на фронт оказывается на дружеском застолье герой. Так подчеркивается главная мысль спектакля: жизнь — это странствие, объединяющее, в конечном итоге, всех, кто встречается на пути.
Экстремальное существование на передовой меняет многое в человеке. Ему приходится переучиваться многому в мирной жизни. Да и людям тыла тоже нужно делать шаги к пониманию искореженной психики бойцов с передовой.
И здесь герои спектакля, поставленного Марией Федосовой, встают перед вечными, экзистенциальными вопросами. Можем ли мы начать все с начала? Кто наш ближний? Все ли можно простить? Как перестать делить людей на своих и врагов?
Авторы определили жанр спектакля — драматическая поэма. С ними нельзя не согласиться. Сквозь условность театральных сцен проступает горькая реальность военной жизни с надеждой всё же на лучшее.
Немного помешало пониманию пафоса спектакля то, что не всегда и не все слова были слышны на задних рядах. А Лопатин писал много лучше, чем говорил, по замечаниям одного из персонажей. И каждое слово у самого писателя Симонова было на вес золота. Да и не все сцены были видны «в полный рост». Но все равно общая атмосфера держала весь зал в напряжении и действие смотрелось на одном дыхании. За что все авторы и актеры услышали заслуженные овации.
16+
Режиссер-постановщик — заслуженная артистка России Мария Федосова
Художник — Ольга Кузнецова. Хореограф — Светлана Кузянина. Художник по свету — Елена Перельман. Видеохудожник — Александр Романов. Актеры: Лопатин — Андрей Кайков, Ника — Мария Белоненко

БАТТЕРФЛЯЙ В СТРЕКОЗИНЫХ КРЫЛЬЯХ

В оперной Москве появилась новая, доселе неизвестная, спорная для кого-то, но без всяких сомнений восхитительная «Мадам Баттерфляй». Речь идет о последней премьере в Геликон-опере, прошедшей под занавес прошлого сезона и открывшей ей новый  2024/25.

Автору этих строк  удалось побывать лишь на последнем спектакле второго премьерного блока, но впечатление останется надолго.

На этот раз «Геликон» удивил тем, что поставлена не классическая общеизвестная версия оперы (а всего, по утверждению музыковедов, у Пуччини их было пять), а самая первая, увидевшая свет в 1904 году на сцене Ла Скала и провалившаяся с шумом. Но как утверждает Дмитрий Бертман, именно этот вариант был наиболее близок по духу самому Пуччини. Спектакль длится 3 часа 20 минут с одним антрактом, что примерно на час больше, чем классическая постановка в других театрах,но и здесь зрители не устают наслаждаться гением Пуччини.

Успех спектакля обуславливает высокий  исполнительский уровень музыкальной части. Шикарное звучание оркестра поражает обилием красок, чистотой  мелодий, филигранностью инструментальных соло. В описываемом мной  вечере были задействованы артисты из второго состава, но все — ведущие солисты и звезды «Геликона», с прекрасными голосами и певческой техникой.Божественно-нежное  сопрано Галины Барош (Чио-Чио-сан)  хотелось слушать до бесконечности. Блистательный тенор Шота Чибиров (Пинкертон) покорял темпераментом, напором  и артистизмом. Очень хороша была в роли Сузуки меццо-сопрано Ксения Вязникова: точное попадание в роль, красивый тембр, вокальное мастерство – всё работало на яркость и самобытность её образа. Много можно сказать слов восхищения и о других вокалистах, ведь, повторюсь, все они  звезды: баритон Максим Перебейнос (консул Шарплес), баритон Вадим Заплечный (принц Ямодори), сопрано Анна Пегова (Кэт). Массовую сцену брачной церемонии представлял хор.А над всем этим великолепием незримо витал дух Марко Боэми –  дирижера из Италии, приглашенного в театр специально для постановки оперы. И как не ему было знать все нюансы гениальной партитуры, ведь до этого маэстро довелось поработать над не менее чем 25 другими «Баттерфляй» в различных оперных домах. Сейчас он уже не в Москве и вероятно шлет приветы своему коллеге Валерию Кирьянову — главному дирижеру «Геликона», который и держит высокую заданную планку.

Считается, что непривычная для зрителей начала прошлого века продолжительность спектакля стала причиной его неприятия публикой. Другая версия, что провал оперы в Милане произошел априори из-за подкупа клаки конкурирующим издательским домом. Однако присутствовал и другой, более серьезный момент, вынудивший композитора к сокращению и редактированию партитуры: японское посольство прислало в театр ноту протеста! Чересчур экзотично и даже карикатурно выглядели их соотечественники на сцене, да еще и подвергались насмешкам со стороны американского офицера. Но вопросы в сфере мультикультур тогда еще не выходили на повестку дня, и европейцы представляли жителей далекой Японии лишь по описаниям путешественников. Стоит почитать роман известного французского писателя Пьера Лоти «Мадам Хризантема», считающегося к тому же первым по хронологии первоисточником либретто, хотя есть и другие.Роман был напечатан в 1887 году и пользовался большой популярностью, с интересом читается и сегодня. От первого лица с эффектом присутствия автор замечательно описывает природные красоты Нагасаки, где  происходит действие оперы,  культуру и национальные особенности людей, его населявших. А вот любовная история  иная: брак военного морского офицера и юной японки временный без всякого обмана какой-либо стороны. Ему – развлечение, ей – деньги. Исторически достоверно, что в Нагасаки – единственном портовом городе Японии, куда разрешалось заходить иностранным судам, подобные браки по контракту считались нормой.

Несколько удивляет решение сценографов Ростислава Протасова и Аллы Шумейко: пространство сцены  украшено имитацией гиперболических крыльев стрекоз (отнюдь не бабочек) –  огромные полупрозрачные подсвеченные полотнища, повторяющие  форму этих быстрокрылых насекомых, свисают с колосников. Догадку, что в таком разобранном виде представлены именно стрекозы, подтверждают и столбики световых проекций их длинных брюшек по краям кулис, — поклон Пьеру Лоти. В его романе Пинкертон, придя попрощаться со своей женушкой, застает её за подсчетом монет, оставшихся после веселой жизни с ним, и невольно сравнивает её со стрекозой из произведения русского баснописца Крылова, —  век скоротечной красоты и молодости не долог.

В стилистики гротеска, опять же, словно со страниц романа, перенесены на сцену и образы гостей, приглашенных на брачную церемонию, которая более продолжительна, чем в классической версии оперы, наполнена движением и японским антуражем, разноцветными фонарями, зонтиками… «Женские фигуры в кимоно словно куклы, передвигаются маленькими шажками, стоят на коленях, то и дело кланяются в пол». Лица дам (включая главную героиню) с неестественными белорозовыми щеками и подчеркнуто- узкими глазами, мужчины с нарисованными бровями вразлет. Служанки двигаются гуськом с улыбками и поклонами, «жеманны…, словно маленькие обезьянки».

Но нежная, хрупкая бабочка-гейша, подло обманутая и брошенная морским  офицером, который еще и отобрал у неё ребенка – это не совсем  то, что идет в Геликоне. Нарратив общеизвестного хита в режиссуре Дмитрия Бертмана иной: героиня  более современна, и не столько своим костюмом во втором акте, сколько  целеустремлениями: замуж  выходит по сугубо прагматическим соображениям – желает покинуть берег, где  родилась, и уехать в качестве мадам Пинкертон в цивилизованную Америку. Именно поэтому она, еще не видя  жениха, уже отреклась от своей веры, чем и навлекла на себя проклятие рода. Отсюда второй акт сделан в эстетики иллюзорной и желаемой ею западной цивилизации: ящик колы на полу, в глубине сцены красного цвета холодильник, хотя в тростниковом доме нет электричества, а сама «нежная бабочка» Баттерфляй ходит в джинсах. На мой взгляд, всё это сильно приземляет известный нам образ несчастной Чио, и думается, что Пуччини ни за что бы не согласился с подобной трактовкой, ведь в музыке столько настоящего чувства, страданий и страсти! Но спорить не будем, как говорится, режиссеру виднее. Однако трагедийность образа Чио никуда не уходит (музыка не даст), меняется лишь её мотив для совершения самоубийства. Героиня  делает харакири не из-за разочарований в любви —  спасается от позора, и это для неё осмысленный и даже единственно возможный выход. Последние слова арии Чио-Чио-сан в поставленной версии: «Кто не может жить с честью, должен умереть с честью!». Сцена эффектна: героиня вонзает в себя кинжал в бассейне, где только что играл оригами её сын, а стараниями сценографов плунжера еще и приподнимают конструкцию над сценой, тем самым вознося на пьедестал героиню. А стоит ли она того? Ведь если следовать логике режиссера, Чио-Чио-сан по сути наказывает себя сама за собственные не реализованные  амбиции. И вообще, нужно ли было молодой красивой женщине убивать себя? Но как не понять нам саму идею страшного самурайского ритуала, так и неоткуда было знать Пинкертону, что его «бабочка» лишит себя жизни.  

Елена Белякова

«АНОРА»:  ИНТЕРЗОЛУШКА ХХ1ВЕКА

Каннский кинофестиваль отдал главную награду, «Золотую пальмовую ветвь»  фильму «Анора» Шона Бэйкера про работницу стриптиз-клуба, вышедшую замуж за сына русского олигарха.

Начало самое что ни есть забойное. Место греха. Здесь  пребывают Содом и Гоморра, но с соблюдением определённых строжайших правил. Возбуждать мужчин можно. Но интимные связи вне клуба. Порочно-деловая атмосфера  погружает  в привычные будни клуба. Что быстро надоедает и, похоже, явная передержка клубничной темы. Даже кажется потерей вкуса у авторов. Но это только кажется. Потом весь этот праздник инстинктов,  как первая часть ракеты, отработает и выведет на другую, настоящую орбиту.

Молодой Ваня Захаров, сын русского олигарха, оттягивается по полной с помощью папиных денег. В чем-то фильм начинает перекликаться  с «Красоткой» Гарри Маршалла с Ричардом Гиром и Джулией Робертс.  Принц и нищий. Но ситуация уже другая. Принц очень молод и глуповат,  очарователен и бесшабашен. Золушка постарше и уже девушка с опытом и на выданье. Кстати,  принц очень не любит своих богатых папу и маму, которые собираются его отправить на работу в Россию. И вот сценаристы придумали ему отличный шанс выбраться из цепких лап олигархов. Пара решает пожениться. Ваня получит грин-карту и может остаться в США. Свобода вот-вот встретит его у входа.

Но не тут-то было. Действие делает крутой вираж,  приобретает почти приключенчески- комедийный характер. Родители узнали, возмутились, подключили своих верных подданных из местной армянской диаспоры в работу. Фильм сразу стал набирать высоту, и внимание зрителей уже оторвать от экрана было невозможно. Начинается обнажение смешных и горьких истин нашей современной жизни. Секса много. Нет любви, искренности, заботы и человечности.

Богатые так и будут нагибать бедных, где есть социальное неравенство. Иммигранты будут использоваться на тяжелых работах. Но при этом есть всё-таки маленькая надежда понимания и сочувствия. Какая? Это лучше увидеть самому. Нельзя, чтобы этот фильм прошел мимо человеческого сердца. В нем есть нечто, что заставит задуматься о том жутком,  что с нами происходит. И тут надо сказать спасибо всем, кто пытается  достучаться до нашего сознания. Сценаристам, режиссеру, оператору и, конечно, виртуозному ансамблю актеров.

• Майки Мэдисон
• Марк Эйдельштейн
• Юра Борисов
• Карен Карагулян
• Ваче Товмасян
• Алексей Серебряков
• Дарья Екамасова
• Линдси Нормингтон
• Айви Волк
• Пол Вайсман

ЕЛЕНА БЛАВАТСКАЯ В СПЕКТАКЛЕ ТЕАТРА ЭРМИТАЖ «ВЕСЕЛАЯ ЖЕНЩИНА»
Спектакль театра Эрмитаж с улыбчивым названием «Веселая женщина» ожидался с нетерпением. Отец и сын Левитины первыми решили рассказать языком театра об Елене Блаватской, личности весьма неординарной.

Как сообщает википедия, «Блаватская объявила себя избранницей некоего «великого духовного начала», а также ученицей (челой) братства тибетских махатм[K 1], которых она именовала «хранителями сокровенных знаний», и начала проповедовать авторскую версию теософии[18]. В 1875 году в Нью-Йорке вместе с полковником Г. С. Олкоттом и адвокатом У. К. Джаджем основала Теософское общество[5][6][18][19], которое поставило перед собой задачу изучать все без исключения философские и религиозные учения с целью выявления в них истины, которая, по мнению Блаватской и её приверженцев, поможет раскрыть сверхчувственные силы человека, постичь таинственные явления в природе[6]. Одной из главных целей общества было «образовать ядро Всемирного Братства без различия расы, цвета кожи, пола, касты и вероисповедания»[K 2]. Позднее штаб-квартира общества переместилась в Индию, в город Адьяр, около Мадраса[5][19]; с 1895 года общество называется Теософское общество Адьяр. Основная деятельность Блаватской проходила в США, Англии, Франции и Индии[19], где она открыла филиалы Теософского общества и приобрела десятки тысяч последователей[6][18]. Основные сочинения написала по-английски».
Автором пьесы стал Михаил Левитин младший, режиссером сам руководитель театра — Михаил Левитин старший. Они посвятили эту постановку безвременно ушедшему незадолго до премьеры художнику Евгению Добровинскому, для которого работа над этим спектаклем стала последней.
Оформление спектакля, действительно, поражало изысканным вкусом и продуманностью художественных решений.
Сама пьеса написана раскованной фантазией в стиле буффонады и раскованной комедии, где просматриваются исторические контуры реальных персонажей. Например, юный будущий премьер-министр России С.Ю. Витте вносит свою своеобразную десткую ноту в спектакль. Но весь сюжет подчинен экспрессивным поступкам. Точнее, выходкам героини. По ходу спектакля актеры взаимодействуют со зрителями в зале, предлагая им подняться и опуститься, почувствовать условную радость левитации, — своеобразная мода на контактность со зрителем. Это сделано неслучайно.
Длительность спектакля — три с лишком часа с двумя антрактами, что, безусловно, утомляет зрителей. И в этом главный просчет весьма интересного замысла. Какие бы цирковые номера и неожиданности смешных и мистических сцен авторы ни показывали. Накопившаяся усталость от долгого сидения не дает взлететь и душевно соприкоснуться с происходящим. Хотя видна талантливая игра актеров, тщательная продуманность и разработка мизансцен, великолепные необычные костюмы, интересные необычные декорации.
При этом режиссер предлагает относиться к происходящему несерьёзно, но особенного веселья не получилось. Уходишь со спектакля утомленным и расстроенным. Ожидалось большего. Ведь сама личность Елены Петровны Блаватской была пусть и спорной, но очень неординарной. Как и её ученье. Стоит просто вчитаться в скупые строчки Википедия.
Большая часть теософии Блаватской сохранилась в современной теософской литературе и заимствована из индуизма, тибетского буддизма, гностицизма и люциферианского оккультизма. Первый источник внес вклад в теософскую теорию «расового цикла», согласно которой происходит периодическая смерть и возрождение (юга) человеческой расы, избавляя человечество от слабых и старых «эго» и обеспечивая духовное развитие. На вершине нынешнего цикла человечества находятся «арийцы»; на противоположном конце стоят «лемурийцы», древняя раса, воплощающая «наименее развитые эго», которые, тем не менее, бросили вызов закону расовых циклов, пережив несколько юг вплоть до наших дней. «Тайная доктрина» рассматривает иудейскую веру как вредную для человеческой духовности. В оккультной традиции (как, например, у духовной преемницы Блаватской Алисы Бейли), лемурийцы дали начало евреям. Каждая раса несёт особую карму, причём утверждается, что страдания евреев на протяжении истории справедливо вызваны их «расовой кармой»[21]. Некоторые авторы предполагали у Блаватской наличие способностей к ясновидению[22][23][24][25]. В ходе своей деятельности Блаватская часто обвинялась в мистификации и откровенном жульничестве[18]. Первая русская женщина, получившая гражданство США[26][27].

ВЕРТИНСКИЙ. ПОГУДИН. МОЖАЕВ. БУЛАТОВ
В Театре музыки и поэзии Елены Камбуровой прошла премьера нового сезона — спектакль-концерт «Вертинский. Возвращение».

Моноспектакль — одна из труднейших театральных форм. Удерживать неослабевающее внимание публики в течение полутора с лишним часов весьма непросто. И тем не менее это случилось.
Режиссер-постановщик и автор сценария н.а. РФ Олег Погудин смог передать через двух удивительных артистов (в роли Вертинского – Данил Можаев, партия фортепиано – Андрей Булатов) необычайное своеобразие творчества Александра Николаевича Вертинского.
Темой спектакля-концерта стала любовь – к женщине, к искусству, но в первую очередь любовь к Родине. Именно ностальгия по России, невозможность жить и творить без своей страны, без корней — это главная идея постановки, которая представляет захватывающее песенное путешествие по основным вехам жизни выдающегося артиста. В спектакле представлены как известные, так и малоизвестные факты из биографии Вертинского. Минимум выразительных средств позволил зрителям открыть и почувствовать атмосферу начала XX века, узнать о трудностях эмиграции, встречах и расставаниях, с которыми сталкивался Вертинский на своём жизненном пути. Особенно стоит отметить работу молодого и очень талантливого артиста Данилы Можаева. Владея прекрасным голосом (лучше даже самого Вертинского – заметила мне соседка), необычайной пластикой тела и мимикой лица, он легко и просто передавал сложнейшие оттенки чувств. Очень слаженно и гармонично работал с ним Андрей Булатов. Пальцы пианиста напоминали двух стремительных пауков, которые на наших глазах плели музыкальную паутину. А зрители завороженными мухами сидели, погруженные в волшебный анабиоз театрального искусства.
Говоря о спектакле-концерте, Олег Погудин отметил: «Александр Вертинский — бродяга и артист, литератор, танцор танго, звезда, друг звезд, влюбленный и разочарованный, одинокий и окруженный поклонниками — в моноспектакле «Вертинский. Возвращение». Для исполнителя роли «Пьеро всея Руси» Данилы Можаева это тоже не первое обращение к творчеству Вертинского. Он уже соприкасался с ним в спектаклях «Серебряный век» и «Ар-деко», заслужив овации публики и теплые отзывы критики. Такого Вертинского публика еще не видела. Такого Вертинского увидеть необходимо». И с этими словами мастера нельзя не согласиться. Хотя на пресс-показе была искушенная публика, в основном едкие критики и насмотренные скептики, продолжительные овации подтверждают, что спектакль получился.
Борис Примочкин, Наталья Ковалева

ДРУГОЙ ЧЕЛОВЕК / A DIFFERENT MAN НА РОССИЙСКОМ ЭКРАНЕ

Начинающий актер Эдвард живет в Нью-Йорке и мечтает о больших ролях и любви окружающих. В отчаянии он решается на радикальное медицинское вмешательство, которое полностью меняет его внешность. Однако исполнившаяся мечта быстро оборачивается кошмаром. Потеряв роль всей жизни, Эдвард понимает, что за идеальной внешностью не спрятать прежнюю личность, а вернуть утраченную жизнь оказывается не так-то просто…Но как бы ты не менял свое лицо, изменить себя невозможно. И здеь большая нагрузка ложится на главного героя, его исполнил блестяще Йорке Стэн . Он вспоминает, как он впервые прочитал сценарий: «Прекрасно написанный, он рассказывал удивительную историю, совершенно непредсказуемую. Все его герои казались очень настоящими, живущими своей собственной жизнью. А как актер ты, конечно, стараешься выбирать проекты, которые бросают тебе вызов, где ты можешь сыграть что-то совершенно новое».

Мировая премьера картины режиссера Аарона Шимберга состоялась на кинофестивале Sundance, после чего отправилась покорять сердца зрителей на европейском континенте. Поначалу неузнаваемый Себастиан Стэн поразил своей глубокой и ироничной игрой жюри Берлинского кинофестиваля 2024 и был удостоен награды за роль — Серебряного Медведя.

Дата релиза в России: 3 октября 2024

Жанр: чёрная комедия

Режиссер: Аарон Шимберг

В ролях: Себастиан Стэн, Ренате Реинсве, Адам Пирсон и др.

НАЦИОНАЛЬНОЕ ЗНАЧЕНИЕ «ТЕАТРА НАЦИЙ»: ПРЕЗЕНТАЦИЯ НОВОГО СЕЗОНА

Театр Наций открывает новый сезон! Всего в сезоне 2024-2025 гг. будет
представлено 9 премьер на трёх сценах. На пресс-конференции, которая была больше похожа на изящный и добрый спектакль, Евгений Миронов сделал акцент на том, что театр продолжит работу не только с известными российскими режиссёрами, но и с международными командами — в этом сезоне спектакли выпустят постановщики из Китая и ЮАР.
Первой премьерой сезона (10, 11, 12, 13 сентября) станет спектакль
китайского режиссёра Дин Итэна «Я не убивала своего мужа». Роли в
спектакле исполнят: Мария Смольникова, Максим Мальцев/Александр
Матросов, Рустам Ахмадеев/Александр Якин, Елена Морозова, Сэсэг
Хапсасова, Юлия Чуракова. О дате и времени пресс-показа будет сообщено
дополнительно. Сбор прессы прошел сначала  в фойе Нового Пространства Театра Наций, а потом перешли в зал (Страстной бульвар, 12/2), где было несколько душновато. Но сердечность выступлений работников театра и особенно спонсоров значительно освежила атмосферу.

ФИЛЬМ О ПОЭТЕ

Фильм «Рыжий» по жанру антибайопик. Это анти биография о Борисе Рыжем, поэте трагического разлома двух эпох. Действие картины происходит в конце 1990-х. Главную роль в фильме исполнил музыкант и писатель Евгений Алехин.

Режиссер Семен Серзин (известный по фильму «Человек из Подольска», по работе в петербургском «Невидимом театре» и Театре Наций) взялся за очень сложную тему.
Рассказать о недооцененном поэте 90-х. Со странной клоунской фамилией, который покончил жизнь самоубийством в 2001 году.
Работал он научным сотрудником Института геофизики, где директором был его отец, опубликовал несколько интересных научных работ, успешно занимался боксом, слонялся по улицам Екатеринбурга в компании таких же юных и жаждущих жить молодых поэтов, которые пытались заработать на жизнь словом. Ироничный, умный, смелый, он с одинаковой легкостью мог договориться с местными бандитами, сгонять в Москву за премией «Антибукер», подраться у ларька и загреметь в отделение. А еще Рыжий — любящий и нежный муж и отец — искренне пытается совмещать любовь к друзьям и хулиганам, с которыми он вырос и которые превратили улицы Екатеринбурга и Челябинска в настоящее поле боя по выживанию.
Но главная задача авторов показать то трагическое мировосприятие той переломной эпохи, которое так остро ощущал главный герой.

Хотя видна талантливая игра артистов, заранее продумана драматургия, где один крутой поворот жизни персонажей сменяет другой. И все же. Картина вызывает странные чувства. Вот стихи, которые Борис читает, растрогали бандитов, и его зауважали. Вот попутчица, послушав его строчки в купе поезда, сама обнажает грудь. Вот динамичная драка у ларька… Но стоит прозвучать самим стихам, как вся продуманная и тщательно организованная раскадровка биографических эпизодов, ракурсы, мизансцены… отступают на второй план. Такова сила искренности слова по сравнению с попыткой воссоздать правду того времени. Может быть, это и есть главная задача фильма. После просмотра найти и почитать его стихи и попытаться почувствовать и понять, из каких российских глубин они проросли.

Над домами, домами, домами
Голубые висят облака –
Вот они и останутся с нами
На века, на века, на века.

Только пар, только белое в синем
Над громадами каменных плит…
Никогда, никогда мы не сгинем.
Мы прочней и нежней, чем гранит.

Пусть разрушатся наши скорлупы,
Геометрия жизни земной, —
Оглянись, поцелуй меня в губы,
Дай мне руку, останься со мной.

А когда мы друг друга покинем,
Ты на крыльях своих унеси
Только пар, только белое в синем,
Голубое и белое в си…

Премьера картины состоялась на фестивале актуального российского кино «Маяк» в октябре прошлого года. Помимо Евгения Алехина в фильме также сыграли Таисия Вилкова, Евгений Ткачук, Евгений Серзин…

ЛОЖЬ И ПРАВДА В ФИЛЬМЕ «ИДЕАЛЬНЫЙ ЛЖЕЦ»

Прокатчики называют фильм «Идеальный лжец»  сатирический триллер. Это так, но не только. В нем много жанров. Комедия, драма, трагедия, притча… Многослойный со вкусом приготовленный пирог. Стоит его попробовать. И глаза едят его не отрываясь.  Да настолько фильм хорош, начинаешь смотреть  и забываешь, что ты в кинозале.

Виртуозная драматургия, блестящая игра актеров, изысканная операторская работа
и отточенная режиссура. Сюжет на первый взгляд прост. 1919 год, мир охвачен пандемией испанского гриппа. Сразу рифмуется с эпидемией ковида. Влиятельный американский журналист со своей семьей изолируется от мира в богатом уединенном поместье с целым штатом прислуги. Идиллия продолжается до тех пор, пока к ним на работу не устраивается повар по имени Флойд Монк (Питер Сарсгаард). Настоящее имя мы так и не узнаем. Но зато мы узнаем куда более интересные смыслы. Питер вбирает в себя характеры многих знакомых персонажей. Здесь Фома Опискин, Тартюф, Фигаро, Труффальдино из Бергамо…но еще в нем есть что-то уникальное своё. Замашки уверенного в своей правде действий революционера-боевика. Он из породы слуг, которые становится господами. “Идеальный лжец” напоминает такие фильмы про мошенников, втирающихся в доверие к богатым семьям и разрушающих их жизни, как  “Солтберн”, “Талантливый мистер Рипли”, “Паразиты” и культовый когда-то фильм  “Слуга” Джозефа Лоузи. 

Тем временем повар шаг за шагом разрушает идеальную жизнь влиятельного американского семейства. И происходит это кинематографически виртуозно. Хозяин дома Джей Хортон (Билли Магнуссен) — избалованный  журналист якобы прогрессивных взглядов: он пишет для первых полос суровые депеши о необходимости борьбы народа за свои права, а после надевает любимые тапочки и наслаждается роскошью своего особняка. 

Когда из-за эпидемии испанского гриппа поместье оказывается отрезанным от цивилизации, новый повар совершает переворот и постепенно склоняет членов семейства Магнуссен и прислугу на свою сторону. Интеллектуальные игры между хозяином и слугой порождают войну за доминирование в доме. Социальная иерархия рушится, а вежливость уступает место животным инстинктам.  В американский прокат фильм вышел 2 августа 2024 года. У нас 22 августа

“Мы стремились объединить комедию и триллер, и это было самое интересное — найти баланс. Мы экспериментировали, делая акцент на комедии или на триллере, и нужно было найти тонкую грань. Мы черпали вдохновение у братьев Коэн, которые отлично справляются с размытием жанров, у раннего Полански, и таких фильмов, как «Ангел-истребитель» Бунюэля и «Слуга» Лоузи”, – режиссер Остин Старк

 «Для меня Флойд олицетворяет свободу. В нем интересно сочетается эмпатия к людям, поощрение их желаний с одной стороны, и стихийная революционность с другой. Флойд не анархист и не гедонист, он скорее хиппи (если бы хиппи ловко управлялись с оружием и ели мясо). Я сменил много мест обитания, и понимаю тягу Флойда к странствиям. Он полон любопытства», – Питер Сарсгаард о своей роли.

«Флойд — это персонаж, который больше всего влияет на других героев фильма: он бесстыдный обольститель, нарушитель спокойствия, не признающий авторитетов, революционер с блеском в глазах, мачо-манипулятор, который может иметь виды на вашу жену, и, помимо прочего, он то ли убийца, то ли нет», – Кэтрин Брей, продюсер, сценарист.

Фильму удаётся сохранять теплый задорный тон, даже когда герои совершают жутковатые поступки. Несмотря на острую социальность сюжета, авторы картины умудряются сохранять непредвзятость позиции и своих предпочтений, держа интригу и наращивая неопределенность до самого финала. Сценарий умело заставляет зрителя сочувствовать то одной, то другой стороне, а рамки плохого и хорошего остаются подвижными. 

“Наш фильм не ставит целью встать на сторону левых или правых. Нам удивительна современная тенденция рассматривать людей не как отдельных личностей, а как членов культурной или политической группы. В фильме этот фатальный изъян присущ и Джею, и Флойду. Хотя некоторые люди могут проецировать на фильм свои политические смыслы, мы надеемся, что наши зрители поймут, что это то самое упрощение, которое мы пытались высмеять. Другими словами, мы хотели высмеять обе стороны и предложить людям увидеть некую абсурдность в том, насколько поляризованными мы все стали”, – Остин Старк, режиссер фильма

“В фильме пандемия выполняет роль кораблекрушения, которое оставляет наших персонажей на необитаемом острове. Вопрос был в следующем: что происходит в этих отношениях между «верхом» и «низом», когда социальный порядок перестает функционировать, почему пусть даже на короткий срок, когда нарушаются поставки продовольствия, электроснабжение и системы связи? Каковы ожидания работодателя и работника? И что могло бы произойти? Это по своей природе драматическая и захватывающая ситуация — и очень питательная почва для комедии!”,  – режиссер Джозеф Шуман

«Мы, создатели фильма, с детства живем в Нью-Йорке и дружим, и уже много лет хотели снять фильм вместе. И в первые тёмные дни ковидной пандемии мы наконец-то нашли великолепный материал! Тогда многие состоятельные жители Манхэттена покидали город и изолировались в своих роскошных летних домах в Хэмптоне, ища не только безопасность, но и комфорт. И конечно их домашний персонал отправлялся в карантин вместе с ними. И мы поняли, что со времен испанки, на которую приходится действие «Идеального лжеца», мало что изменилось. Масштабные катастрофы имеют свойство выявлять извечную уязвимость состоятельных людей: их зависимость от рабочего класса. Поэтому мы задали себе вопрос: что, если персонал, обслуживающий величественный особняк в карантине, решит использовать в своих интересах особенности изоляции? Что, если они восстанут против своих богатых работодателей? И так родилась наша история о хозяине и слуге, борющихся за доминирование. В конце концов наш фильм не о испанке, ковиде или любой другой пандемии. Он о классовой борьбе и культурном разрыве, который существует в этой стране веками. Он о тонкой грани между цивилизацией и дикостью. В этой борьбе за выживание настоящая угроза – не утрата человеческих жизней, а утрата того, что делает нас людьми», – режиссеры Остин Старк и Джозеф Шуман. 

Пресса:

“Яркий, уверенный в себе фильм, который доставит удовольствие зрителям”, – The Guardian

“Поданный с беззаботной легкомысленностью, этот фильм богат на смыслы и дает зрителю почву для размышлений”, — Hollywood Reporter 

«Идеальный лжец» — веселая и бойкая картина о том, как один негодяй перехитрил другого. Здесь даже последний выживший вряд ли станет победителем”, — Variety

“Идеальный лжец” –  свежая и непредвзятая сатира на общество, которая точно заинтересует мыслящую аудиторию, — Film Authority

ФЕСТИВАЛЬ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ В ИСТРЕ

Великолепный и незабываемый праздник классической музыки – фестиваль «Лето.Музыка.Музей», вот уже в 7-ой раз прошел в подмосковной Истре.

В этом году программу посветили Сергею Дягилеву и его Русским сезонам, а так же композиторам и деятелям искусства, чьё творчество способствовало триумфальному  восхождению всего русского в мировое пространство. Первое место в этом ряду по праву  принадлежит П.И. Чайковскому и его концерту №1 для фортепиано с оркестром. Из всей русской музыки великий гений первым завоевал сердца слушателей в Европе и Америке, а его сочинение продолжает и сейчас оставаться символом открытой миру русской культуры.

Победными и радостными аккордами первой темы концерта, как архитектурным порталом в мир искусства, открылся первый вечер фестиваля. Более тысячи зрителей внимали торжественным звукам  русского шедевра, которые великолепно сочетались с панорамой  Ново-Иерусалимского монастыря, — под  его стенами и разворачивалось действо. Играл в полном составе государственный оркестр имени Светланова,  дирижировал художественный руководитель проекта Дмитрий Юровский, за роялем солировал пианист Николай Луганский, ставший за годы сотрудничества с проектом, настоящим кумиром местной публики. В последующие вечера выступали не менее известные оркестровые коллективы и солисты: Российский национальный оркестр под управлением Клемана Нонсьё, скрипач Павел Милюков. Виолончелисту Александру Рамму выступить не пришлось из-за погодных условий и предупреждений МЧС, зато два последних вечера состоялись, и на сцене завораживали публику хор, оркестр и ведущие голоса Государственного академического Большого театра России, что и явилось кульминацией праздника.

Ежегодные мероприятия фестиваля  — это не только концерты, но и выставки музея,  где самая новая обязательно  связана с общей программой праздника. В этом году работали  просветительские лектории и мини-конференции, на которых любознательные зрители могли общаться с известными музыковедами, дирижерами и артистам. «Растим свою публику… развлекая, образовываем» — определяет кредо проекта президент фестиваля, директор Московской областной филармонии Максим Дунаевский. 

Проект Московской областной филармонии, осуществляемый совместно с историко- художественным музеем Новый Иерусалим при поддержке министерств культуры РФ и Московской области привлекает публику не только звездным составом участников, но и  своими программами, выстроенными в единой концепции, в которых давно написанные произведения становятся вдвойне актуальными и созвучными текущим дням.

Во втором отделении первого вечера зрителей погружали в Русские сезоны  Сергея Дягилева, которые в начале прошлого столетия перевернули представление о русской культуре и задали тренд на всё русское за рубежом на весь век ХХ. Звучали симфонические, оперные и балетные шедевры в комбинации с работами великих художников Бакста и Рериха, проецируемых на задник сцены. Составители программы ориентировались и на юбилейные даты главных действующих лиц тех проектов, пришедшихся на этот год: композиторов Римского-Корсакова и Мусорского, танцовщика и хореографа Нижинского, художника Николая Рериха. В этом году мир также отмечает 100 лет со дня смерти художника Бакста и 95-ю годовщину самого Дягилева.

Как всегда подогревал интерес зрителей музыковед и бессменный ведущий фестиваля Ярослав Тимофеев, предваряя каждый номер захватывающим экскурсом в историю создания опуса, биографическим фактам композиторов, или путешествием по музыкальным  стилям и направлениям.

Первой звучала «Прелюдия к послеполуденному отдыху Фавна» Дебюсси, на музыку которой Вацлав Нижинский поставил свой первый одноактный балет, премьера которого состоялась в 1912 году в рамках Русских балетов Дягилева. Музыка Дебюсси,  написанная за 18 лет до этого, к тому времени уже являлась символом модернизма в музыке. Композитор применил совершенно новый подход в изображении литературного сюжета посредством тонкой оркестровки. Он предложил флейте играть в низком регистре и тем самым открыл в её звучании новые, неизвестные до него, эротические краски. Чувственное соло инструмента на фоне переливов арфы вводит слушателей в мир пасторальной античности, краткие дразнящие мотивы валторн передают любовное томление Фавна. Нимфы только что купались в ручье, но исчезли, и лишь одна обронила прозрачный шарфик. Фавн засыпает, но продолжает грезить о предметах своего вожделения. Премьера наделала много шума, а постановщику и исполнителю главной партии Вацлаву Нижинскому принесла славу новатора балетного искусства.

Накал эмоций шел по нарастающей. Предложенные публике «Половецкие пляски» Бородина  затянули слушателей в мир былинного эпоса. Этот фрагмент из недописанной оперы «Князь Игорь, наряду с 1-ым концертом Чайковского, стал еще одним из самых узнаваемых  русских хитов в мире классической музыки. Лирические мотивы песни плененных девушек «Улетай на крыльях ветра» чередуются с неудержимым напором и темпераментом дикого племени.  Дягилев включил балет «Половецкие пляски» в хореографии Михаила Фокина и  декорациях и костюмах Николая Рериха в свой первый Русский сезон в Париже, премьера которого прошла в театре Шатле в 1909 году. Свежая необычная музыка потрясла парижан. Собственно с этого балета и началась экспансия русской культуры на Запад. Артисты блистали в Париже и Монте-Карло, Лондоне и Нью-Йорке, Риме и Женеве. Потрясающие костюмы и декорации, музыка и художественный рисунок танца заставили Европу сходить с ума по русскому стилю.

Ну а самый яркий и зажигательный хит – сюита из балета Стравинского «Жар птица», был оставлен на завершение вечера. Для Дягилева этот балет стал первым на тему русских сказок, и пользовался наибольшей популярностью в его сезонах. В основе либретто — столкновение светлых сил, которые олицетворяют Иван-царевич и Жар-птица, с темными силами Кощея и конечное торжество светлого царства.  Однако все сюжетные ходы стали лишь предлогом для создания волшебных картин зачарованного царства и образа ослепительно прекрасной птицы, —  все это лежит  в основе музыкальной драматургии. Сюиту открывают сумрачные «ползущие» звучания вступления, рисующего зачарованный зловещий сад Кащея. На фоне глухого рокота большого барабана, словно извивающиеся змеи, движутся фигурации низких струнных, пианиссимо вступает мелодия  двух тромбонов. То тут, то там слышатся судорожные всплески струнных. Но вот, как взмахи огромных крыльев, раздаются красочные всполохи оркестра. Звучит фантастический, причудливый «Пляс Жар-птицы». «Музыка эта горит, пылает, бросает искрами. Это то, что мне надо было для огневого образа в балете», — писал хореограф Михаил Фокин. Премьера балета состоялась в 1910 го в парижском театре на Елисейских полях. Успех был колоссальным. В один день ранее никому не известный русский композитор Игорь Стравинский стал знаменитым.

Уже спустилась ночь, когда зрители покидали зал под открытым небом, и они покидали его с желанием вновь и вновь возвращаться на встречи с настоящим искусством и прекрасной музыкой.   Елена Белякова

32-Й ФЕСТИВАЛЬ РОССИЙСКОГО КИНО «ОКНО В ЕВРОПУ»

На пресс-конференции по грядущему смотру, который пройдет в Выборге с 9 по 15 августа, на вопросы аудитории ответили генеральный продюсер кинофестиваля Геворг Нерсисян, президент Сергей Урсуляк и программный директор Андрей Апостолов.

Лейтмотивом обсуждения стала тема преемственности. Новый президент фестиваля Сергей Урсуляк понадеялся, что смотру удастся сохранить интонацию, заданную его предшественником, Арменом Николаевичем Медведевым: «Прелесть Выборга в том, что я не должен опровергать своих предшественников, у этого фестиваля всегда был хороший тон доброжелательности, интеллигентности».

Преемственность также проявляется в картинах, которые будут показаны на «Окне в Европу», составе жюри и списке почетных гостей, приглашенных на смотр. Об этом рассказал программный директор Андрей Апостолов:

«Картина “Особенности национальной больницы” режиссера Станислава Светлова — это фильм по сценарию Александра Рогожкина, его «Особенности национальной охоты» в свое время были премированы на нашем фестивале. Алексей Федорченко, который в этом году будет в жюри документального конкурса, несколько лет назад судил игровой. Светлана Филиппова выигрывала у нас анимационный конкурс, в прошлом году участвовала со своим игровым дебютом, а в этом возглавляет анимационное жюри. Из почетных гостей в этом году мы ожидаем Карена Шахназарова, Алексея Учителя, Светлану Дружинину, Анатолия Мукасея — людей нашему фестивалю не чужих».

Геворг Нерсисян сообщил о дополнительной площадке, которая появится на смотре: «Мы наконец-то реанимировали второй кинотеатр в “Доме культуры”, вторая площадка будет работать в полном объеме». Андрей Апостолов рассказал о некоторых новшествах в программе фестиваля:

«В прошлом году мы протестировали показ сериалов и в этом сделали отдельную внеконкурсную программу, у нас будет три разных сериала: телевизионный “Столыпин”, платформенный “Эль Русо” и документальный “Киборг”. Еще одна наша новинка — кураторские программы — “Год семьи” и “Булгаков. Избранное”, ретроспективные показы с экранизациями Булгакова. Еще одно интересное новшество, которое мы надеемся воплотить в жизнь, если не вмешается выборгская погода, — церемония открытия в парке Монрепо».

Тенденцией программы Андрей Апостолов назвал ее многообразие: «При отборе я не руководствовался намерением выделить тенденцию, наоборот, в этом году программа отличается разнообразием. Если и  выявлять тенденцию, то она неочевидная — благодаря географии, гендерному балансу наше кино становится разнообразным».

В этом году основной конкурс представлен одиннадцатью фильмами:

«Моя девочка» режиссера Сергея Потапова, одного из отцов-основателей феномена якутского кино. Жесткий магический триллер, в основе которого лежит азербайджанская пьеса 1920-х годов.

«Ласточка» дебютантки Малики Мухамеджан. Картина, спродюсированная «ВГИК-Дебют» и сделанная в копродукции с Казахстаном и Италией, повествует о любви девушки из степи к иностранцу. Фильм, основой для которого был диплом Малики, до этого показывался на престижном Шанхайском фестивале.

«Особенности национальной больницы» Станислава Светлова. Экранизация сценария «Волонтер», классика советского кино и ленинградской школы Александра Рогожкина. Как и в других «Особенностях…», в центре сюжета — иностранец, который попадает в непонятную и дикую для него среду русского быта.

«За нашим домом сад» режиссера Антона Нефедова. Попытка рефлексии первой чеченской кампании, переданная через оптику ребенка, для которого война — это всего лишь игра. Продюсером картины выступила Елизавета Антонова — постоянная соратница Александра Миндадзе.

«Легенды вечных снегов» Алексея Романова. Еще одна картина, снятая значимым якутским кинематографистом и еще одна экранизация произведения. Фильм, вдохновленный рассказом Николая Заболоцкого «Мааппа», продолжает национальную традицию «мистического реализма» в сеттинге суровых якутских снегов.

«Затерянные в городе» регулярного участника фестиваля Романа Каримова. Загадочный бадди-муви с Егором Корешковым и Никитой Кологривым.

«Наступит лето» еще одного режиссера-дебютанта Кирилла Султанова. И еще одна копродукция, на этот раз с Германией. Вариация на тему «принц и нищий» с главной молодой звездой отечественного кино Марком Эйдельштейном.

«Поводок» режиссера Юлии Колесник. Драма на тему семейных взаимоотношений, выполненная в холодной эстетике скандинавского кино.

«Филателия» Натальи Назаровой. История любви на фоне суровых пейзажей русского севера.

«Правила Филиппа» дебютанта Романа Косова. Фильм на чувствительную тему: у главного героя Филиппа есть мечта стать баристой, но есть один нюанс — у него синдром Дауна.

«Ровесник» Федора Кудрявцева. Стильный мокьюментари о том, как сын исследует тайну из молодости своего отца. В картине снялось много молодых актеров, компанию им составили опытные Александр Яценко и Анна Михалкова.

Жюри игрового конкурса также соответствует магистральной теме пресс-конференции — преемственности и наследования.

Екатерина Филиппова — продюсер, чей фильм «Нина» был картиной открытия фестиваля в прошлом году.

Дарья Коныжева — актриса, сыгравшая одну из главных ролей в картине «Свет», которая победила в Выборге в прошлом году.

А также кинопродюсер Мария Ушакова, сценарист Илья Тилькин, актриса Марина Александрова и председатель жюри – режиссер Владимир Котт.

ТЕАТРАЛЬНЫЕ ПРЕМИИ

В МХТ имени А.П. Чехова состоялось вручение «Премии Художественного театра»

Худрук МХТ Константин Хабенский выехал на сцену на операторской тележке, движущейся вместе с камерой по рельсам.

«Когда что-то делаешь во второй раз, у людей появляется ощущение, что для тебя это важно. Что тот первый раз не был случайностью, – сказал Константин Хабенский.–Поверьте, так оно и есть! Ваши ощущения вас не обманывают. Нам действительно очень важно отмечать молодых, чтобы самим сохранить способность удивляться, восхищаться их талантом, по-честному радоваться их успехам. Нам очень хочется не разучиться чувствовать и видеть других. Только так может происходить движениевперед. Причем не только в искусстве, но и в жизни».
Новшество второй церемонии «Премии Художественного театра» – номинация «Зачёт», которая отмечает тех, кто пока лишь готовится стать профессионалом. Приз в этой номинации присуждаетсястудентам Школы-студии МХАТ, которые наиболее ярко проявили себя в прошедшем году.Награду вручил ректор Школы-студии МХАТ Игорь Золотовицкий. Победительницей в номинации «Зачёт» при горячем ликовании галерки стала Алесия Некрасова, студентка 4 курса актерского факультета (мастерская Виктора Рыжакова).

Лауреата в номинации «Опера» наградила оперная певица, сопрано Хибла Герзмава. Победительницей стала Елизавета Пахомова, сопрано, артистка Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко.

Хореограф, танцовщик Владимир Варнава вручил приз в номинации «Балет».Вместо вступительной речи он исполнил краткий, но зажигательный танец под аккомпанемент оркестра «Вечерние Единороги» под руководством Валерии Коган и назвал победительницуЕву Сергеенкову, ведущую солистку Большого театра.

Писатель Алексей Варламов, выйдя на сцену Художественного театра,назвал имя победительницы в номинации «Литература». Ею стала Александра Шалашова, автор романа «Камни поют».

Пианистка, педагог Екатерина Мечетина вручила наградув номинации «Классическая музыка».Приз забрал дирижер Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Федор Безносиков.

В категории «Современная академическая музыка»победил Сергей Шестаков, автор музыкальной пьесы «Собака Баскервилей». Приз вручил композитор Павел Карманов.

У «Премии Художественного театра» есть особая номинация – «Без комментариев». Во время первой церемонии ее лауреатом стал Станислав Андреевич Любшин, отметивший в 2023 году свое 90-летие. Как и в прошлом году, лауреат этого года заставил зал аплодировать стоя. Это был спортсмен, олимпийскийчемпион, двукратный чемпион мира по фигурному катанию Роман Костомаров. Это решение Художественного театра действительно не нуждается в комментариях. «Надо поблагодарить всех вас, за вашу любовь, за вашу поддержку, я знаю, что много людей молилось, когда я пытался вырваться из лап смерти», – сказал Костомаров.

Награду в номинации «Кино» вручила кинорежиссер, продюсер, сценаристАнна Меликян.Победителем стал Рузиль Минекаевза роль в сериале «Слово пацана. Кровь на асфальте». Рузиль не смог быть на церемонии, и приз за него принял продюсер сериалаФёдор Бондарчук.

И, наконец, категория «Театр». Приз вручала актриса Агриппина Стеклова. «Премии надо получать вовремя», – подвела итог Агриппина, поздравляя Ксению Трейстер, получившую наградуза роль Сонечки Голлидэй в спектакле Театра имени Вахтангова «Повесть о Сонечке».
По традиции, между номинациями были показаны видеообращения мэтров отечественного искусства: оперной певицы Нины Терентьевой, сценариста, художникаАлександра Адабашьяна, композитора, философа Владимира Мартынова, кинорежиссера, продюсера Андрея Кончаловского.

УРОКИ ФРАНЦУЗСКОГО В ФИЛЬМЕ «НУЖДЫ ПУТЕШЕСТВЕННИКА»

Ирис (Изабель Юппер) оказалась в Южной Корее без денег и знакомств. Одинокая пожилая женщина в незнакомом городе без знания корейского.  Что делать в такой ситуации? На её месте может оказаться каждый. Чтобы подработать, Ирис начинает давать частные уроки французского в Сеуле. Наблюдая за людьми, изучая характеры, она погружается в неизвестную культуру. То, как она общается со своими очень разными учениками,  придумывая при этом свой совершенно оригинальный метод обучения иностранному языку, — самое интересное. За обучением словами стоит обучение уже нас зрителей главному искусству жизни – общению между людьми. С каждым новым учеником мы совершаем путешествие в его мир. И получаем урок душевной деликатности, которая разворачивается у нас на глазах. Происходящее стоит смотреть очень внимательно. Действие развивается не быстро. Но в нем много деталей, которые важно не прозевать, чтобы почувствовать все оттенки необычной ленты.

Работа всех артистов очень слажена. Это хорошо налаженный оркестр, где у каждого своя партия. То соло, то дуэт, то трио…

Особенно хорош финал. Когда мать одного из учеников узнает, что её сын-музыкант и композитор — приютил у себя странную пожилую француженку, её разрывает ревность, обида и боль, которые она не в силах в себе остановить.

«Нужды путешественника» — фильм, получивший гран-при жюри Берлинале-2024. Драмеди южнокорейского режиссёра Хон Сан-су, многократного лауреата Берлинского фестиваля, четырёхкратного номинанта на главную награду Каннского кинофестиваля.

Хон Сан-су родился в Сеуле в 1960 году в семье  кинопродюсеров  компании Cinetel Soul. Учился на театральном факультете в университете Чунг-Анг. Затем получил степень бакалавра Калифорнийского колледжа искусств и степень магистра киноведения в Школе Чикагского института искусств. Во время учёбы в Чикаго открыл для себя фильмы Робера Брессона и картины постимпрессиониста Поля Сезанна. «Когда я обнаружил картину Сезанна “Натюрморт с яблоками”, а также “Дневник сельского священника” Робера Брессона, то был так счастлив, потому что это своего рода повествовательный фильм, но такого уровня, которого я раньше никогда не встречал. Это вдохновило меня, и я решил, что тоже смогу рассказывать истории», — говорит режиссёр. Также на Хон Сан-су оказало влияние творчество Ясудзиро Одзу и Эрика Ромера. Вернувшись в Корею в 1992 году, начал карьеру на телевидении. В 1996 году дебютировал как кинорежиссёр с фильмом «День, когда свинья упала в колодец», который стал первой работой Хон Сан-су, показанной в основном конкурсе Каннского кинофестиваля, и был отмечен наградами международных фестивалей в Роттердаме и Ванкувере. Фильм не окупился в южнокорейском прокате, но имел успех у международной публики и критиков. С 1997 по 2002 год работал профессором кафедры кино Корейского национального университета искусств, а с 2008 года — профессором кафедры кино в Университете Конкук.

За 28 лет карьеры снял 33 фильма. Говоря о своем методе работы, Хон Сан-су рассказывает: «Могу показаться безответственным, но я до конца не знаю, как именно действую при съёмках фильмов. У меня есть цель. Я осознал для себя, что работаю по тому методу, который мне нравится и который я развил. Я стараюсь запечатлеть вещи, а затем расположить их более естественно. Что-то приходит ко мне во время съёмочного процесса. Чувства исходят из моей головы и сердца. Я очень интуитивно выбираю конкретного человека на роль, дату и место съёмки, а нужная погода сама приходит ко мне. Не могу рационально описать свои творческие процессы. Раньше я пытался найти причину, почему я сделал то или иное, но сейчас понял — не нужно искать причины. При съёмках может случиться намного больше, чем то, к чему я изначально стремился. В обычной жизни чувствуешь то же самое. Конечно, мне нравятся авторы, которых называют “поэтами”. Мне нравятся их работы. Я стремлюсь к схожему методу».

Может быть, стоит присмотреться к его работам, кто работает со словом, текстом. изображением, звуком…  чтобы расширить диапазон своих возможностей.

«ТАРТЮФ» ПОД КРЫШЕЙ МОССОВЕТА
Драма с почти трагическим финалом
.
17 апреля 2024 года в 14 часов на сцене «Под крышей» Театра Моссовета состоится пресс-показ спектакля «Тартюф»в постановке художественного руководителя театра Евгения Марчелли.
В 2024 году пьесеЖ.-Б. Мольера «Тартюф, или Обманщик» исполняется 360лет. Великая комедия Мольера — один из ключевых текстов мирового репертуара, пьеса с грандиозной сценической историей и бурной предысторией привлекает театр уже более трех столетий. Автор создал персонаж, имя которого стало нарицательным, отделилось от пьесы и превратилось в символ лицемерия и ханжества, которые за прошедшие 360 лет не устарели и даже не слишком изменили свою внешность.
Режиссер спектакля Театра Моссовета Евгений Марчелли, одной из характерных особенностей творческого почерка которого является поиск новых смыслов произведения, созвучных пульсу времени, расставляет психологические акценты этой пьесы таким образом, что всем знакомые герои открываются зрителю иными гранями. После свадьбы Эльмира, молодая жена Оргона превращает их дом в место постоянного праздника. Чем это может закончится – вот вопрос, на который, возможно, вы найдете ответ в спектакле.

Сценическая версия и постановка — заслуженный деятель искусств РФ Евгений Марчелли
Художник-сценограф, художник по костюмам – главный художник Театра Моссовета Анастасия Бугаева
В главных ролях – народная артистка РФ Ольга Остроумова, заслуженные артисты РФ Виталий Кищенко, Валерий Ярёменко, Екатерина Гусева и Лариса Кузнецова, а также Анна Михайловская, Дарья Балабанова и др.
Продолжительность спектакля – 2 часа без антракта
Возрастное ограничение – 16+

Премьера спектакля состоится19 апреля и 2 мая 2024 в 19-00 на сцене «Под крышей» театра.

«СВАДЬБА» НА ТАГАНКЕ

6 апреля 2024 года на Новой сцене театра на Таганке состоялась премьера спектакля Александра Карпушина «Свадьба» по мотивам одноименного киносценария Павла Лунгина и Александра Галина.

 Спектакль смотрится на одном дыхании.  Так стремительно развиваются в нем события. И два с половиной часа с антрактом пролетают незаметно. Все актеры работают на азарте,  нерве. У каждого персонажа получился свой неповторимый характер, стиль, интонация…

Правда, казалось, что все актеры куда-то стремительно спешат. Иногда так быстро говорят, что не все фразы успеваешь расслышать, хотя и сидишь в первых рядах. Такая скороговорка. Но потом понимаешь,  что тут слушать-то не так важно, сколько видеть и следить за происходящим. Все очень узнаваемо. В памяти  невольно вспоминается яркий  фильм «Свадьба» Павла Лунгина, хотя  вышел он 24 года назад. Настолько там все было  выразительно прописано, исполнено и снято. Тем не менее новый вариант по-театральному хорош и интересен и значительно отличается от кинематографического. 

Хороши и выразительны декорации, которые не статичны, а  благодаря световой режиссуре  ставят свои важные акценты в каждой сцене. Например, когда гости за столом узнают, что  главному герою – жениху Мише Крапивину (Кирилл Янчевский) предстоит идти в КПЗ, свет на короткий момент становится мертвецки синим.

В каждой сцене узнается сразу атмосфера провинциального городка, где ничего не изменилось со времен советской власти. Обшарпанные пятиэтажки. Бедность, пьянство, дворовые ссоры и конфликты. Зато где-то там сказочная Москва. И вдруг из этого рая возвращается первая красавица городка Таня Симакова (Евгения Мугайских), которая в 17 лет уехала  покорять Москву, работала моделью, и вдруг вернулась домой. Да еще так внезапно  выходит замуж. Собственно, вот весь сюжет. Но в нем раскрываются вечные российские проблемы. 

Сами авторы так определили главный посыл  своей работы: «Первый вальс сорван, годы потеряны, встреча внезапная… Монетка подброшена, орел или решка, на свадьбу пора! Сережки украдены, невесте подарены, а вор ли жених? В своем новом спектакле в жанре социальной сказки авторы проверяют теорию вероятности, когда в ход событий вмешивается самое непредсказуемое «случайное явление» – любовь. Иррациональная, неусредненная, авантюрная и настоящая – эта любовь обнажает русскую душу, способную на большие поступки, которые совершаются бездумно, в порыве чувств. Эта постановка про любовь и ни про что больше». Во многом убедиться в этом помогают  прекрасно подобранные и хорошо исполненные  музыкальные вставки и фрагменты песен, композиций, которые изящно соединяются с каждым фрагментом происходящих событий, подчеркивая не только эмоциональную, но и смысловую значимость каждого эпизода этого нового спектакля.

Творческое объединение «Вахтанговский Практикум»
На сцене открытого театрального пространства «Арт-платформа» в Новом Манеже

ПРЕДСТАВЛЯЕТ ПРЕМЬЕРУ СПЕКТАКЛЯ:
«Хвала Котам, или Приношение Почтеннейшей Публике»16+
по мотивам пьесы Людвига Тика «Кот в сапогах» и рассказа Эрнста Теодора Амадея Гофмана «Необыкновенные страдания директора театра».
Режиссёр – Ася Князева

Премьера спектакля:18 и 19 апреля в 19:00
19 и 20 мая в 19:00
По адресу: Георгиевский переулок, д. 3, стр. 3

Спектакль «Хвала котам, или Приношение Почтеннейшей Публике»основан на пьесе Людвига Тика «Кот в сапогах» и повести Эрнста Т.А. Гофмана «Невероятные страдания директора театра». Оба этих классических текста объединены единой темой — попыткой понять природу творчества. Возможен ли замысел в чистом виде? Что влияет на конечный результат? Где мера между «высоким» и «низким» в театре? Что же такое театр на самом деле?

Особенность театрального искусства состоит в том, что театр всегда существует «здесь и сейчас». Актер и зритель созвучны во всем, начиная от исторических реалий, в которых они сосуществуют, и заканчивая погодными условиями за окном. И театр всегда остро откликается на время, в котором он существует. Поэтому в исторически трудные и переломные эпохи важно заново переосмыслять назначение театра. Да, сейчас люди нуждаются в театре особенно остро. Однако, сам он колеблется, не понимает, какую картину мира должен отражать, о чем говорить со зрителем и на каком языке. Легко свести миссию театра к банальному «развлечению» — «утешению» зрителя, но не стоит забывать, что театр является древнейшим видом искусства, который говорил с человеком о самых главных и существенных вещах.

В спектакле «Хвала котам, или Приношение Почтеннейшей Публике», театр — главное действующее лицо. Отличительная черта пьесы Людвига Тика в том, что в ней как персонажи присутствуют зрители. Актеры играют зрителей, что дает уникальную возможность посмотреть на театр с разных углов зрения. Зритель и актер всегда находятся в диалоге и именно этот диалог театр Вахтанговский Практикум и режиссер Ася Князева выносят на первый план.

Система персонажей в спектакле обьединяет маски итальянской Комедии дель арте и «Амплуа актера» В. Э. Мейерхольда.

Ася Князева: «В спектакле практическим путём изучаются различные формы актерского существования.»

В свое время все персонажи, все характеры пришли на сцену из зрительного зала, смотря на сцену зритель отражается в своем же отражении. И что же он там видит? Особенно если в этот момент все пришли посмотреть на добрую и волшебную сказку «Кот в сапогах»…

СОЗДАТЕЛИ:
Режиссер и автор инсценировки – Ася Князева
Композитор – Иван Авдеев
Художник по костюму – Екатерина Мирошниченко
Художник по гриму – Виктория Слащилина
Продюсер – Николай Романовский

В РОЛЯХ:
Гоша Шимоненко-Хвастун
Антон Власов-Отщепенец
Олег Парменов/Вадим Степанов-Моралист (в составе)
Иван Авдеев-Социопат
Руслан Погодин-Фат
Вероника Фаворская/Мария Лисовая-Влюблённая (в составе)
Полина Утукина-Суфражистка
Софья Игрушкина/Анна Карабаева-Кокетка (в составе)
Тома Лаврик-Интриганка

Возрастное ограничение 16+

«Повести Пушкина» в театре Вахтангова

6 июня 2024 года исполнится 225 лет со дня рождения Александра Сергеевича Пушкина.
В преддверии юбилея великого русского поэта, 26 и 27 марта – в Международный день театра, на Основной сцене Театра имени Евгения Вахтангова состоялась премьера спектакля «Повести Пушкина» в постановке Анатолия Шульева — главного режиссёра Вахтанговского театра.
Занавес еще не поднялся. Но спектакль уже начался. На черном бархатном фоне светятся два слова «Повести Пушкина». А когда занавес поднялся – сцена огромная, как Россия, и на ней три сосны. Первая ассоциация — «На Муромской дорожке…».
Перевод простой и ясной прозы Пушкина на театральный язык шел по тому же принципу ясности и простоты плюс метафорической условности обозначаемых предметов, событий, аксессуаров.
Все это сочеталось с тактичным введением отдельных, но очень актуальных стихов Александра Сергеевича, которые перекликались с трагическими событиями 22 марта 2024 года.
Введение регистра поэзии очень важно для полноты восприятия образности многогранного Пушкина. «Человек дороги», он же голос повествователя – Валерий Ушаков – мягко передавал интонацию писателя Ивана Петровича Белкина, который был своеобразной формой прикрытия от цензуры самого реального автора.
Атмосфера повествования четырех произведений: «Барышня-крестьянка» «Станционный смотритель», «Выстрел» и «Метель» — передана выразительной игрой актёров, а также несколькими узнаваемыми штрихами аксессуаров того времени. Одежда, стулья, дуэльные пистолеты… При этом эмоциональность сюжета каждой повести, меняясь каждый раз по своей главной теме, продолжала вести некую общую линию, которая пронизывала все произведения. Будь это игры и вскрики крестьянских девушек, общение двух соседей-помещиков, поведение офицеров и героя «Выстрела» Сильвио. Здесь нельзя не отметить одну из сильнейших театральных метафор спектакля. Когда от выстрела охотничьего ружья вдруг со страшным скрипом падает одна из трёх сосен. Она потом так и лежит после антракта и до конца всего действия, став зримым своеобразным мостиком, связывающим все четыре произведения. Во многом созданию общего цельного впечатления способствовала точно подобранная и прописанная музыка, которая без слов также рассказала о многом зрителям. О чем именно, здесь дадим слово самому режиссеру спектакля Анатолию Шульеву.
В Болдино, в уединении поэт пишет своё первое завершенное прозаическое произведение, знаменитые «Повести Белкина», и думает о Провидении. Всю жизнь обращавший внимание на знаки судьбы, Александр Сергеевич этими своими повестями как будто подводит своеобразные итоги прошлого и думает о будущем. Герои его историй любят, страдают, играют роли, блуждают в метели, стреляются на дуэлях, гонятся за похищенной дочерью, ищут счастье, но, в конце концов, всё в их жизнях меняет Случай. Как пишет сам Пушкин: “Ум человеческий видит общий ход вещей и может выводить из оного глубокие предположения, часто оправданные временем, но невозможно ему предвидеть Случая – мощного мгновенного орудия Провидения”.
Спектакль посвящён хитросплетениям судьбы. История про житейское море, которое существует по каким-то своим, высшим законам. Ты не всегда можешь управлять стихией, но можешь выбирать, куда тебе идти. В повестях много описаний природы, чудес, встреч, любви, страданий. Пушкин, как настоящий романтик, преломляет в своем воображении реальную жизнь, идеализируя её и наполняя особой красотой. Пушкин очень содержательный, таинственный. И эти тайны хочется разгадывать. За простым фасадом много чего спрятано. Мы будем говорить о времени, и ключевой посыл всей истории – мысль о том, что за смертью всегда следует новая жизнь, и этот круговорот вечен.
Произведения А.С. Пушкина не раз появлялись на Вахтанговской сцене – большой успех и несколько возобновлений выпало на долю «Маленьких трагедий» в постановке Е.Р. Симонова. Поэзия Пушкина звучала в исполнении В.С. Ланового в «Пристани». Два шедевра – «Пиковая дама», поставленная П.Н. Фоменко, и «Евгений Онегин» в постановке Р.В. Туминаса – стали этапными в жизни Театра. В последние годы репертуар Театра Вахтангова пополнен и другими пушкинскими произведениями – «Сказка о попе и о работнике его Балде» режиссёра А.А. Коручекова, «Сказка о царе Салтане» в исполнении Александра Олешко и моноспектакль Евгения Князева «Пиковая дама».
В команде создателей спектакля: Анатолий Шульев – постановка и инсценировка, Максим Обрезков – сценография, Мария Данилова – костюмы, Полина Шульева – музыка, Анастасия Соловьёва – хореография, Александр Матвеев – свет.
Роли исполняют: Валерий Ушаков, Александр Рыщенков, Юрий Шлыков, Александр Горбатов, Дмитрий Соломыкин, Константин Белошапка, Семён Арзуманов, Григорий Здоров, Михаил Коноваленков, Анна Антонова, Анна Чумак, Полина Бондарь, Полина Рафеева, Анна Ляхова, Анастасия Джентилини.

ГОРЬКАЯ ПРАВДА НЕЛЕГАЛЬНОЙ ЭМИГРАЦИИ

Итальянский режиссер Маттео Гарроне поставил перед собой благородную задачу. Рассказать настоящую правду о путешествии нелегальных эмигрантов из Африки в Европу.
Сытым  и богатым странам явно не хватает знания о том, что происходит с обычными людьми, особенно когда кто-то  из жителей пытается  приехать к ним в гости без их на то разрешения. Главные герои  фильма «Я — капитан» — два сенегальских подростка Муса и Сейду — проходят через все  круги земного ада, когда  отправляются в Богом благословенную Италию.

Тайком от родителей они накопили денег, работая на тяжелых изнурительных работах. Потаскали мешки, помесили раствор на стройке. Все это в ущерб школьным занятиям. И, несмотря на предупреждения своих родителей и взрослых людей, ранним утром отправляются в дорогу.

На главные роли автор взял непрофессиональных актеров. В самом начале фильма они вместе с режиссером сами говорят о том, что зритель увидит не столько художественную, сколько в большей  степени документальную правду.  

Юные герои, насмотревшись на прелести жизни в далекой Европе через всезнающий и всевидящий интернет, размечтались  подключиться  к этим радостям манящего мира. Но африканцам присуще особое мифологическое мышлении. Поэтому в трудные минуты чудовищных испытаний (когда попадают в рабство, получают травмы, изнемогают от жажды…) в картине появляются летающие женщины и добрые африканские ангелы. Это слабое утешение необходимо, чтобы зрители передохнули от тех испытаний, на которые  без содрогания смотреть иногда просто невозможно.

В картине с самого начала громко звучит социальная тема  существующего неравенства на нашей планете. Страны золотого миллиарда стараются закрывать глаза на последствия своей прошлой колониальной политики. Поэтому кинолента особенно актуальна для нашего времени. Впрочем, далеко не все люди с обостренной совестью, в том числе и деятели современного кинематографа,   закрывают глаза. Они все прекрасно видят и пытаются показать это другим. Об этом говорит хотя бы внушительный список наград  фильма…

 

Оскар

Лос-Анджелес, Калифорния, США

Номинации

Лучший международный фильм

Год: 2024

Золотой глобус

Лос-Анджелес, Калифорния, США

Номинации

Лучший фильм на иностранном языке

Год: 2024

Венецианский кинофестиваль

Венеция, Италия

Награды

Серебряный лев

Маттео Гарроне

Год: 2023

Приз Марчелло Мастроянни

Сейду Сарр

Год: 2023

Номинации

Золотой лев

Год: 2023

МХТ имени А.П.Чехова объявляет шорт-лист «Премии Художественного театра» и представляет новую номинацию

27 марта 2024 года, в Международный день театра, на Основной сцене МХТ имени А.П. Чехова во второй раз состоится церемония награждения лауреатов «Премии Художественного театра», направленной на популяризацию молодых деятелей искусств до 35 лет включительно, ярко заявивших о себе в минувшем 2023 году. Премия пройдет при поддержке Банка ВТБ.

Художественный руководитель МХТ имени А.П. Чехова Константин Хабенский:
«В традициях Московского Художественного театра – создавать новые традиции. Начало одной из них было положено год назад, когда МХТ учредил премию для талантливой молодёжи. «Премия Художественного театра» вышла за рамки театрального сообщества и охватила самые разные сферы искусства – кино, музыку, литературу. Это тоже в традициях МХТ – объединять лучшее, что есть в русской культуре. Достаточно вспомнить, сколько выдающихся писателей и композиторов вносили свою лепту в дело Художественного театра. Премия была учреждена в год 125-летия МХТ. Театр с такой историей может позволить себе отмечать новые таланты и помогать им. Это ещё один наш вклад в развитие отечественной культуры».

Шорт-лист «Премии Художественного театра» в области искусств в номинациях «Балет», «Опера», «Литература», «Кино», «Театр», «Классическая музыка», «Современная академическая музыка» формируется экспертным советом. В этом году в него вошли: балетный критик Лейла Гучмазова, музыкальные критики Марина Гайкович и Юлия Бедерова, литературовед Дмитрий Бак, кинокритик Егор Москвитин, театральный критик Глеб Ситковский, профессор Московской консерватории Евгения Кривицкая. Победителей в основных номинациях определяет жюри, состав которого в этом году расширен и будет объявлен дополнительно. Также в этом году к специальной номинации «Без комментариев»добавится новая номинация – «Зачёт». Приз в ней будет вручен студенту Школы-студии МХАТ, наиболее ярко проявившему себя в 2023 году, а номинантов и победителей определит ректорат Школы-студии МХАТ.

ОПАСНАЯ КРАСОТА «НЕЖНОГО ВОСТОКА»

После интима молодая красивая пара лежит в расслабоне. Он показывает ей мешочек презерватива, полный его спермы, со словами: «Может, сохранишь. Я стану знаменитым…»

Такое шокирующее начало фильма накрывает с головой и не отпускает до конца. Но знаменитым оказывается не он, а девушка по имени Лилиан (Талия Райдер). Её лицо и фигура источают искреннее обаяние. Все, кто её видят, не могут ей не симпатизировать.
Между тем действие несётся с нарастающей скоростью, тормозя на изящных сценарных поворотах. Словно из-за угла появляются разные неожиданные персонажи, каждый со своими прибамбасами и тараканами в голове, полные бесстыдства и молодого очарования. Но все они безукоризненно выполняют поставленную перед ними актерскую задачу — быть в свите главной героини.
Мешают восприятию титры — фильм, к сожалению, не дублирован. Но сделать это было бы и невозможно, настолько ярки, стремительны диалоги и колоритен слэнг персонажей.
Вот с героиней делится своим печальным прошлым недавняя знакомая девушка, которую ударил парень, они расстались, она в депрессии… Оказавшись в другой ситуации, героиня выдает эту историю за свою очень интеллигентному преподавателю английского языка и литературы в университете, который сначала сочувствует, потом влюбляется, пытаясь заботой и вниманием вытащить героиню из депрессии. Что из этого выходит, стоит посмотреть.
Фактически фильм лучше было бы назвать «Опасная красота», чем мало понятное и загадочное название «Нежный восток».
В фильме множество ярких выразительных персонажей, которые как в карусели появляются, блестяще исполняя свой номер, и под неслышные аплодисменты зрителей исчезают. Нельзя не упомянуть пару афроамериканских кинопродюсеров, больше похожих на весёлых клоунов из цирка. Или мрачных мусульманских рабочих, исполняющих дикие ночные танцы у костра.
Как отмечали авторы, многие сцены были взяты из личной жизни. Смотрели по ТВ, как во время школьной поездки в Вашингтон пропала одна школьница старших классов. Что с ней стало потом, осталось домыслить и показать зрителям.

«ОНЕГИН» НА КИНОЭКРАНЕ

В марте в прокат вышел российский фильм «Онегин» по роману в стихах Александра Пушкина.

Евгения Александровича Онегина сыграл Виктор Добронравов. Он больше напоминал породистое хищное животное, которое сыто и довольно наблюдает за происходящим, но, проголодавшись, может стремительно броситься на охоту. У этого животного масса оттенков, оно может быть остроумным, наблюдательным, независимым, раздраженным, искренне страдающим. Режиссер Сарик Андреасян выбрал Виктора после того, как увидел его в главной роли спектакля «Евгений Онегин» в Театре им. Е. Вахтангова.

Роль Татьяны Дмитриевны Лариной исполнила жена режиссера Лиза Моряк. Это очаровательный глубоко чувствующий агнец на заклании. От встречи с хищником ему не уйти.   В фильме много неожиданного, что заставляет пересмотреть привычное понимание  нашей, по словам Виссариона Белинского, «энциклопедии русской жизни». Например, интересно получилось сочетание стихов и прозы, которую авторы  дерзко включили в ткань ленты. Также неожиданно и смело получилось введение роли  рассказчика, которого сыграл Владимир Вдовиченков. Это по сути собирательный образ самого автора романа — огрузшего мужчины плотного телосложения, который  ходит с тростью в одежде  19 века, комментируя и дополняя происходящее. При этом он остается слишком объективным  рассказчиком, мы не чувствуем его неуловимого сопереживания к каждому персонажу разворачивающейся мелодрамы, которой пронизаны строчки Пушкина.

Сюжет романа сохранен. Евгений Онегин – прожигатель жизни — ведет насыщенную светскую жизнь в столице России: посещает рестораны, великосветские салоны, театральные премьеры. И тут у него умирает дядя  «самых честных правил». Евгений получает в наследство богатое поместье. Из-за нелюдимости он слывёт среди соседей невежливым чудаком, фармазоном.

 Одни из полноценных персонажей фильма – времена года —  осень, зима, весна, лето… Они возникают и пропадают  неслышно, но ярко и значительно влияют на восприятие происходящего. Присутствие фактора времени для авторов фильма имеет еще одно важное значение.

Персонажи «Онегина» явно старше героев оригинального произведения Пушкина на 10–15 лет. «Это было принципиально, поскольку я не вижу своих героев подростками. Жизнь и возрастные критерии сильно изменились, и прежние 25 лет — это сегодняшние 40. Я не готов идти за историей любви, в которой героям по 13–18 лет. Это была бы совсем иная тональность», — сказал режиссер Сарик Андреасян.

При всем сочувствии авторов фильма к Онегину, они безжалостно показывают его убийцей и разрушителем жизней. Первый кадр  начинается со сцены дуэли на заснеженном поле. Сразу ассоциация со смертью Пушкина. А потом ответ на вопрос, как же это случилось…

Показалось, что  глубоко скрытые симпатии  авторов находятся на стороне семейных ценностей, которые  с любовью, а иногда с доброй, иногда иронической улыбкой, показаны  в фильме. Одним из критериев удачи ленты у молодого поколения россиян  является отсутствие включаемых телефонов во время сеанса. На пресс-показе их почти не было. Впрочем, об этом лучше судить самим зрителям, когда они посмотрят фильм.

Наша справка

Фильм идет два с половиной часа. «Евгения Онегина» Александр Пушкин писал 7 лет 4 месяца 17 дней — с 1823-го по 1830-й. Современники писателя читали роман в стихах по главам, которые издавались с 1825 года отдельными книгами. Пушкину платили гонорар за каждую главу: всего за «Евгения Онегина» поэт получил 12 тыс. руб. (10,5 млн руб. в пересчете на современные деньги).

В 1833 году вышло первое полное издание. Версия, которая известна всем школьникам (с правками и изменениями), была опубликована в 1837-м.

Распространена версия, что в «Евгении Онегине» Татьяне в начале произведения 13 лет. Такое ошибочное суждение возникло из-за строки «У девочки в тринадцать лет!» Согласно литературоведу и пушкинисту Юрию Лотману, на самом деле Татьяне — 17 лет, а Онегину — 26.

 «Онегина» снимали в Санкт-Петербурге и его окрестностях — в тех местах, где бывал автор романа Александр Пушкин. Создатели фильма обещают представить «адаптированную под современную искушенную аудиторию экранизацию, сохранив при этом тональность и колорит оригинала».

В 1911 году вышла первая экранизация «Евгения Онегина». Российскую немую ленту снял режиссер Василий Гончаров, а главную роль исполнил Петр Чардынин.

В 1958-м кинорежиссер Роман Тихомиров снял фильм-оперу «Евгений Онегин». За основу он взял одноименную оперу Петра Чайковского, созданную по роману Пушкина. В фильме сыграли Вадим Медведев, Ариадна Шенгелая и Светлана Немоляева, а вот вокальные партии исполнили звезды Большого театра: Евгений Кибкало, Галина Вишневская и Лариса Авдеева.

В 1998-м вышел британский фильм «Онегин», который сняла Марта Файнс. Евгения Онегина сыграл Рэйф Файнс («Список Шиндлера»), Татьяну Ларину — Лив Тайлер («Властелин колец»), Владимира Ленского — Тоби Стивенс («Умри, но не сейчас»).

«ВЕРОНИКА РЕШАЕТ»

«Тебя никто никогда не обнимал?..»

Московский драматический театр «Модерн» представляет премьеру спектакля «Вероника решает». В основе постановки – мировой бестселлер Пауло Коэльо («Вероника решает умереть»), самый продаваемый роман в мире.

Режиссер Юрий Грымов в своем спектакле продолжает исследовать природу человека, погружая зрителей в захватывающую, пронзительную, сакральную историю о тайне жизни.

Как посмотреть в лицо собственным страхам и отчаянию? На что способна настоящая Любовь и Надежда? Возможно ли вновь поверить в свои силы и научиться доверять жизни?..

«Для меня это самый жизнеутверждающий бестселлер Коэльо. Мы должны верить в свою жизненную силу. Нужно научиться ценить жизнь. Любовь и люди, которые нас окружают, помогут нам справиться с любыми трудностями». Юрий Грымов

В спектакле заняты: Анастасия Сычева, Дмитрий Бозин (заслуженный артист РФ), Надежда Меньшова, Александр Борисов, Жанна Чирва, Роман Зубрилин, Леонид Трегуб (заслуженный артист России), Любовь Новак (заслуженная артистка РСФСР), Мария Орлова, Лев Смирнов, Марианна Канивец, Александр Жуков и другие.

ПРЕМЬЕРА: 7, 9, 10 и 13 марта

«ПРОШЛЫЕ ЖИЗНИ» ПРИХОДЯТ ИЗ ДЕТСТВА

Сюжет этого фильма кажется простым. Подростки с детства знали друг друга. Ён-на (Грета Ли) Хэ-сон (Те Ю) были лучшими школьными друзьями. И кажется, должна была зародиться между ними любовь. Но она уехала из родного города, вышла замуж, стала писательницей и теперь живет в Нью-Йорке. Но отпечаток прошлой жизни так просто не проходит. И она получает сообщение в социальной сети — ее первая любовь написал ей письмо спустя 20 лет. Каждый человек за это время меняется. Но что-то и остается.

Земной шар давно превратился в большой котел. Идет перемешивание языков, наций, обычаев… Авторы фильма пытаются вглядеться в эти глубокие изменения, которые происходят со всеми нами.

Девочка с семьей эмигрировала в Канаду, а затем в США. Парень же остался в Южной Корее. Спустя годы она  стала Норой и теперь англоязычный драматург.  Хэ-сон уже успел отслужить в армии и стать инженером. Что их может связать? Не только воспоминания из прошлой жизни, но еще и язык, на котором они думают, на котором им снятся сны. Это остро чувствует муж Норы, тоже писатель, американский еврей Артур (Джон Магаро). И его поведение  в высшей степени деликатно, хотя он и ревнует свою жену, стараясь не показывать этого.

Перед нами как будто классический треугольник. Но никаких измен и разрушенных семей не будет. Речь о другом. О тончайшей акварели чувств, которую рисует режиссер Селин Сон. Прошлые чувства оживают на другой почве, в которую вросла героиня. И мы видим, как они пытаются прорасти. Но так и не прорастают, оставшись где-то там, под землей.

Все роли актеры сыграли на высочайшем профессиональном уровне. Никто не сфальшивил ни одной ноты. У каждого была своя мелодия, которая то сливалась с другой, то пропадала и возникала потом вновь.  Это потребовало от дирижера этой музыки особенного слуха, чтобы зритель расслышал все главные темы и акценты.

Например, с самого начала мы смотрим на трех главных героев со стороны. Они нам еще не знакомы. На них смотрят два посетителя  бара и от скуки  спрашивают друг друга, о чем могут говорить между собой  один американец и кореец с кореянкой. Если зритель будет внимателен, то услышит, что разговор получился очень интересный.

Похоже, «Прошлые жизни» — автобиографический фильм. Также как и сама режиссер, главная героиня  эмигрировала с родителями в Канаду. На тот момент ей было 12 лет, и в ее родном городе Сеуле у нее остался лучший друг и первая любовь. При переезде в новую страну родители поменяли имена на англоязычные, и контакт с другом прервался. Но, как показывается в фильме, не совсем.

«Степной король Лир» — российская вариация в театре музыки и поэзии Елены Камбуровой

Театр  впервые обратился к творчеству выдающегося русского писателя Ивана Сергеевича Тургенева. Сценическую версию по повести И.С. Тургенева дополнили  тексты Роберта Вальзера и Юрия Мамлеева. Получилась интересная и необычная постановка. 

В 1870 году Иван Сергеевич Тургенев написал повесть «Степной король Лир», в которой попытался переосмыслить хрестоматийный шекспировский сюжет и перенес его на реалии XIX века. По сюжету — помещик Матвей Петрович Харлов (Александр Бордуков) решает при жизни разделить своё имение между двумя дочерьми — Анной и Евлампией (Виктория Тихомирова и Любовь Логачева). Извечный вопрос «отцов и детей» после разделения обостряется до предела и приводит героев к неминуемой трагедии и распаду семьи. Такая тема, к сожалению, не устаревает и в наше время. 

В свою очередь,  тексты Юрия Мамлеева и швейцарского писателя XX века Роберта Вальзера, включенные в композицию спектакля, наполняют историю, рассказанную Тургеневым, не только подлинным драматизмом, но и стремлением понять, как возникает конфликт, развивается и чем может закончиться.

По мнению режиссера Дениса Сорокотягина шекспировская трагедия рока и человека, показана через бытовую драму. «Помимо отцов, детей, власти, это еще и тема конечности жизни и ощущение, что как бы ты не был силен – тебе будет конец», – говорит режиссёр Денис Сорокотягин.
Огромный стол – символ усадьбы, где властвует деспотичный Матвей Харлов. Он авторитарен, держит в страхе своих дочерей. Уверенный в своей неуязвимости, Харлов делит имение и дарит его дочерям. Это та самая точка невозврата для всех героев. «Предательство дочерей, их непонимание, они выбрасывают его. Факт очевиден», – подчеркивает заслуженный артист России Александр Бордуков.
В игре Александра видно сочувствие к своему герою, сломленному теми, кого он любит больше всего.

Созданию драматургической атмосферы в постановке во многом помогает музыка. В спектакле звучат несколько фрагментов из произведений  разных композиторов. Лео Делиб. Дуэт цветов из оперы «Лакме» (фрагмент мелодии). Альфред Шнитке. Квинтет для фортепиано, двух скрипок, альта и виолончели. Moderato Pastorale (запись в исполнении Keller Quartet) Сергей Рахманинов. Прелюдия соль диез минор. Ор.32 (фрагмент записи в исполнении Константина Щербакова) Франсис Пуленк. Un joueur de flute berce les ruines. (запись в исполнении Винсента Лукаса)
Лиза-Лиза (сл. и муз. Леонсии Эрденко) Мотылёк (сл. Иосифа Бродского, муз. Елены Фроловой

«ЗАМУЖНЯЯ НЕВЕСТА» ПОД КРЫШЕЙ МОССОВЕТА
Трудно поверить, что пьеса, написанная более 200 лет назад, настолько актуальна и так может удивлять и радовать современного зрителя. И всё благодаря изящной режиссуре и виртуозной актерской игре коллектива театра Моссовета.
Действительно, комедия «Своя семья, или Замужняя невеста» (в версии театра — «Замужняя невеста»), где показана жизнь российского дворянства начала XIX века, лишь в первые минуты покажется старомодной. Внешне отношения между героями кажутся устаревшими, исторически далекими. Сбивают прекрасно проработанные дворянская одежда, платья и костюмы позапрошлого века, манера речи, мимика, жесты… Но стоит присмотреться к этой восхитительной старинной экзотике, чтобы узнать всё тех же помещиц, отставных майоров, вдов, служанок из нашей с продвинутыми телефонами жизни.

Каждый из актеров за минимум времени (спектакль идет 1.30 без антракта) успевает ярко и лаконично передать типаж и характер своего персонажа. А также и свое неповторимо индивидуальное отношение к животрепещущей главной теме спектакля. Все очень озабочены выбором невесты для своего племянника. Вплоть до того, что решают устроить ей непременно экзамен. Но требования у каждого экзаменатора весьма своеобразные и противоречивые. И вот тут на сцену выходит главная героиня, актриса Екатерина Девкина, на которую ложится главная нагрузка, которую она блестяще выносит на своих плечах. Заодно и блестяще сдает труднейший актёрский экзамен своей непростой роли.
Пьеса по праву считается одним из лучших образцов отечественной стихотворной комедии. Все, что было заложено в ней талантливыми авторами — Александром Шаховским, Александром Грибоедовым, Николаем Хмельницким — было прекрасно услышано, усилено и виртуозно исполнено. В результате получился игручий, очаровательный и улыбчивый спектакль в постановке Евгения Марчелли, который станет ещё одним ярким бриллиантом в репертуаре театра.
По словам режиссера: «Сюжет этого спектакля – нестандартная для меня история, в ней нет негатива, нет отрицательных персонажей. Это добрая, нежная, почти рождественская сказка про большую семью, члены которой со всей серьезностью относятся к появлению в их круге нового человека. В результате оказывается, что чужих людей нет».
Настоящий комизм сценических положений, заразительный и светлый юмор делают эту постановку привлекательной для самого широкого круга зрителей и семейного просмотра.

«СТРАСТИ ПО ТОРЧАЛОВУ» В ТЕАТРЕ МОДЕРН

«Страсти по Торчалову» – оригинальная и неожиданная трагикомедия —  привлекла немало уже театров. Не оказался в стороне и театр «Модерн».

Действие происходит в загробной  КПЗ – камере предварительного заключения.  Души еще не прошли небесный  детектор лжи. И ждут некоторых важных уточнений. В зале ожидания между небом и землей каждый попавший  сюда должен вспомнить главный грех своей  жизни. Герой истории — Павел Максимович Торчалов – реформатор и лидер масс, похоронен на Новодевичьем кладбище, строго наблюдающий за своими похоронами из «оттуда», во времена СССР был ведущим деятелем в партии, находится под микроскопом авторского беспристрастного виденья. Впрочем, очень даже пристрастного и безусловно талантливого  драматурга Никиты Воронова, который решил вглядеться попристальней  в один из переломных для страны периодов – девяностые годы двадцатого столетия. Страна круто меняла общественно-политическую формацию. Шел дикий переход от социализма к капитализму. Со всеми его безжалостными ломками, конфликтами, переделками уклада

Вместе с Торчаловым в загробном КПЗ есть и другие  соотечественники из разных эпох, которые не могут найти покой. Даже есть крепостная служанка  Лизонька, познавшая приставания национального гения Пушкина, а также – возможно (авторская версия) — спалившая Москву в 1812, когда в ней гостили французы. Через эти неожиданные прыжки драматурга зрители погружаются, где в шутку, а где и всерьез в  подробности жизни героев. И задумываются о краеугольных опорах, об общечеловеческих ценностях любви, верности, честности… Важнейших смыслах нашей жизни.

Такой удивительный по драматургической необычности материал решен  на малой сцене крайне ограниченными, скупыми театральными средствами. На заднем фоне дымится нечто похожее на туман преисподней. Вся нагрузка ложится на игру актеров. И надо сказать,  никто не подводит. Все работают с полной отдачей. Но все же  стилистика получилась суховатой, лаконичной, хотелось более сочных декораций, разнообразных костюмов, стремительного ритма и цельного, а не эпизодического музыкального сопровождения. Чувствовалось, что текст пьесы подминает режиссуру.

Но здесь нельзя судить строго. Это дебют актера театра Шамиля Мухамедова в качестве режиссера! С чем его хочется и поздравить. Потому что спектакль все же безусловно состоялся,  смотрится на одном дыхании, не замечаешь как пролетает два часа без антракта и подтверждением   тому были продолжительные и заслуженные овации.

«ОДНА ЖИЗНЬ», КОТОРАЯ СПАСЛА МНОГИХ

После просмотра фильма «Одна жизнь», понимаешь — чем больше таких фильмов будет, тем лучше для человечества. В далеком 1987 году в Англии недалеко от Лондона жил скромный старик Николас Уинтон (Энтони Хопкинс) . Но выясняется что за одной жизнью этого старика стоит сотни спасенных жизней. Зрителя погружают в события 1938 года, когда при поддержке друзей из британского посольства он помог переезду еврейских детей из Праги. Мог бы спасти еще больше, но Гитлер уже вошел в Чехословакию.
Сюжет ленты, основан на реальных событиях того времени и снят по книге Барбары Уинтон, дочери главного героя литературного произведения.
В подтексте картины стоит молчаливый вопрос. Почему одному человеку оказалось на безразлична судьба детей, а многим было все равно. За несколько месяцев морально и психологической напряженной работы ему удалось спасти 669 детских жизней. Особенно сильным выглядит финал картины. Когда рядом с ним встают на телевизионной передаче все спасенные им люди.
«Одна жизнь» снята в сдержанной, спокойной манере. Нет погонь, перестрелок, драк… Идет хождение по инстанциям, выправление паспортов, составление списков, заказ билетов… Те на первый взгляд негероические, а будничные действия, очень похожие на работу врачей, но именно это и есть реальная помощь спасения. Возможно, нечто подобное происходит и сегодня, когда мы видим телевизионные кадры репортажей из горячих точек планеты. Их увы не становится меньше. Что делает фильм еще более актуальным.
Режиссер: Джеймс Хоуз В ролях: Энтони Хопкинс Хелена Бонем Картер Ромола Гарай Лена Олин

ВОЗВРАЩЕНИЕ ЛЕГЕНДАРНОГО СПЕКТАКЛЯ
Спектакль «Двое на качелях» возвращается в «Современник».

Легендарная постановка Галины Волчек «Двое на качелях» по пьесе Ульяма Гибсона, ее режиссерский дебют, появилась в 1962 году. Надо же его так было поставить, почувствовать и увидеть, что к нему тянутся вновь и вновь режиссеры, актеры и зрители.
Это история Джерри и Гитель, двух одиноких сердец, отчаянно ищущих свое счастье в большом и безучастном городе. Пронзительный рассказ о любви и одиночестве, о вечном поединке между состраданием и эгоизмом. Это размышление о жизненных ценностях и человеческой душе во всем многообразии переживаний и надежд. И сегодня пьеса Уильяма Гибсона не оставляет равнодушными сердца зрителей.

В обновленной версии спектакля роли главных героев исполняют два прекрасных артиста — Юрий Чурсин и Татьяна Бабенкова . Герой Юрия более эгоистичный, властный и суровый, как и подобает мужчине. Героиня Татьяны — остро чувствующая, ранимая и нежная. Это воплощение женственности. Между ними постоянно происходит взаимодействие, в которое сразу вовлекаются зрители. Спектакль смотрится на одном дыхании, чему немало способствует талантливая сценография, замечательные костюмы и американская джазовая музыка.
Премьера состоялась 9 февраля.

            АБСУРДНЫЕ «ДРУЗЬЯ» В ТЕАТРЕ НАЦИЙ

Обращение к драматургии абсурда весьма неслучайно для нашего времени. Что происходит между людьми, обществами и даже странами, выглядит весьма алогично и даже зловеще…

 Для постановки в Театре Наций японский режиссер Мотои Миура выбрал
пьесу «Друзья» драматурга и писателя Кобо Абэ — одного из лидеров
послевоенного японского авангарда, автора знаменитого романа «Женщина в песках».
Комедия «Друзья» написана в духе западноевропейского театра абсурда. В
основе её сюжета лежит фантастическая на первый взгляд ситуация. В  квартире молодого мужчины внезапно поселяется целое семейство из восьми человек. То, как это происходит, надо видеть и слышать. С какой-то магической силой они втискиваются в жизнь главного героя. Прикрываясь
самыми добрыми намерениями, они проникают во все сферы его жизни
— начинают распоряжаться квартирой, зарплатой, личными отношениями, а
после и физической свободой. Внедрение демагогии в сознание идет с завораживающей мистической силой. Недаром друзья одеты в средневековые костюмы. Тогда очень была популярна схоластика, которая  расцветает в речах псевдо-друзей. Фактически все они являются своеобразным хором, где у каждого своя партия, свой образ. Смущает, что у хора не так разнообразна общая мелодия. К сожалению, сначала она удивляет, потом начинает повторяться и местами даже наскучивать.

Тем не менее, спектакль ставит свой точный диагноз, заставляет задуматься о серьёзных болезнях нашего времени. Приемы демагогии, схоластики, иезуитской логики можно видеть не только в отношениях между людьми, но и странами. За образами персонажей проступают контуры и наших относительно недавних заокеанских друзей, которые до сих пор занимаются выселением нас из нашей квартиры.

Для талантливого японского режиссёра важно было показать, что эта история универсальна — она могла произойти в какой угодно стране. Идею Мотои об условном мире реализовала художник-сценограф и художник по костюмам Ольга Шаишмелашвили, лауреат премии «Золотая маска». Костюмы получились выразительными и одновременно исторически актуальными. Это её вторая работа в Театре Наций после спектакля Андрея Прикотенко «Бовари». В кастинге спектакля «Друзья» принимали участие 150 артистов. Режиссёр остановился на тринадцати, среди которых Сергей Епишев, Олег Савцов, Александра Ревенко, Кирилл Быркин и Эва Мильграм.
 Режиссёр Мотои Миура  широко известен за пределами Японии прежде всего постановками чеховских пьес. Спектакли руководимого им театра «Читэн» (Киото) «Чайка», «Вишневый сад», «Дядя Ваня» и «Три сестры» гастролировали в России. «Друзья» — вторая работа режиссёра Мотои Миура на русском языке. Первой была «Преступление и наказание» по роману Ф. М. Достоевского в БДТ им. Г. А. Товстоногова. 

«РЕЦЕПТ ЛЮБВИ»  ИЗЫСКАННОГО ПРИГОТОВЛЕНИЯ

На экраны страны выходит совершенно неожиданный фильм о настоящей любви, но увиденный  с гастрономической точки зрения. Французский режиссер вьетнамского происхождения Чан Ань неслучайно взялся за такой сюжет.

Эжени и Доден – дуэт одарённых поваров, создающих изысканные блюда, способные впечатлить даже самых лучших шеф-поваров со всего мира. Доден давно влюблен в Эжени и хочет жениться на ней: он решительно намерен завоевать сердце своей возлюбленной, попутно навсегда изменив мир кулинарии.
«Я долго искал тему, связанную с гастрономией как с профессией и искусством. В результате нашел потрясающую книгу «Жизнь и страсть Додена Буффана» Марселя Руффа. И понял, что именно она послужит мне вдохновением. Но предпочел рассказать эту историю как приквел к роману Руффа. Это дало ему определенную свободу, а также возможность исследовать тему супружества в кино. Главные герои – немолодая пара, между ними нет никакой сказочной, надуманной романтики и жгучей страсти. Они находятся в спокойных отношениях, а в их жизни уже все упорядочено», – рассказал Чан Ань Хунг.
По сюжету Доден регулярно предлагает своей возлюбленной Эжени выйти за него замуж, но она систематически отказывается. Каждый раз он повторяет, что «брак – это ужин, который начинается с десерта» и ищет новые дорожки к своей цели.
«Красота их отношений заключается в сопротивлении. Доден все еще влюблен в нее после стольких лет. В то же время, он чувствует, что никогда не владел ею. Автору нравится создавать моменты, когда один из главных героев, как и зритель, зависает в напряжении, не имея однозначного ответа. Это то, что завораживает нас больше всего в жизни: моменты, когда мы не уверены, что именно пытается нам сказать собеседник. С другой стороны, когда дело касается кухни, они находятся в абсолютном понимании.
Для воплощения своей идеи и передачи такого уровня отношений, режиссеру потребовались настоящие таланты. Главные роли в новом фильме исполнили обладательница премии «Оскар» Жюльет Бинош и лауреат премии «Сезар» Бенуа Мажимель, которые в реальной жизни были настоящей парой.
Особый шарм фильму придет и то, что  французы в свое время определяли гастрономические тренды и правила Европы. И именно французы выступали за объединение вкусов, дополняя то или иное блюдо вином. Франция имеет самый богатый и разнообразный терруар, поэтому французская гастрономия остается одной из лучших в мире.
К съемкам картины привлекли одного из лучших поваров современности, обладателя 14 звезд Мишлен — Пьера Ганьера, который не только выступил гастрономическим консультантом, но и снялся в фильме.
Обычно на съемках используют фальшивую еду, переработанную по мере необходимости, но у нас все было по-настоящему. Есть, конечно, и негативный аспект такого подхода: когда режиссер кричит я кричал «Снято!», актеры все равно продолжали есть. Команде реквизиторов приходилось умолять отдать тарелки.

«ИДЕАЛЬНЫЕ ДРУЗЬЯ» В ЭКСТРЕМАЛЬНОЙ СИТУАЦИИ

Идеальные друзья не столько фильм, сколько спектакль. Действие происходит в доме. Но сюжетных поворотов  предостаточно. Обычная дружеская вечеринка  стремительно перерастает в психологический триллер. Правда о человеке рассказана горькая и жестокая, но довольно скучным языком. Несмотря на все усилия безусловно талантливых драматурга, режиссёра и актёров, которые открыли нам еще одну грань нашей человеческой трагикомедии. От таких фильмов остаётся в душе токсичное ощущение. С одной стороны благодаришь авторов за то, что увидел и задумался об увиденном. С другой — решительно рекомендовать друзьям и знакомым всё бросить, чтобы идти и смотреть ленту не могу.

[бриз (Борис Примочкин)]

­«ИДЕАЛЬНЫЕ ДНИ» УБОРЩИКА ТОКИЙСКИХ ТУАЛЕТОВ

Трудно поверить, что уборка туалета на экране может быть интересной. Но стоит посмотреть, чтобы встретиться с удивительным взглядом на жизнь, рассказанным просто и глубоко.
Фильм «Идеальные дни» — трогательное и поэтичное размышление о поиске красоты в окружающем нас повседневном мире, который подарил нам классик немецкого кино Вим Вендерс. Лента уже получила награду за лучшую мужскую роль на Каннском кинофестивале — 2023, теперь представляет Японию на «Оскаре» в категории «Лучший иностранный фильм».
День Хираямы (Кодзи Якусё) начинается с ухода за  скромными цветочками, которые, как мы узнаем позже, являются крохотными ростками клёнов. Потом они превратятся в красавцев великанов, что украсят один из токийских парков. А пока на рассвете уборщик садится в свой фургон, включает кассетный плеер и отправляется на работу. За пределами рабочих будней он слушает музыку Лу Рида и Патти Смит, увлекается книгами из местной лавки (Уильям Фолкнер «Дикая пальма) и деревьями, которые он снимает на плёночный Olympus. Все эти детали будут иметь свое художественное значение по ходу просмотра..
История фильма началась с проекта Tokyo Toilet. Цель его — разрушение стереотипа о том, что общественные туалеты неприглядные, тёмные, грязные и даже опасные. Для этого были привлечены лучшие. Когда режиссёр Вим Вендерс увидел новые объекты, то решил сделать серию авторских фотографий и короткометражку. Но метр получился длинный.
— Я собирался найти персонажа, через которого можно было бы, — говорит режиссёр, — понять суть приветливой японской культуры, в которой туалеты играют роль абсолютно отличную от западного восприятия “санитарии”. Для нас, европейцев, туалеты не являются частью культуры, они, наоборот, отражают её отсутствие. В Японии туалеты — это маленькие пристанища мира и достоинства.
Поразившись архитектурой японских туалетов, которые меньше всего походили на городские общественные уборные, Вендерс понял, что история должна быть рассказана через одного главного героя, и отправился в Токио. Там он встретился с замечательным японским актером Кодзи Якусё, с которым давно хотел поработать.
Виму Вендерсу вместе с Кодзи Якусё удалось передать значимое понятие «общего блага» в Японии, уважение к городу и к окружающим. Через героя Хираяму передаётся не только японская культура, но и красота повседневности. Уборщик — человек со сложным прошлым, глубоко травмированный или погружённый в депрессию. Но однажды он нашел своё лекарство, когда смотрел на отражение листьев, созданных солнцем, и это чудесным образом осветило его повседневный мир. Вот и вся идея фильма. Но передана она с гениальной простотой и сопереживанием ко всем персонажам. На это стоит посмотреть.
В японском языке есть название для таких моментов: «комореби» — свет солнечных лучей, пробивающийся сквозь листву деревьев. По задумке Вендерса именно это придало силы Хираяме начать новую жизнь, наполненную простыми делами и работой. Он довольствуется немногим. Улыбнуться прохожему, одолжить денег коллеге, приютить племянницу…
Когда-то в молодости Вим приехал в Японию, чтобы изучать боевые искусства. Его учитель сказал: «Если ты проработаешь в общественных туалетах в течение полутора лет, ты станешь лучшим. Если проработаешь в течение 6 месяцев, ты сможешь обучаться у меня». Он согласился: ежедневно вставал в 6 утра, чтобы убираться в самых бедных кварталах Токио. Учитель наблюдал за этим издалека и позже дал возможность молодому человеку у него учиться. Речь не идет о “низшей” работе. По большей части, это форма духовного отношения, жест равенства и скромности. Вот это и можно увидеть в фильме «Идеальные дни».

«Мастер и Маргарита» — новый фильм, наиболее близкий по своему духу к знаменитому роману

У этой ленты была трудная судьба. И первоначальное название было «Во́ланд». Потому что тень его видна в каждом кадре этой новой версии режиссёра Михаила Локшина по мотивам одноименного романа Михаила Булгакова.
Основные линии сюжета, события которого происходят в Москве 1930-х годов, сохранены, но с некоторыми изменениями. Известный писатель (Евгений Цыганов) на взлёте своей карьеры внезапно оказывается в центре литературного скандала. Спектакль по его пьесе «Пилат» снимают с репертуара, коллеги демонстративно избегают встречи с ним, в считанные дни он превращается в изгоя. Вскоре после этого он знакомится с Маргаритой (Юлия Снигирь), которая становится его возлюбленной и музой. Воодушевлённый её любовью и поддержкой, писатель берётся за новый роман, где персонажи — это люди из его окружения, а главный герой — загадочный мужчина по имени Воланд (Аугуст Диль), прообразом которого становится недавний знакомый иностранец. Писатель уходит с головой в мир своего романа и постепенно перестаёт замечать, как вымысел и реальность сплетаются в одно целое.
Тщательная проработка всех сценарных поворотов, удачный кастинг, прекрасная работа актёров, оператора, композитора с первых кадров погружают нас в атмосферу неуловимо висящей в воздухе того времени мистической иронии. И оторваться от экрана уже невозможно, настолько он втягивает в своё пространство. Жаль только, что одна из главных линий романа, где поэт Иван Бездомный из атеиста становится верующим христианином, практически стёрта в фильме и сведена к нулю, на фоне всех фантастических событий, которые разворачиваются на экране.
Уже первые кадры становятся как бы эпиграфом к ленте. Погром квартиры критика Латунского Маргаритой, ставшей ведьмой, и неожиданная остановка генеральной репетиции пьесы «Пилат» потом переходят в клеймение и обвинение в пилатщине на собраниях Мастера. Хотя фильм идет 2 часа 40 минут, это время пролетает незаметно. Настолько плотно и стремительно развиваются события и цепляются эпизод за эпизод.

Наша справка
В 2018 году фильм вошёл в список кинопроектов, которым «Фонд кино» выделяет государственную поддержку. Тогда сообщалось, что бюджет фильма составляет 800 миллионов рублей. По словам первого режиссёра фильма Николая Лебедева сценарий, раскадровки и режиссёрские экспликации были полностью готовы ещё в марте 2018, а дата выхода была запланирована на 2021 год. Однако в октябре 2019 года он сообщил, что проект ещё только формируется, и к подготовительной фазе съёмок можно будет приступать через год в лучшем случае. Тогда было объявлено, что за работу возьмутся три кинопродюсера: Рубен Дишдишян, Игорь Толстунов и Леонард Блаватник (тоже кинопродюсер, но в первую очередь — известный предприниматель. Сначала не смогли полностью решить вопросы финансирования, затем обстоятельства изменились из-за пандемии коронавируса, и Лебедев перешёл на фильм «Нюрнберг».
Новым режиссёром картины стал Михаил Локшин, ранее снявший фильм «Серебряные коньки». Название фильма сменилось на «Воланд». Новый сценарий вместе с Локшиным написал Роман Кантор, работавший над «Коньками» и сериалом «Эпидемия». После монтажа продюсеры вернули картине название — «Мастер и Маргарита».
Съёмки фильма начались в июле 2021 года и продлились до октября 2021 года в Москве, Санкт-Петербурге, а также на Мальте. Выпустить картину в прокат изначально планировалось в конце 2022 года. Компания дистрибьютер Юниверсал Пикчерс выпустила первый трейлер фильма в феврале 2022 года. Затем выход фильма перенесли на 2023 год. Вновь перенесли фильм из-за ухода компании Universal Pictures из России. Окончательной датой выхода фильма стало 25 января 2024 года.

НОВЫЙ «ПИГМАЛИОН» ТЕАТРА САТИРЫ

Московский академический театр сатиры показал свой новый спектакль по пьесе Бернарда Шоу «Пигмалион». Персонажи еще не вышли на сцену, но декорации уже поразили своими  огромными репродукторами, повисшими, словно облака, на небе сцены. А вот и профессор фонетики Генри Хиггинс – Сергей Чонишвили, обвешанный окулярами и слуховыми аппаратами той далекой эпохи, из-под которой все-таки выглядывают с улыбкой сегодняшние высокие технологии, виртуозно освоенные театром.

Название пьесы отсылает к древнегреческому мифу о Пигмалионе, который презирал женщин, но влюбился в созданную им же статую Галатеи.

Герои-антагонисты стремятся друг к другу, любят, ненавидят и мучаются. На этом противоречии, трагичности, неразрешимости и растет их взаимное чувство. Режиссер и сценограф Виктор Крамер поместил действие в сюрреалистическое пространство лабораторим, где профессор Хиггинс, изучая фонетические особенности речи разных людей, интонации, тембр, манеры, произношение, определяет и коллекционирует их души. Только бедная цветочница Элиза Дулиттл – Ангелина Стречина не стала экспонатом коллекции.

Прочесть известнейшую пьесу по-новому авторам удалось в стремительном темпе. Хотя спектакль идет два часа с половиной с антрактом, время в нем  пролетает незаметно. На зрителя идет поток разнообразных находок и приёмов, которые сделаны именно театральным языком. А ведь этому языку волей-неволей пришлось соперничать с мощным словом всемирного драматурга самого Бернарда Шоу.

Но вот тут-то и приходится удивляться: вместо соперничества получилась удивительная гармония настоящей театральной зрелищной драматургии. Здесь сказался талант и опыт режиссера Виктора Крамера, за плечами которого десятки спектаклей в России и по всему миру. Например, именно он поставил легендарное «Снежное шоу» Славы Полунина.

Гротеск, гипербола, буффонада — одни из главных героев в постановке «Пигмалиона» театра Сатиры, что позволяет увидеть известный сюжет с иной, неожиданной стороны.

Каждый из актеров нашел свой неповторимый актерский «диалект» в этом фонетическом спектакле. Прежде всего сдержанная манера игры в сочетании с красивейшим дикторским голос Сергея задает эталон идеального произнесения каждого слова его персонажем. Особенно поражает «преображение» главной героини Элизы Дулиттл – Ангелины Стречиной из уродливой противной замарашки в светскую обаятельную красавицу.  Даже не верится, что оба образа созданы одной и той же актрисой. Неожиданно мудрым и очаровательным показался и монолог матери Хиггинса — Алены Яковлевой, когда она, элегантно присев на край рампы, стала спрашивать у зрителей и после театрально уместной паузы сама отвечать на краеугольные вопросы отношений мужчины и женщины.

При всех блестящих актерских работах виден яркий вклад  художников по костюмам, по свету, видеодизайнеров… Всех тех, кто и создал замечательную цельность и неповторимость новой премьеры. Потому зал и взрывался во время спектакля восхищенными аплодисментами, которые в финале перешли в овации.

В ОБЪЯТИЯХ КОРОЛЯ РОК-Н-РОЛЛА

Один из кумиров прошлого века – Элвис Пресли — «король рок-н-ролла» (в английском языке также распространены упоминания «Элвис» и просто «Король») раскрывается совсем с другой стороны в новом фильме режиссера Софии Копполы «Присцилла: Элвис и я». Но все же не он — главное действующее лицо в ленте. А его избранница, в которую он влюбился, когда ей было 14 лет. Любовь короля и очаровательной пастушки оказалась совсем не такая, как в детских сказках. Какая девушка не мечтает о романе со знаменитостью? У молодой Присциллы такое желание сбылось, и судьба уготовила ей встречу с самим любимцем ХХ века. И вот они официально – главная пара Америки. Но что скрывается за фасадом счастливой жизни с кумиром всей страны?Роль Элвиса Пресли исполнил звезда сериала «Эйфория» Джейкоб Элорди, а его супругу Присциллу Пресли воплотила в жизнь Кейли Спейни, получившая Кубок Вольпи за лучшую женскую роль на Венецианском кинофестивале и номинацию на премию «Золотой глобус». Фильм является экранизацией автобиографии Присциллы Пресли “Элвис и я”, написанной в соавторстве с Сандрой Хармон. Поэтому он представляет женскую точку зрения на все происходящие события. С первых кадров открывается неожиданно застенчивый, ранимый характер Элвиса. Тогда это стройный молодой офицер, который служил в американских войсках, стоявших в оккупированной союзниками Германии. Девушка от такого внимания выглядит завороженной, загипнотизированной, ей трудно иногда выговорить слова в компании веселых друзей Элвиса. Только выразительные взгляды и застывавшая от счастья улыбка на лице. Честно говоря, этого маловато для понимания её внутреннего мира. Хотя на первом этапе знакомства отношения развиваются бережно и трепетно. Он её встречает и провожает на машине до дома родителей. Знакомит со своими друзьями…Весь акцент повествования сделан не на короля рок-н-ролла, а на чувстве ошеломления от знакомства с ним обычной девятиклассницы. Зрителям предлагается проследить все метаморфозы, которые с ней происходят от первого свидания до момента, когда героиня уходит от короля, сбросив его владычество над ней.Творческие искания Пресли, поиски своего стиля, постоянные отъезды на концерты и съемки фильмов (а у него их было 31) остаются за пределами внимания режиссера. Тем не менее, очень важный момент его биографии неоднократно подчеркивается — злоупотребление Элвиса таблетками и медикаментами. Что и привело к усилению депрессии, потере здоровья и в конце концов к смерти Пресли в 1977 году. Этот фильм можно было бы причислить к жанру ЖЗЛ. Но речь не о нем, а скорее о той, кого этот замечательный человек выбрал своей невестой, а потом и женой. И насколько это оказывается интересно, но и трудно, быть рядом с такими людьми… Лучше посмотреть это самим.Творчество Пресли неизменно продолжает пользоваться спросом; в мире продано более 1 млрд экземпляров пластинок (включая новейшие издания с ранее не издававшимися записями). И посмотрев фильм, кто-то увидит фигуру короля в ином свете, ином звучании…

«ВОЗДУХ» ВОЙНЫ НА ЭКРАНЕ

Фильмов о Великой Отечественной войне снято немало. Смотреть их, к сожалению, привыкли. Но этот фильм ломает стереотип восприятия. Неожиданное соединение эпичности и лиричности того, что происходит на экране, заставляет задуматься, что было тогда и что сейчас с нами собираются сделать наши «заклятые друзья», действия которых можно назвать преступлением без наказания.
В СССР идут тяжелые бои, немецкая армия наступает. Как наступает? Со слабыми нервами лучше не смотреть. Кто не понимает, что такое нацизм, может почувствовать это психофизически.
Сюжет фильма внешне до наивности прост. Такое мы не раз видели. В смешанный авиационный полк прибывает подразделение летчиц. Все они — юные, необстрелянные и не совсем понимают, что такое война. Девушкам приходится трудно не только в мужском мире, который сразу им предлагается в лице одного из летчиков: «Вы нам лучше готовьте, стирайте, развлекайте, а мы за вас повоюем…» Но они день за днем в череде воздушных схваток доказывают, что они не хуже мужчин. Впрочем, как доказывают, это надо именно видеть… ценой собственной жизни.
От первых кадров фильма перехватывает дыхание и не отпускает до конца. Пролог — уничтожение русских немцами, который был в первые дни войны, показан с реально апокалипсической жестокостью. Чтобы поколение, выросшее без войн, представило себе воочию — с каким дьявольским чудовищем наши деды имели дело. И с каким трудом сломали ему хребет.
Большая нагрузка сразу легла на плечи актеров. Но все работы оказалась очень достойными. Рядом с признанными мастерами (Сергей Безруков, Елена Лядова, Антон Шагин) убедительно получились роли молодых летчиц (Анастасия Талызина, Аглая Тарасова, Кристина Лапшина)…
Авторы выбрали самый трагический момент войны. Когда немцы нас убивали с каким-то садистическим самодовольством. В полной уверенности — не сегодня, так завтра мы поднимем руки. Наши самолеты хуже немецких. Летчицы садились в кабину и прощались с жизнью при каждом вылете. Они улетали на тот свет. Возвращение – чудо. Линия любовного романа в исполнении Безрукова с Лядовой запоминается особенно ярко. Она сплетается с другой линией, которую ведет Анастасия Талызина. Прошла детдом. Дочь врага народа (отец, тоже летчик, сказал, что предложенные двигатели не доработаны, его расстреляли), была вынуждена отречься от отца после его ареста.
Увы, это наша история. Её надо знать. И в этом еще одна жестокая, но честная правда фильма. Не хочется раскрывать весь сюжетный потенциал ленты, который сценарно разработан филигранно. На то он и сюжет со своей энергетикой поворотов. Но один эпизод стоит привести. Героиня убивает летчика-однополчанина, который попытался её изнасиловать. За это ей грозит расстрел. Но вину за это принимает другой человек, пожилой техник, который обслуживал её самолет. Таков уровень плотного драматизма фильма.
«Для нас было важным не только создать глубокий, эмоциональный и интересный фильм, но и максимально передать ощущение документальности происходящих на экране событий, чувства пилотов в кабинах самолетов, аэродромный быт и искренность чувств. Большую часть фильма мы посвятили сценам боев, и горжусь тем, что нам удалось снять их с максимально возможной подлинностью», — заметил в одном из интервью режиссер Алексей Герман — младший.
Мировая премьера нового фильма «Воздух» — состоялась на 36-м Токийском международном кинофестивале (TIFF). Фильм ничего не завоевал. Такова степень «объективности» этих международных, однополярных фестивалей. Теперь он выходит на экраны страны. Зрителям решать, насколько это удалось.

«ТАНЦУЙ, СЕЛЁДКА» — ЧЁРНАЯ КОМЕДИЯ СО СВЕТЛЫМ ФИНАЛОМ

На экраны выходит черная комедия с крутым замесом мистики «Танцуй, селёдка!», с Александрой Бортич, Павлом Майковым, Анной Михалковой в главных ролях.
Но за всем юмором, которым пронизана картина, стоит типичная судьба красивой русской женщины, которая, переехав в столицу из провинции, вынуждена вернуться в свой родной городок, чтобы похоронить отца.
В детстве Жанну (Александра Бортич) называли Селёдкой. Отец (Павел Майков) был не прочь выпить и по бабам пройтись. В итоге бросил семью, несмотря на все попытки матери и дочери его удержать. Вся эта линия отца показана грубовато и схематично, только глазами дочери, вероятно, чтобы подчеркнуть, что расставание с отцом — это детская травма на всю жизнь. И вот теперь нужно отдать последний долг, что она сквозь зубы, неохотно делает.
Авторы использовали оригинальный условный приём оживления умершего отца, который сначала удивляет, а потом, в связи с постоянным использованием, начинает даже немного раздражать. Процедура похоронных услуг мало чем изменилась в России за все последние годы. Но в процессе всех похоронных мытарств, происходит постепенное сближение дочери и отца (пусть и после его смерти). Притом, что многие актерские работы в фильме весьма убедительны, в целом фильм не производит цельного впечатления. Получилась цепь последовательных эпизодов с лирическими отступлениями в прошлое героев. Но сами создатели фильма так не считают. Они честно старались рассказать о том, что их волнует и о чем зрителям стоит задуматься. И в этом с ними нельзя не согласиться. Это авторам удалось.
Режиссер Александра Лупашко: «История взаимоотношений отцов и детей, последнего диалога, прощания отца с дочерью перед расставанием навсегда. Это в меня попадает просто на эмоциональном уровне. Также в этом материале мне нравилось совмещение глубины и юмора».
Сергей Сельянов: «Картина эта очень живая, притом, что один из главных действующих лиц – покойник. Она про семейные ценности, про которые часто бывает очень скучно говорить, а этот материал был задорным и необычным. Он про обретение ниточки, которая практически порвалась между дочерью и папой, а по ходу сюжета опять образовалась».
Александра Бортич: «Сценарий мне сразу очень понравился. Тема отношений отца с дочерью для меня всегда достаточно трогательная, я к ней всегда подключаюсь. В этой истории мне особенно сильно понравилась задумка с фантомом. Ну и в целом это был очень хороший текст. У меня не возникло вопроса – соглашаться или нет».
Павел Майков: «Это фильм о любви. Всё настоящее искусство говорит о любви. И о страхе. А больше ни о чем. Что бы мы ни делали – Шекспира, Чехова, «Танцуй, Селёдка!» — всё это — о любви. Если это не о любви, тогда это плохое кино. Потому что без любви невозможно. Как говорил Хлудов в пьесе «Бег» Михаила Булгакова: «даже на войне без любви нельзя». Любовь пропитывает всё. А ещё этот фильм о человеческих взаимоотношениях, о взаимопонимании, о невозможности понять друг друга, о том, что близкие люди редко рождаются под одной крышей».
Дистрибьютор: ВОЛЬГА

«ПИГМАЛИОН» В ТЕАТРЕ САТИРЫ

20 и 21 января в Московском академическом театре сатиры состоится премьера спектакля «Пигмалион» с участием Ангелины Стречиной, Сергея Чонишвили и Алены Яковлевой. Зрители увидят классическую постановку пьесы Бернарда Шоу в современном прочтении. Режиссер Виктор Крамер создал на сцене футуристическую лабораторию звукаи разнообразил архаичную лексику главной героини узнаваемым сленгом.

В романе, как называл свою пьесу Шоу, профессор Хиггинс является специалистом в области звуков, он изучает речь: произношение, интонирование, манеры. Автор также упоминает фонограф как инструмент, с которым работает главный герой. Именно фонограф Виктор Крамер и взял за основу сценографии, превративпространство сцены в футуристическую лабораторию, где Хиггинс собирает коллекцию сложных приборов и механизмов, картотеки звуков и голосов. По сути – создает коллекцию человеческих душ.

Здесь, подобно Пигмалиону, Хиггинс творит свою Галатею: он сканирует и диагностирует ЭлизуДулиттл, чтобы на основе собранного материала создать совершенно нового человека, новую Еву. Только Элиза так и не стала экспонатом инфернальной коллекции.

Виктор Крамер поставил пьесу о любви с открытыми финалом – о любви, которая никогда не превратится во что-то большее, но которая по накалу эмоций намного сильнее той, что заканчивается браком. Герои-антагонисты любят друг друга и ненавидят друг друга, с каждым днем все больше погружаясь в противоречивое и всепоглощающее чувство. Чем больше профессор оттачивает свое творение, Элизу, тем больше становится ее рабом:под маской циничного ученого, привыкшего скрывать свои эмоции и мысли, обнаруживается влюбленный и страдающий от любви мужчина.Подобные чувства испытывает к своему учителю и свободолюбивая Элиза.Трагизм истории в том, что главная героиня, оторвавшись от корней, не понимает, как ей жить дальше: она изменилась не только внешне — Хиггинс в первую очередь изменил ее изнутри.

Режиссер Виктор Крамер:

В разное время люди открывают в классических произведениях новые смысловые пласты. Для меня история Шоу – в первую очередь история любви. Само название пьесы отсылает нас к известной легенде о скульпторе Пигмалионе, который создал Галатею и влюбился в свое изваяние. Наш спектакль про сложные отношения. Мучительные, иногда смешные, а иногда – парадоксальные — битва двух сильных личностей, и битва, несмотря на свою трагичность, прекрасна. Но это не драма – текст Шоу наполнен юмором.

Художественный руководитель Театра сатиры Сергей Газаров:

Я очень рад, что режиссер смог до последней запятой воплотить свою задуманную версию классической пьесы. Блестящая режиссерская работа, ее безумно интересно смотреть, история захватывает необычностью происходящего. Иногда даже ловишь себя на мысли: точно ли это та самая пьеса, которую все знают наизусть? В постановке много находок: режиссерских, актерских и драматургических. В ней много юмора и комических острых ситуаций. Отдельный герой спектакля – сценография, которая очень правильно, очень театрально осваивает большую историческую сцену. И, конечно, нельзя не сказать о работе Крамера над текстом, в котором он заменил архаичный бытовой лексикон главной героини на современный язык, чтобы помочь зрителю понять, кем изначально была Элиза Дулиттл. И увидеть, кем она стала.

В английском тексте Бернарда Шоу главная героиня не использовала слова и выражения вне литературной нормы, она говорила на кокни – диалекте низших слоев общества из Ист-Энда. Именно фонетика выдавала в Элизе ее происхождение.Эту особенность переводчики компенсировали в русском языке просторечной лексикой. Для своей постановки Виктор Крамер переосмыслил классический перевод пьесы: не тронув высокую лексику героев из высшего общества Бернарда Шоу, он осовременил сегодняшним сленгом и интернет-мемами словарный запас цветочницы Дулиттл. Тем удивителен и зловещстановится талант профессора, который превращает дитя улицы в благородную, полную достоинства, леди.Тем очевиднее зрителю перемены в образе и характере героини.

Премьера: 20-21 января

Возрастное ограничение: 16+

Продолжительность: 3 часа с антрактом

Фото: пресс-служба Московского академического театра сатиры

В спектакле заняты:

Генри Хиггинс, профессор фонетики — заслуженный артист России Сергей Чонишвили

Полковник Пикеринг — Сергей Климов

Элиза Дулиттл, цветочница — Ангелина Стречина

Миссис Хиггинс — народная артистка России Алена Яковлева

Мисс Пирс, экономка в доме Хиггинса — заслуженная артистка России Ольга Кузина

Альфред Дулиттл, отец Элизы — заслуженный артист России Сергей Серов

Миссис Эйнсворд Хилл — Ольга Суркова

Фредди, ее сын — Максим Финогенов

Клара, ее дочь — Александра Мареева / Вероника Агапова

Постановочная труппа

Режиссер-постановщик: Виктор Крамер

Художник-постановщик: Виктор Крамер

Художник по костюмам: Мария Боровская

Художник по свету: Иван Виноградов

Режиссер по пластике: Сергей Землянский

Видеодизайнер: Алексей Образцов

Звуковое оформление: Софья Кругликова

«ДОЛГИЕ ГОДЫ» В ТЕАТРЕ ВАХТАНГОВА

На Симоновской сцене Театра им. Евгения Вахтангова  премьера спектакля «Долгие годы». Режиссер Георгий Долмазян сам написал пьесу для постановки, вдохновляясь романом Джозефины Лоуренс «Годы тянутся так долго» и знаменитым черно-белым фильмом «Уступи место завтрашнему дню». Потому  что почувствовал  в теме острый нерв времени.

Трогательная история о двух добрых стариках, которые  вынуждены были расставаться друг с другом. Дети, а их несколько, не спешат осложнять себе жизнь уходом за  родителями. Времена великой депрессии в Америке  обнажили непроходящие проблемы взаимоотношений разных поколений. К сожалению, это вечная история, когда люди восхода не слышат людей заката. Проблема понимания отцов и детей стоит перед человечеством  в полный рост. Сострадания к старости нет. Кто в деликатной форме, кто более черство и беспощадно отказывается поддержать своих родителей. И стать родителями своих родителей.

В спектакле внимание авторов сосредоточено не столько на матери и отце, сколько на детях и внуках, в которых эгоизм и жажда вольной, ничем не обремененной жизни вот-вот отправят родителей в богадельню. Тема очень актуальная для нашего вчера и сегодня. И особый отклик она будет иметь у пожилых зрителей, которые чувствуют тему сердцем.

По словам Георгия Долмазяна, это еще и история «большой настоящей любви, которую немолодые Ромео и Джульетта, для которых немыслимо существование друг без друга, пронесли через десятилетия».

Кстати, именно этот сюжет стал основой для одного из легендарных спектаклей Театра Моссовета — «Дальше — тишина» в постановке Анатолия Эфроса. Главные роли — пожилых родителей — тогда играл дуэт Фаины Раневской и Ростислава Плятта. Постановка шла с неизменным успехом тринадцать лет, в этом же спектакле Фаина Раневская в последний раз вышла на театральную сцену.

Спектакль шёл на сцене театра более 10 лет. Всегда с аншлагом. Финальная сцена — плачет Раневская, плачет Плятт, а с ними рыдают зрители. После окончания действия в зал выходила Раневская и говорила: «Это хорошо, что вы плачете здесь в зале, а не дома. Повода чтобы не было».

Поэтому новому спектаклю придется конкурировать с этим высоким уровнем исполнителей.

«ПИКОВАЯ ДАМА» ПУШКИНА В ТЕАТРЕ МОССОВЕТА

Постановку спектакля по повести А. С. Пушкина «Пиковая дама»  
сделал режиссер Игорь Яцко, ранее поставивший в театре «Волки и овцы» А. Н. Островского.

Спектакль подхватывает гуманистические традиции в творчестве Александра Сергеевича со всеми противоречивыми страстями, присущими человеку. От каждой сцены веет мистическим настроением, которое передают таинственный свет, готические декорации, волнующая музыка и, конечно, игра актёров. В роли графини Томской убедительна народная артистка Валентина Талызина. На небольшом временном пространстве, отведенном ей автором инсценировки — драматургом Романом Козырчиковым – ей      удалось передать характер и пристрастия этого колоритного персонажа.
 Спектакль затронул глубокие философские проблемы, которые и сегодня очень актуальны. Происходящее на сцене заставляет задуматься  о природе человеческой натуры, о непредсказуемости судьбы, неотвратимости рока, определяющего жизнь человека.
Графиня предлагает Герману (Станислав Бондаренко) в обмен на секрет трех карт любовь и семейное счастье с ее сиротой -воспитанницей. Спектакль передать страстные мечты о богатстве, человеческом несовершенстве и сожаление о несостоявшейся любви, которая могла бы изменить судьбы героев. Здесь стоит спуститься в творческую историю написания повести, которая вся пронизана автобиографическими эпизодами из жизни гениального автора.
Сюжет «Пиковой дамы» был подсказан Пушкину молодым князем Голицыным, который, проигравшись, вернул себе проигранное, поставив деньги по совету бабки на три карты, некогда подсказанные ей Сен-Жерменом. Эта бабка — известная в московском обществе «усатая княгиня» Н.П.Голицына, урождённая Чернышёва, мать московского губернатора Д.В.Голицына.

Повесть в манере Гофмана и Нодье писалась Пушкиным, по-видимому, осенью 1833 года в Болдине. Рукописный текст не сохранился. Опубликована во 2-м номере «Библиотеки для чтения» за 1834 год и, по дневниковой записи автора, имела недюжинный успех у читающей публики: «Моя „Пиковая дама“ в большой моде. Игроки понтируют на тройку, семерку, туза» (апрель 1834).

Сам Александр Сергеевич  был заядлым игроком. Увлечение азартными играми в то время было всепоглощающим для поэта – огромное количество приводов в жандармерию, доносов Бенкердорфу и не меньшее количество неприятностей, последовавших за этим. В 1829 году Александр Сергеевич прибыл в Москву и в этом же году он попал в список картежников в жандармерии. В карточных кругах Пушкин был известен как банкомет – игрок, который ставил огромные суммы и «держал» банк.

В игре Александр Сергеевич не очень везуч — то и дело проигрывал целые состояния. Однажды, играя с дворянином Загряжским, поэт проиграл сначала все свои деньги, а затем поставил на кон пятую главу из «Евгения Онегина» и… проиграл. Такая ставка ценилась очень высоко – писатели и поэты получали примерно 25 рублей ассигнациями за написанную строку. К счастью, следующей ставкой Пушкина была пара пистолетов, при помощи которой он смог отыграть и рукопись, и свои деньги. Несмотря на весьма солидный доход, который Пушкин получал за писательский труд, из-за картежных подвигов денег постоянно не хватало.

Образ Петербурга, на фоне которого разворачиваются все события, является одной из составляющих спектакля, полного музыки, романсов, танцев, создающих исторический контекст действия. 

Бывает ли идеальный карточный расклад? Цена, которую мы платим за успех, и неотвратима ли судьба — это лишь некоторые вопросы, на которые предлагает зрителю поразмышлять театр Моссовета.

«ДВОРЕЦ»  РОМАНА ПОЛАНСКИ

Новогодняя комедия «Дворец» полна неожиданностей и сюжетных поворотов. Сценаристы  разработали множество разноцветных линий, которые прерываются, соединяются и выбирают новые сюжетные русла в причудливых сочетаниях. И в результате вся лента переливается как новогодняя праздничная ёлка.

Роскошный отель в Швейцарии и его гости-миллионеры готовятся к встрече 2000 года. Впереди ночь, полная самых разных причуд, пороков и странностей богатых и знаменитых. Например, в эту ночь президент Ельцин отказался от своих полномочий и передал бразды правления тогда неизвестному В.В. Путину. Этот небольшой фрагмент

в ленте промелькнул как бы вскользь, как телевизионная новость. Но для российского зрителя  теперь он говорит об очень многом.

Авторы определили жанр «Дворца» как метаироническую комедию из жизни неприлично богатых и бедных. За вежливой формой общения господ и прислуги скрывается горькая ирония фантастического неравенства, воцарившегося на планете Земля.

Это, возможно, последняя картина Романа Полански, которому в этом году исполнилось 90 лет.

На роли гостей отеля он собрал пожилой, но выдающийся состав актеров. Карнавал гротескных персонажей возглавляет Фанни Ардан, которая играет капризную престарелую маркизу, главная забота которой – проблемы с кишечником ее любимой избалованной собачки чихуахуа.  Джон Клиз (участник британской культовой группы «Монти Пайтон») в роли престарелого бизнес-магната, который приезжает в отель со своей юной супругой и живым пингвином.  

Микки Рурк появляется в роли сварливого американского бизнесмена, чей главный аксессуар – белокурый парик в стиле Дональда Трампа (или Энди Уорхола).

Каждый персонаж как бы представляет небольшую главу в стремительно разворачивающемся киноромане Романа Полански о начале нового тысячелетия.

Отпраздновать это событие в роскошный отель в Швейцарии приезжает и колоритная компания богатых русских во главе с бритоголовым Антоном (Александр Петров). Обычно все роли у Александра яркие и запоминающиеся. Но в этот раз, пожалуй, не получилось. Слишком мало времени и пространства дал ему режиссер.

Но в целом в комедии есть над чем посмеяться, на что посмотреть и о чем задуматься…

«ЛАКЕЙСКИЕ ИГРЫ» В ТЕАТРЕ РОМАНА ВИКТЮКА

В «Театре Романа Виктюка» состоялась новая премьера. Спектакль «Почти смешная история (Лакейские игры)» по пьесе Эмиля Брагинского, в постановке Александра Карпушина. Действие происходит в советское время. Казалось бы, далекое прошлое. Но оно оказывается очень актуальным для нашего времени. Современное звучание спектаклю придал оригинальный театральный язык, который авторы выбрали для своего повествования.
Дом для приема Особо Важных Гостей, в котором происходит действие, в миниатюре представляет российское общество. Туда приезжает победитель конкурса буфетных работников, честная девушка Ася, не подозревающая о том, что на этом «хлебном» месте круг обязанностей, мягко говоря, отличается от привычного. На отдых приезжает важный гость Георгий Никитич, который пытается ее соблазнить, а потом выясняется, что таким образом Асю проверяли — будет ли она хорошей работницей. «Важная» же персона оказывается инструктором по физкультуре Жорой, а проверки такие — в порядке вещей для каждой из новых сотрудниц.
Путь к сердцу современного зрителя авторы выбрали через оригинальную пластическую пантомиму, которая сопровождает диалоги персонажей. Это придает действию стремительность происходящего. Хотя спектакль идет без перерыва 1 час 50 минут, но смотрится он на одном дыхании.
Не покидает ощущение, что актеры произносят свои диалоги очень громко, даже истерично, на уровне нервного срыва. Эта гипертрофированность диалогов передает особую тревогу, присущую нашему времени.
Конечно, своеобразию спектакля способствует и блестящий текст реплик, и сам сюжет, созданный драматургическим талантом Эмиля Брагинского. Рука мастера видна в разработке характеров и отношений между ними, характерных словечках и фразах, исходящих от персонажей. ( Святая ты наша… Да ты проселочная… Невиновных нет, есть необнаруженные… Как же ты быстро нырнула под него… Двухколёсный ты мой… Власть похлеще самого неистового мужика… И т.п.).
За комедийными ситуациями и гротескно выстроенными диалогами в сюжете — совсем не комедийная история, в которой каждому предстоит пройти проверку на лакейство и сделать свой выбор. И, оказывается, что почти из любого — даже самого тонкого, настоящего и искреннего человека — можно сделать ничто, втоптав в грязь, убив в нем человеческое.
Особое впечатление от постановки создают выразительная работа со светом, музыкальное оформление и, конечно, необычная сценография спектакля. Это трансформирующиеся стеклянные стены с окнами и дверями. Скользящие столы с круглыми отверстиями, которые постоянно приводит в движение мужская танцевальная группа.
Все это требует от актёров немалых физических усилий. Действия сменяет одно другое. При этом оно происходит на разных высотах театральной сцены. Не только физическом. Но и душевно-эмоциональном. Но именно благодаря этому азартному стилю спектакль и заслужил продолжительные овации зрителей. С чем мы и поздравляем всех артистов и постановщиков.
Режиссер – Александр Карпушин
Художник-сценограф – з.х. РФ Владимир Боер
Художник по свету – Андрей Дёмин
В ролях: з. а. РФ Людмила Погорелова, Анна Нахапетова, Анастасия Якушева, Анна Подсвирова, Владислава Крюкова, Быкодерова Олеся, Иван Иванович, Андрей Лукьянов, Владислав Сыровацкий, Сергей Абаев, Жан Силантьев, Кирилл Ледовский. Подробнее о спектакле:
https://teatrviktuka.ru/spektakli/pochti-smeshnaya-istoriya-lakeyskie-igry/
Борис Примочкин, Наталья Ковалева

«СИНДРОМ» — НОВАЯ РОЛЬ ОКСАНЫ АКИНШИНОЙ
Фильм «Синдром» начинается ссорой . Жена — художник. Муж — финансист, владелец крупной строительной фирмы. При этом он вечно раздражен, не любит и не понимает картины.

Очередная супружеская ссора происходит в автомобиле, которая и приводит к аварии. С неё начинается погружение в историю супружеских отношений Маши и Кирилла. После ДТП девушка не узнает мужа — тот становится пугающе идеальным. Все больше странных совпадений, образов и знаков говорит о том, что Маше опасно доверять себе. Лента постепенно перерастает в психологический триллер-исследование загадочной женской души. Слой за слоем вскрываются психологические травмы в судьбе главной героини (Оксана Акиншина). И открываются невероятные поступки, которые она совершает. Действие развивается то плавно, даже скучновато. То вдруг делает неожиданный скачок в сюжете. Но в конце взрывается совершенно непредвиденным финалом, который заставляет совершенно иначе посмотреть на природу женской души.

РЕАЛЬНОСТЬ И ФАНТАСТИКА ФИЛЬМА «ЧУВСТВО АННЫ»
Чтобы снять кино о нашей обычной жизни необычно — нужен большой талант. У авторов фильма «Чувство Анны» он в избытке. Потому что в жанре фантастики они рассказывают суровую правду о нашей трагической действительности. Хотя действие происходит в Перми, это может быть и Москва, и Новгород, и любой другой город.

Все очень узнаваемо. Народ ходит на работу в масках. Серые, точнее черно-белые будни повседневной жизни вдруг сдвигаются к присутствию в ней инопланетян. При том что в мире свирепствует смертельный коронавирус. Но время как бы смещено слегка в завтрашний день. Уже идет освоение других планет с высадкой на Марсе, о которой все так же буднично сообщает в программе «Время» хорошо известная всей стране теледикторша Екатерина Андреева..

В это время Анна из Перми (Анна Михалкова) живет обычной жизнью: работает на кондитерской фабрике, вместе с мужем (Тимофей Трибунцев) воспитывает детей. Пока в какой-то момент не начинает слышать голоса внеземных цивилизаций. И записывать под их диктовку послания к землянам. Люди, вы на грани гибели. Вам не хватает любви. Любите друг друга. Это фантастическое заявление инопланетян звучит как никогда актуально.

Но дальше начинается реальность. В ней полюбить друг друга совсем не так просто. Не то, что незнакомого человека, а даже близкого. Жене — мужа. Детям — своих родителей. И вот тут начинается глубокое художественное исследование правды наших человеческих отношений. Подросткам этот фильм лучше не видеть: + 18. Но взрослым людям на экран стоит посмотреть. Там есть блестящие актерские работы. И прежде всего Анны Михалковой. Режиссер Анна Меликян сказала, что ей всегда хотелось с ней поработать, поскольку она считает ее одной из самых ярких и интересных наших актрис. Сценарий был написан специально под Аню.

Фильм частично снимался в Перми. Именно там была найдена потрясающая старинная кондитерская фабрика, на которой по сюжету работает главная героиня. Еще недалеко от Перми до сих пор существует загадочный Молёбский треугольник, аномальная зона с советских времен, куда и сейчас ездят паломники. Это место тоже стало важной частью в понимании фильма.

КОМЕДИЯ «СЕМЕЙНАЯ КАРТИНА» — ПОДАРОК К ЮБИЛЕЮ А.Н.ОСТРОВСКОГО
Московский Губернский театр представил комедию А. Н. Островского «Семейная картина». Фойе большого зала театра на полтора часа превратилось в дом богатого купца Антипа Антиповича.
Его сестра, Мария Антиповна, девушка девятнадцати лет, скучает и мечтает о женихе. Что актуально для многих молодых девушек всех времен и народов. Брат начинает подыскивать сестре жениха среди своих знакомых.

Они с матерью выбирают купца Парамона Ферапонтовича Ширялова. Хоть он стар и плутоват, зато богат и денег куры не клюют. А то, что Ширялов плутует, так Антип Антипович сам такого же поля ягодка. Сюжет комедии незатейлив. Но в каждой сцене уже чувствуется рука будущего мастера,
который хорошо знал купеческий быт и нравы. И «Картина» — подарок театра к 200-летию драматурга.
В ткани спектакля хорошо просматриваются современные тенденции нашей жизни. Плутовство купцов явно перекликается с современными блогерами-инфоцыганами, организаторами финансовых пирамид, черными риэлторами, продажными нотариусами…

Постановочная группа — режиссер Ольга Матвеева, художник-постановщик Юлия Короткова, хореограф Анна Гилунова, музыкальный руководитель Валерий Федоренко, помощник режиссера Людмила Бобкова – сделали комедию динамичной и саркастической. На глазах разворачиваются яркие диалоги, песни и танцы того времени. Особенно выразительно смотрелись огромные
картинные рамы, в которых появлялись артисты в костюмах того времени и на дальнем плане просматривались очертания российского города с куполами церквей, где происходит действие пьесы.

Одна сцена отделяется от другой фигурами кадрили, в которой участвуют все артисты. Что сразу напомнило фрагменты стилистики ставшего народным фильма Владимира Меньшова «Любовь и голуби». Артисты играли задорно, на кураже, их настроение легко передавалось зрителям.

В ролях: Марья Антиповна – Александрина Питиримова / Анна Цанг, Антип Антипыч Пузатов – Антон Соколов / Михаил Шилов, Парамон Ферапонтыч Ширялов – Сергей Вершинин / Андрей Мисилин, Степанида Трофимовна —
Людмила Менчинская / Татьяна Рудова, Матрена Савишна — Наталья Смирнова, Дарья, горничная Пузатовых — Анастасия Борисова, Певица – Алина Ивах, Музыкант – Дмитрий Куличков.
Основой для пьесы «Семейная картина» послужила более ранняя пьеса Островского «Исковое прошение», которая была задумана драматургом как комедия в нескольких актах, однако осталась незавершённой. Вместо многоактной комедии Островский решил, воспользовавшись уже сделанным, написать одноактную. Это была первая законченная пьеса драматурга. В тот же день, по совету своих друзей, он прочел её в присутствия ряда литераторов, в публичном собрании у профессора Шеверёва. Пьеса произвела на слушателей большое впечатление. Вспоминая об этом чтении, Островский писал: «Самый памятный для меня день в моей жизни 14-е февраля 1847 года. С этого дня я стал считать себя русским писателем, и уже без сомнений и колебаний поверил в своё призвание». Автору в ту пору было
всего 24 года.
Б. Примочкин, Н. Ковалева

7 НОЯБРЯ В МОСКВЕ ОТКРОЕТСЯ XVII МКФ «РУССКОЕ ЗАРУБЕЖЬЕ»
С 7 по 14 ноября 2023 года в Москве, а также в онлайн-формате пройдет XVII Международный кинофестиваль «Русское зарубежье».
«В нынешнем году в программе форума будет представлено более 50 картин из 11 стран: Аргентины, Армении, Белоруссии, Бельгии, Германии, Испании, Канады, Мальты, России, Франции, Швеции. Фильмы знакомят с малоизвестными страницами истории России, с научным и культурным наследием Русского зарубежья. Пройдут тематические мероприятия и выставки. Форум нацелен на популяризацию русской культуры и консолидацию Русского мира», – сообщил президент Международного кинофестиваля «Русское зарубежье», кинорежиссёр Сергей Зайцев.
Жюри конкурса неигровых фильмов в этом году возглавит кинорежиссёр, сценарист, продюсер Наталия Гугуева (Россия), в состав жюри также войдут общественный деятель, историк русского зарубежья Димитрий Рар (Германия) и писатель, сценарист, доктор исторических наук Дмитрий Володихин (Россия). Председатель жюри конкурса игровых фильмов — кинорежиссёр, сценарист и кинопродюсер Вера Сторожева (Россия), члены жюри — актер, кинорежиссёр, сценарист Альгис Арлаускас (Испания) и актёр, режиссёр, сценарист, продюсер Игорь Васильев (Белоруссия).
В конкурс игровых фильмов вошли киноленты с участием известных актёров: Сергея Безрукова, Игоря Петренко, Сергея Пускепалиса. В насыщенной программе неигровых картин представлены работы заслуженных мастеров, лауреатов международных кинофестивалей: Николая Бурляева, Сергея Дебижева, Андрея Осипова, Дмитрия Чернецова, Марины Труш и других. Ленты расскажут о выдающихся соотечественниках зарубежья — кинорежиссёре Андрее Тарковском, писателе Владимире Набокове, художнике Данииле Соложеве, скульпторе Паоло Трубецком, актёре Питере Устинове, бактериологе Владимире Хавкине, фотографе Анатоле Садермане и других.
В рамках форума запланирована отдельная программа фильмов отечественных и зарубежных авторов, рассказывающих о Специальной военной операции России на западных рубежах страны.
Сергей Зайцев: «Вклад русских в мировую культуру и науку невозможно переоценить. К юбилеям композитора и пианиста Сергея Рахманинова, певца Фёдора Шаляпина, художников Бориса Анрепа и Сергея Голлербаха, писателя Гайто Газданова, генерала Антона Деникина будут приурочены специальные показы. Состоится премьера неигрового фильма «Бунинъ» режиссёра Андрея Судиловского. Среди мероприятий форума запланированы встречи с участием члена совета ассоциации «Российское наследие» Марины Эль Хаким (Тунис), профессора Салернского университета, директора Исследовательского центра Вячеслава Иванова в Риме Андрея Шишкина (Италия), руководителя Дома культуры российско-ливанской диаспоры Ирины Сакр (Ливан) (онлайн), а также концерт автора-исполнителя песен Владимира Вишнякова (Казахстан) и мастер-класс известного российского режиссёра Андрея Осипова.»
В ближайшее время на официальных ресурсах фестиваля будет опубликована программа форума. Большую её часть планируется представить для просмотра на сайте в открытом доступе. Вход на мероприятия с 8 по 14 ноября свободный.
Кинофорум учреждён в 2007 году. Учредители: Дом русского зарубежья имени Александра Солженицына и киностудия «Русский путь» при поддержке Министерства иностранных дел России, Министерства культуры России, Правительства Москвы, Отдела внешних церковных связей Московского Патриархата, Россотрудничества, Московской городской Думы.
За годы работы вниманию зрителей представлено более 650 игровых и документальных фильмов, посвященных истории России ХХ века и Русского зарубежья. Место проведения кинофорума: Дом русского зарубежья имени Александра Солженицына, Нижняя Радищевская ул., д. 2, (ст. м. Таганская – кольцевая) и онлайн на официальном сайте фестиваля.
Официальный сайт: http://www.cinema-rp.com
Соцсети:
Телеграм https://t.me/cinema_rp
ВК https://vk.com/cinemarp
ОК https://ok.ru/group/70000001641759

ФИЛЬМ «ПРИВЕТ, МАМА» — РЕЖИССЕРСКИЙ ДЕБЮТ ТАЛАНТЛИВОЙ СЦЕНАРИСТКИ
Фильм «Привет, мама» — один из редких по своей обнаженной авторской лиричности. Даже не верится, что это режиссерский дебют Или Малаховой, чьи сценарные работы участвовали во многих международных и российских кинофестивалях – Канны, Локарно, «Кинотавр».
По сюжету картины молодая женщина Кира работает в коллцентре аэропорта Пулково и живет со своей младшей сестрой Верой и двумя племянницами от разных отцов. Несколько лет назад их мама, выгнавшая когда-то дочерей из дома, пропала без вести. Кире пора признать кончину матери и двигаться дальше: получить свидетельство о смерти, вступить в наследство, разъехаться с сестрой и племянницами. Начать жить наконец-то своей жизнью. Но не так все просто в жизни главной героини.
Прежде всего это очень женская картина, полная тонких психологических наблюдений и переживаний. Чем больше в неё погружаешься, тем все больше сочувствуешь героине в её таких типичных неудачах с её любовниками.
Передать словами весь клубок разворачивающихся противоречий невозможно. Лучше посмотреть. И задуматься, в каком мире мы живем.
По словам Или Малаховой, события ленты имеют вполне реальную основу.
«У моих знакомых так ушла мама, её очень долго искали, но не нашли. А связь с ушедшим человеком не становится слабее, она очень сильная. Не знаешь, чему доверять: этой связи или фактам жизни. Как с этим жить? Честно говоря, я надеюсь, что у нас получится человеческое кино. Может быть, оно будет немного смешное. Может быть, грустное. Оно должно быть, мне кажется, разнообразное, как наша жизнь».
Восхитительный фильм, тонкий и глубокий, в котором ощущается явная перекличка с чеховской традицией в драматургии, усиленная изумительной игрой всех артистов, особенно главной героини.
Неслучайно дебютная картина российской постановщицы Или Малаховой «Привет, мама» попала в программу «Новые режиссёры» 71-го Международного кинофестиваля в испанском Сан-Себастьяне, который прошел с 22 по 30 сентября.

«БУНИНЪ» НА ЭКРАНЕ
Художественно-документальный фильм, снятый киностудией Дома русского зарубежья имени Солженицына, завораживает с первых кадров. Рассказать о нелегкой судьбе великого русского писателя — задача очень и очень непростая. Но решена она удивительно изящно и легко. Хотя понимаешь — за каждым живым кадром — тщательно выверенная проработка и отбор огромного материала.

Биография и творческий путь писателя раскрыты и показаны с большим тактом и глубиной понимания основных мотивов его произведений. Режиссёр Андрей Судиловский заметил после пресс-показа: «Своей работой мы надеемся найти ответы на извечные вопросы вокруг великой и загадочной фигуры Ивана Бунина».
За границей Бунин провёл 33 года, там он создал свои главные произведения. В фильме не просто представлены фотографии, документы, письма, материалы из периодических изданий, российских и зарубежных архивов. Они показаны с эмоциональной и при этом сдержанной любовью к писателю. Каким-то невероятным образом экранный язык фильма передает стиль и дух бунинской прозы. Во всяком случае, так показалось мне и моей коллеге.
Ведь главная отличительная особенность всего творчества Ивана Алексеевича Бунина — это универсальность и одновременно индивидуальная неповторимость манеры повествования. Найти в нем что-то близкое и родное могут читатели всех возрастов и интересов, его произведения захватят как опытных читателей, так и тех, кто впервые взялся за изучение русской литературы.

«БАНЯ» В ТЕАТРЕ РОМАНА ВИКТЮКА
В год юбилея Владимира Маяковского Театр Романа Виктюка представил спектакль «Баня».

Режиссер постановки Сергей Захарин увидел в пьесе главного «певца революции» метафорический и очень актуальный смысл всего происходящего. И значительно сценически усилил его.

И тут можно напомнить цитату Маяковского:

«Ставь прожектора, чтоб рампа не померкла. Крути, чтоб действие мчало, а не текло. Театр не отображающее зеркало, а — увеличивающее стекло».

Внешне «Баня» — советская комедия с элементами сатиры. А на самом деле — практически идеальная абсурдистская драматургия, которую так ценил основатель театра Роман Виктюк, а вслед за ним ценят и его ученики, его последователи.

Карикатурный, перевёрнутый мир бюрократической машины в режиссуре Сергея Захарина предстал увиденным глазами самого Маяковского, роль которого исполнил Дмитрий Бозин.

Он исполняет роль лирического героя спектакля или поэтического повествователя, который как бы наблюдает со стороны за происходящим. И делает это на высшем уровне. Не только потому, что буквально сидит на верхних этажах сценической конструкции, но и абсолютно артистически, как человек, тонко чувствующий нерв поэзии Владимира Маяковского

Его лирический герой — герой поэм «Флейта-позвоночник», «Про это» и «Облако в штанах», существующий на контрапункте с гротесковыми персонажами пьесы, грезит о любви, о светлом — по-настоящему, не из лозунгов — будущем.

Именно через него проходит чувственный разряд творческой энергии, которой пронизаны стихи поэта. Сам Дмитрий Бозин говорит о своей роли очень проникновенно и выношенно:
«В спектакле много пластики, танцевальных фрагментов, гротеск персонажей обязывает к этому. К тому же в пьесе много условностей. Например, машина времени, которую изобрел Чудаков, воображаемая. Уверен, что юмор, который Маяковский заложил в пьесу, будет понятен и зрителям нашего времени, так как многое из того, о чем писал поэт, актуально, смешно и сейчас.

Я учился в школе в те времена, когда Маяковский был Главным Советским Поэтом — певцом Революции. Много его стихов я знал наизусть, и декламировал их с торжественным вдохновением. Потом был перерыв лет на 25, и я только вклинивал его раннюю лирику в некоторые свои программы, восхищаясь точностью его психологических характеристик. Но за это время я перезагрузил свое сознание сквозь поэтическую метафизику серебряного века и лабиринты советских абсурдистов.

И вот теперь, когда я вновь вчитался в «давно знакомое», оно обрушилось на меня совершенно неожиданным Сюрреализмом. Слова повисли в воздухе вне равновесий, строчки построены прочно, но векторы их движений перекручены и оборваны. Конечно, я говорю о любовной лирике, где Владимир Маяковский с хирургической честностью признается в полном своем поражении от той невыносимости, что люди ласково называют Любовью.
Он терпеливо описывает перпендикулярные пространства, скрещивая их с математическим упрямством. Точно и звучно. Меня это захватывает, и доводит боль до степени удовольствия.

А что касается «Бани» — то это Великая Стирка. Маяковский — романтик, но он категорически не наивен, а потому радостно жесток и солнечно остроумен. Но тут нам повезло: Сергей Захарин ясно мыслит, а команда наших актеров — Талантищи»

С этими словами ведущего артиста театра трудно не согласиться. Спектакль получился в яркой перекличке с творчеством великого поэта и очень созвучным происходящему сегодня в мире…

ВАХТАНГОВСКАЯ «НОЧЬ ПЕРЕД РОЖДЕСТВОМ»
Вахтанговский спектакль «Ночь перед Рождеством» ошеломляет своей необычной, неожиданной яркой формой. Настоящий эквилибр театральной режиссерской раскованности и актерской импровизации. Даже не верится, что такой солидный и серьёзный академический театр обладает столь юношеской творческой энергией.

Уже в распределении ролей в программке невольно отмечаешь, что Оксану, возлюбленную Вакулы, и чёрта играет одна и та же актриса. Такое соединение – женщины и чёрта в одном лице — сразу обостряет внимание.

И дальше оно не теряется. А лишь все больше нарастает. Например, его подхватывают первые сцены постановки. Когда голос отца заставляет юную дочь читать гоголевскую «Ночь…». На что ребенок с трудом соглашается. И это напоминает скучные уроки школьного детства. И одновременно опровергает всякую скуку всем дальнейшим происходящим на сцене. А там начинается целый вихрь, казалось бы, известных событий. Но переданных совершенно необычно.

Черт в исполнении Евгении Ивашовой напоминает нервного испуганного подростка, а своей мимикой и пластикой Чарли Чаплина. Знаменитая сцена — поедание Пацюком галушек со сметаной — увидена совершенно неожиданно, по-своему. Авторам удалось в ней гармонично соединить театр и кино. Также метафорично и условно был показан полёт Вакулы на черте к императрице. С иронией прошла сцена проверки героев собаками службы безопасности дворца. И все эти события гоголевского сюжета перемежались перебивками времен. Например, когда идет современная экскурсия по достопримечательностям Петербурга с угощением экскурсантов горячим шоколадом.

Режиссер-постановщик нового спектакля – известный актер и режиссер Олег Долин. Он нашел своё уникальное прочтение прозы Гоголя, написанной почти двести лет назад, но совершенно не стареющей благодаря свежему виденью. Вместе с ним в постановке спектакля приняли участие художник по костюмам Евгения Панфилова, художник по свету Руслан Майоров, видеосценограф Ася Мухина, технолог Елизавета Борисова, звукорежиссер Екатерина Волкова.

Роли в необычной интерпретации повести Гоголя исполнили маленькая Эстер Долина, Эюб Фараджев, Евгения Ивашова, Мария Волкова, Евгений Кравченко, Карен Овеян, Ирина Смирнова, Василий Цыганцов, Павел Юдин, Полина Бондарь, Мария Риваль, Анастасия Жданова, Анна Ляхова, Анастасия Джентилини. И надо сказать, что все актеры работали с особым азартом и вдохновением.

Это уже не первая постановка спектаклей по произведениям великого русского писателя на вахтанговской сцене. За всю историю существования Театр Вахтангова ставил Гоголя семь раз. Этот восьмой.

После пресс-показа режиссер-постановщик спектакля Олег Долин рассказал журналистам о принципах своего подхода к произведению Гоголя.

«Ночь перед Рождеством» — прекрасная повесть. В ее восприятии много стереотипов, поэтому хотелось добиться нового звучания. Вместе с артистами мы искали, как сегодня эта история должна выглядеть и звучать, каков способ существования на сцене исполнителей в этом материале. Мы работаем этюдным методом, ведь это не драматургия, а проза, сцены не идут одна за другой, а создается композиция по тексту. Проза требует специального освоения на сцене». И, надо признать, такой подход выглядел очень убедительно. Что подтверждали громкие и единодушные аплодисменты по ходу и по окончании спектакля.

Иногда казалось, что спектакль больше напоминал пантомиму, в нем не очень много слов. Больше действия, ярких событий и оживших символов гоголевской прозы. Режиссер отметил, что первый раз ставит спектакль в Театре Вахтангова. Что совершенно закономерно, потому что он выпускник Щукинского института. «А в нем работают мои педагоги, безмерно уважаемые и почитаемые мною. Я чувствую, что мы „одной крови“ с актерами и работниками цехов. Мне здесь очень комфортно работать, давно такого не было». Театр можно поздравить с такими выпускниками, а зрителям пожелать посмотреть настоящее театральное чудо, которое длится один час пятьдесят минут, но пролетает как одно мгновенье.

БРЕМЕНСКИЕ МУЗЫКАНТЫ ИЗ ТЕАТРА МОССОВЕТА
В Театре Моссовета готовится премьера музыкального спектакля для всей семьи «Бременские музыканты» в постановке художественного руководителя Евгения Марчелли. Нам удалось побывать на пресс-показе. И получить совершенно ошеломительное впечатление от фонтана находок и неожиданностей, которыми богат спектакль.

Казалось бы, что можно добавить к популярному мультфильму, цитаты из которого разошлись по многим поколениям. Но, если посмотреть спектакль, то будет с чем согласиться и от чего прийти в полный детский восторг, даже если вы достаточно взрослый зритель.

Конечно, сохраняют свое очарование всеми любимые песни Геннадия Гладкова и Юрия Энтина. Но к ним добавляется настоящее волшебство таланта театрального коллектива да еще в сопровождении «живого оркестра» Театра Моссовета. Всего в масштабном музыкальном спектакле занято около 40 артистов. И все работают с полной отдачей своих сил и вдохновения.

Что сразу почувствовал переполненный зал, в котором детей было больше, чем взрослых. И все они сразу влюбились в происходящее на сцене и откликались восторженными аплодисментами.

А между тем действие стремительно разворачивалось, сверкая своими совершенно новыми театральными гранями и фабульными поворотами, которые создатели изящно добавили в известный традиционный сюжет. 

Атмосфера происходящего на сцене захватывала внимание и не отпускала его до конца прежде всего эмоциональной, задорной и очень живой игрой всех актеров. Стоит отметить невероятное преображение в своих ролях заслуженных артистов РФ Екатерины Гусевой (Атаманша), Валерия Ярёменко(Гениальный сыщик), а также Алексея Трофимова (Трубадур), Андрея Смирнова (шут) и других молодых актеров Театра Моссовета.

Очень необычны и хороши были костюмы всех персонажей (кот, собака, осел, пес, королевская охрана и др.). Здесь чувствовалась рука мастера — художника по костюмам и лауреата премии «золотая маска» Евгении Панфиловой.

Хотя спектакль шел один час сорок минут с одним антрактом, время пролетело совершенно незаметно. И зрители еще долго не отпускали артистов, купая их в своих аплодисментах.

Б. Примочкин, Н. Ковалева

«КЕНТАВР» НОЧНОЙ МОСКВЫ

Москва – гипер-город. А ночная Москва – вселенная. В её ночных глубинах многое происходит, во что трудно сразу поверить. Обычному человеку. Но вот фильм «Кентавр» режиссера Кирилла Кемница дает возможность заглянуть в её теневую, таинственную сторону.

Юная Лиза в милых кудряшках (Анастасия Талызина) работает эскортницей, поездка на такси для нее — минута желанного расслабления. А водитель такси Саша (Юрий Борисов) умеет общаться с клиентами, расположить к себе своим удивительным человеческим обаянием. Здесь актер обворожительно убедителен. У него какой-то неуловимый дар внушать доверие.

В фильме это передано весьма кинематографично. Взглядами. Мимикой. Интонацией. Качеством диалога. И самое главное — проработанным сценарием, игрой актеров, работой оператора. Ведь основные сцены происходят в тесном пространстве автомобиля. Но это волшебным образом не чувствуется…

Экран захватывает с первых кадров и потом оторваться уже невозможно. Как это сделано — не успеваешь разобраться. Просто смотришь на одном дыхании. И вздрагиваешь на крутых сюжетных поворотах, а их в фильме — как на горной дороге. В ушах слышен то визг тормозов, то рев убегающей от погони машины. Под внешним криминальным сюжетом видна и слышна настоящая озабоченность авторов чудовищным социальным неравенством нашего общества, о котором как бы не догадывается руководство страны. Но именно из него растут метастазы наших болезней.

 Одно из значений названия фильма исходит из простой метафоры. Автомобиль с водителем – это железный кентавр. Но он еще имеет одну индивидуальную особенность водителя, которую лучше увидеть и даже услышать. Потому что текст не передаст пронзительную деталь, исходящую от одного из эпизодов в самом начале ленты. Но деталь эта очень важна в понимании происходящего на экране. Сила новой картины не только в мощно закрученном сюжете, но и в том глубоком художественном смысле, который авторам удалось выразительно донести до зрителя.

ТАЙНЫ ТВОРЧЕСТВА САЛЬВАДОРА ДАЛИ

Заглянуть в творческую лабораторию гения всегда интересно. Да еще такого как Сальвадор Дали. И вот на экраны страны выходит фильм «Быть Сальвадором Дали». Ожидания критики очень высоки — почти 100%. И они оправдались.

Режиссер и продюсер Мэри Херрон подобрала прекрасную группу актеров, каждый из которых внёс свою неповторимую краску в картину в решении сложнейшей задачи. Особенно ярок, хорош и убедителен Бен Кингсли в роли Дали. Здесь не только убедителен внешний грим. А реальное внутреннее перевоплощение, походка, мимика, взгляд…

Время в ленте меняется по своей художественной логике, раскрывая по эпизодам рождение таланта, его взлет и упадок.

1974 год. Сальвадор Дали — самый знаменитый и эпатажный художник на планете. Однако подлинная власть в мире искусства — в руках у Галы, его жены и музы.

Эта женщина похоже была рождена, чтобы помогать поставить на крыло гениев. Ведь она уже была женой всемирно известного французского Поля Элюара и помогла ему в творчестве. Да у ней невыносимый характер. Ей все время нужны деньги. И она похожа больше на музу-стерву. Но сущность её — кого-то поддерживать. А Дали уже давно состоялся. И она со всей влюбленностью помогает другому молодому музыканту и композитору. Наверное, поэтому их страстный брак переживает не лучшие времена, а охваченный бурными эмоциями гений закатывает бесконечные скандалы и вечеринки вместо написания новых картин.

Юному ассистенту Джеймсу выпадает задача любой ценой добиться, чтобы Дали подготовился к большой Нью-Йоркской выставке. Невольно Джеймс оказывается затянут в безумный мир Дали и из первых уст узнаёт не только историю жизни самого необычного художника всех времен, но и открывает вместе со зрителями тайны его творчества.

Во-первых, Дали приверженец ритуалов. Во-вторых, он бывает беспомощен как ребёнок. В третьих, его вдохновляет и стимулирует ужас конечности человеческой жизни. В четвертых…

В картине много можно найти интересных открытий. Это, действительно, художественный фильм о художнике. ‌‌

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

«ПЕРЕВОДЧИКИ» РАЗНЫХ СТРАН

Весь мир облетели документальные кадры улетающего последнего американского самолета, который был облеплен афганцами, сотрудничавшими с США во время войны в Афганистане. Самолет взлетел, а люди падали на землю с крыльев.

И вот новый художественный фильм Гая Ричи «Переводчик» о трагедии, но уже изнутри мотивов и причин этой катастрофы. Опытный сержант ветеран Афганистана Джон Кинли на одном из последних заданий тяжело ранен. Жизнь Кинли висит на волоске. Но его спасает афганский переводчик по имени Ахмед. Он переносит потерявшего сознание бойца в безопасную зону, хотя сам попадает в ловушку. Слово «переносит» не передает все невероятные опасности этого тяжелейшего пути. Вернувшись в Соединенные Штаты и оправившись от ран, сержант, как честный человек, продает свой дом и автомастерскую, на вырученные деньги едет назад в Афганистан, чтобы вызволить своего спасителя и вывезти его вместе с женой и маленьким ребенком в США. Но он не учел, что он сам и его бывший переводчик, оба находятся в розыске. А талибы уже находятся у власти, и оказаться в их руках – умереть мучительной смертью. Чтобы добраться с тяжело раненным сержантом до безопасной границы, Ахмед должен в буквальном смысле совершить невозможное.

Главные роли в фильме достались Джейку Джилленхолу и Дару Салиму. Они играют роли Джона Кинли и переводчика Ахмеда с убедительной артистической выразительностью. А мастерская работа режиссера и отчасти сценариста, самого Гая Ричи, подтверждает его немеркнущий талант создателя напряженных приключенческих лент. Хотя фильм снимался зимой 2022-го в Аликанте, испанском городе на побережье Средиземного моря, но остается полное ощущение выжженных и пустынных гор и поселений Афганистана. Впервые в истории кино ООН дала разрешение на съемки в своем штабе. Правда, не без ограничений: группу пускали в здание только по выходным. Из-за этого запись материала растянулась на сто дней.

За всеми перестрелками и погонями, которые происходят на экране, встает антивоенная тема бессмысленности и жестокости однополярного мира, который с такой изощренной ожесточенностью защищают США. Стоит вспомнить, что таких переводчиков было немало и в других странах.

Китай (Ихэтуаньское восстание, 1900), Япония (Вторая мировая), Корея (Корейская война), Вьетнам, Лаос, Камбоджа (война во Вьетнаме), Германия (Вторая мировая), Италия (Вторая мировая), Ирак (1991, 2003), Афганистан (2001)… Борис Примочкин, Наталья Ковалева

ЭКЗИСТЕНЦИАЛЬНЫЙ СТРАХ ЧЕЛОВЕКА ПО ИМЕНИ БО

Фильм «Все страхи Бо» (2023) — для тех, кто хочет понять этот странный мир, в котором мы живем и умираем. И название у него соответствующее. Ари Астер – экстравагантный, но очень интересный режиссер таких необычных фильмов как «Солнцестояние» и «Реинкарнация» — пригласил на главную роль Хоакина Феникса, который, несмотря на сложнейшую задачу, с ней блестяще справился.
По жанру это гремучая смесь комедии, ужаса, триллера, сюра и грустной правды о нас самих. Под головокружительным сюжетом невероятных событий в сущности происходит путешествие человеческой души внутрь самой себя.
С самого начала экран накрывает неожиданными кадрами тревожного рождения главного героя. Действие происходит в пространстве западного мира, но по всем деталям эта атмосфера хорошо знакома жителям любой страны. Тревога пронизывает весь воздух картины. Длительность фильма три часа. И тем не менее, они проносятся как одно мгновенье. Настолько все плотно насыщено событиями и сюжетными поворотами. По внешнему сюжету фильма человек средних лет и неопределенных занятий по имени Бо (Феникс) идет в гости к своей матери, но путь этот оказывается очень долгим и неожиданным. Правда, людям со слабой психикой эти страхи Бо лучше не смотреть. 
Фильм выйдет в российский прокат 4 мая. Кто не боится, может посмотреть. Тем более что лучше именно этот фильм смотреть на большом экране, чтобы не пропустить все нюансы совершенно неординарной картины.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

«НОЧЬ ТЕАТРОВ» В ТЕАТРЕ РОМАНА ВИКТЮКА
27марта в Театре Романа Виктюка в рамках всероссийской акции «Ночь театров» и в честь
200-летия великого русского драматурга Александра Николаевича Островского состоялся потрясающий творческий вечер – театральное путешествие «Островский. Авангард»!
Зрители, вслед за цыганами – теми, кто в произведениях Островского становятся символом судьбы, рока, неотвратимости – отправились в путешествие по театру в мир совести, любви, страсти, порядочности – мир,созданный великим драматургом, и стали свидетелями лучших сцен о любви из его знаменитых пьес: «Волки и овцы», «Доходное место», «Бесприданница», «Свои люди – сочтемся!».
Без малого три часа беспрерывного действия, драйва, движения подарили зрителям талантливые режиссеры нашего театра: Игорь Неведров, Кирилл Шендеров, Александр Тарасов, Андрей Боровиков и режиссер по пластике Владимир Аносов, чья неудержимая творческая энергия и талант создали этот прекрасный вечер.
Образы персонажей пьес Островского представили артисты нашего театра: Прохор Третьяков, Мария Матто, Никита Башков, Анастасия Якушева, Александр Семенов, Константин Авдеев, Виктория Савельева, Павел Новиков, Наталья Мороз, Сергей Соломин, Олеся Быкодерова, Игорь Тенсин, Сыровацкий Владислав.
Зажигательные цыгане: Жан Силантьев, Мария Михайлец, Алексей Галкин, Валерия Энгельс, АлдарКогаев, Алена Чубарова, Светлана Гусенкова, Юрий Пономаренко, Мария Дудник, Андрей Мельничук, Сергей Абаев, Андрей Лукьянов.

Отзывы зрителей:
Раиса Бусарова: «…само действие вечера! Интересно, уютно, приятно, прекрасно, было охвачено все и даже больше!!! Отрывки из произведений А.Н.Островского (режиссерская постановка, яркая талантливая актерская игра, костюмы, живая музыка)!!! Экскурсия по театру, посещение музея, проведение лотереи с призами, мини спектакли на разных площадках (малая сцена, балконы, большая сцена). Эксклюзивный архивный показ из фильма «Гроза» 1933 г.
Три с лишним часа пролетели на одном дыхании, с полным погружением в атмосферу вечера! Все и всё, в этот вечер было для нас, для зрителей! А мы в свою очередь полностью отдали себя текущему моменту, прочувствовали каждое мгновение, без посторонних мыслей!»
Ольга Дёмина: «…Актеры были на высоте! Доставили массу удовольствия, заставили задуматься, как всегда в нашем любимом театре! Браво! Спасибо, что вы есть! Благодарю всех причастных к созданию этого незабываемого праздника!»
Екатерина Карпович: «…Невероятные вечер, всё ОЧЕНЬ понравилось, это было незабываемо. Каждый отрывок по пьесам Островского потрясающий. Танцы цыган, песни, экскурсия в кабинет Романа Григорьевича, вопросы, фильм «Гроза», путешествие по любимому театру, игра актеров на балконе, которая позволила нам погрузится в действо. А как здорово было наблюдать за игрой с самой сцены, когда часть действия происходила возле нас, на сцене, а часть на балконе. И в завершение вечера невероятный, смешной спектакль «Свои люди сочтёмся». Хочется ещё!!! Спасибо, любимые, родные, невероятные, за такой праздник».
Марк Амелин: «…Ваша идея вовлечь своего зрителя в прогулку по театру, соединяющую в себе познавательный интерес к его пространству с драматическими отрывками и условностями игры, которые вовлекают зрителей интеллектуально в ткань драматического действия — все это, уверен, стало прекрасным подарком для всех Ваших подготовленных и неискушенных зрителей. Тем более, что донести все это триединство (прогулка-посещение, условность-игра, драма-действие) возможно было только при наличии того мастерства, энергии, смелости, таланта и физической подготовки, которыми так завидно обладают Ваши исполнители и постановщики».

«РУССКИЙ КРЕСТ» НА ЭКРАНАХ СТРАНЫ
Накануне Пасхи, которая будет в этом году 16 апреля, на экраны страны выйдет уникальный поэтический фильм «Русский крест». Он основан на поэме Николая Мельникова, мало кому известного поэта. Прожил он очень немного, всего сорок лет (1966-2006).

Нужно иметь большую художественную смелость, чтобы соединить яркую образную поэтическую речь с особым визуальным языком экрана. Но попытка, безусловно, удалась. Внешне сюжет выглядит предельно просто. Хотя, как говорится, где просто, там ангелов со ста. Однорукий пьяный сторож по имени Иван Росток видит вещий сон, как светлый воин небес сражается со страшным змеем. Снов было много на экране. Но этот получился совершенно особенный по своей выразительнейшей символике. По тому ужасу и мощи, которые веют от сражения воина с чудовищем и которые передается зрителю.
Самое интересное начинается после. Иван заканчивает пить горькую, сооружает деревянный крест, надевает его на себя и ходит с ним, неся крест на себе, собирая деньги на восстановление деревенской церкви.
Михаил Пореченков, сыгравший в фильме роль Ивана, считает, что это история простого человека, прозревшего путь к духовному возрождению и сумевшего «собрать народ в Народ». И этот взгляд как нельзя актуален и востребован сегодня в стране.
Поставил картину, Эдуард Бояков — известный театральный режиссер. На пресс-конференции, отвечая на вопросы журналистов, он сказал: «Поэма Мельникова написана четырехстопным хореем, размером с богатейшей историей, начиная с былин, духовных стихов и заканчивая современной русской поэзией. Хрестоматийные примеры – «Талисман» Пушкина, «Конек-горбунок» Ершова и «Василий Теркин» Твардовского. Поэзия Мельникова легко вплетается в ткань киноповествования. В образе сторожа Ивана Ростка прорастают черты целого поколения русских людей – растерянных и дезориентированных, оторванных от корней водоворотом истории, вынужденных среди обломков советской идеологии искать ростки новых ценностей, которые не могут не быть вечными. Этот образ глубоко архетипичен. Нам хотелось сподвигнуть зрителя к сопереживанию, к серьезной внутренней работе, которая, возможно, поможет найти ответ на вопрос: «Для чего нам даны испытания сегодняшнего дня?»
Действительно, получилась неожиданно свежая по своему стилю и повествованию – очень поэтическая кинобылина ХХI века. Роль мученика исполнил российский актер Михаил Пореченков. И за восстановлением реальной церкви стоит создание внутреннего храма.
Фильм снимался в Тверской области, в деревне Бабье. Удивительно, как природа помогала съемочным дням. И не только природа. Но и местные жители, участвовавшие в массовке, каким-то волшебным образом почувствовали главную идею и нерв фильма. И в каждом эпизоде совпадали с духом картины. Это видно по глазам, лицам, позам людей.

«ИКРА ТРЕСКИ» В ЭЛЕКТРОТЕАТРЕ
Ряд театральных постановок Москвы, связанных с современностью, пополнился. В репертуаре малой сцены Электротеатра Станиславский в марте появился новый спектакль «Икра трески». Причем это не просто перенос в

наше время классического произведения, каковым приемом довольно успешно пользуются многие режиссеры, а постановка пьесы современного драматурга Марии Манич, в которой события развиваются на фоне пандемии в столице России. Зрителей ждет погружение в реалии совсем недавнего прошлого, картинки ковидных ограничений, сценки периода эпидемиологических запретов. А название консервов, вынесенное в название, символизирует надежду пусть и не на черную, осетровую, но все же икру, у уставших от однообразия хлеба и гречки и вынужденных сидеть по домам жителей.
Режиссер спектакля Игорь Макаров (он же и саунд-дизайнер) переносит на сцену быт москвичей периода трехлетней давности и с долей юмора (иногда даже переходящей в откровенный стеб) показывает эмоции героев в непростых ситуациях, иногда напрямую вязанных с выживанием. Через весь спектакль также красной нитью (иногда даже буквально) проходят проблемы взаимоотношения поколений, характеры стариков и молодежи.
Актеры же явно с удовольствием купаются в перипетиях сюжета, показывая и страх, и надежду, и исконное стремление русского человека найти выход из любой ситуации. А заканчивается действие видеокартинкой движения по Лефортовскому тоннелю в Москве, видимо, как непрекращающейся тяги к свету в любых, даже казалось бы, абсурдных обстоятельствах.

ВАХТАНГОВСКИЙ «АМАДЕЙ»
Пьеса британского драматурга Питера Шеффера «Амадей», мировая премьера которой состоялась в 1979 году на сцене Королевского национального театра Великобритании, неожиданно и талантливо возродилась в Вахтанговском театре.
Сценическая версия Сергея Плотова в постановке Анатолия ШУЛЬЕВА была встречена восторгом переполненного зала. Аплодисменты не раз прорывались уже во время действия. И в конце спектакля обрушились шквалом на артистов. Особенно хорош и обаятелен был Виктор Добронравов в роли Моцарта. Да и многие другие артисты были восхитительно раскованны и просто купались в своих ролях. И все бы хорошо. Но к восторгу примешивается и досада. Актеры играли без радиомикрофонов. К сожалению, акустика главного большого зала Театра не отличается высоким качеством. Лишь первые ряды партера, наверное, могли слышать полностью очень яркий и выразительный текст пьесы. А если вы сидите вдали, то расслышать удастся не так и много. Хотя общее впечатление яркой театральной удачи, конечно, будет получено.

Авторский текст несет на себе колоссальную нагрузку, каждое слово работает как музыкальная нота. Слышать текст необходимо. Но это получалось не всегда. Например, дикция народного артиста России, Алексея ГУСЬКОВА была не всегда доступна для понимания. А ведь на нем держалась половина смысла происходящего. Он играл Антонио Сальери. И видно, что играл на полной выкладке своего выдающегося таланта. Но хотелось еще всё слышать и понимать.
Зато очень помогли глубокому пониманию спектакля информационные материалы, которые были подготовлены пресс-службой театра. За что всей службе большая благодарность. И нам кажется, их стоит ниже привести полностью, настолько они чётко и ясно устраняют возникающие вопросы и недослышки.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Отвечает народный артист России Алексей Гуськов:
В роли Сальери Вас будут неизбежно и как минимум сравнивать с Олегом Табаковым и Иннокентием Смоктуновским. Думаете ли Вы об этом в процессе работы над спектаклем? Каким будет Ваш Сальери? Какого человека Вы будете играть?

«Сделаю ли я лучше или хуже — нет, этот вопрос я себе не задаю. Обращение к известному произведению — это же не стирание пыли с музейного экспоната. Это ответ на вопрос, что в этом произведении важно для нас сегодня, о чем именно мы хотим поговорить с сегодняшним зрителем. Есть хорошая фраза аргентинского психотерапевта Хорхе Букая: детям рассказывают истории, чтобы они уснули, а взрослым – чтобы они проснулись. Я надеюсь, что зрители, которые придут на наш спектакль, не будут там спать.
Сальери заключил сделку с Богом, обменяв свою жизнь на возможность стать известным композитором. А затем оказалось, что в музыке Моцарта эта жизнь была, а в музыке Сальери – нет. Потому что Бог и есть сама жизнь. И Бог не заключает сделок. Моцарт жизнь жил, а Сальери жизнь себе придумал. Поэтому долгая жизнь Сальери стала ему в тягость, а короткая жизнь Моцарта была прекрасной. Вот тема, которая волнует меня сегодня.
А если говорить уже более конкретно, то сегодняшнее обращение к известному произведению предполагает сегодняшнюю стилистику. И я думаю, что мы ее нашли.
Все, что происходит, мы увидим через воспоминания Сальери, пережившего Моцарта на много лет, услышим его монологи, почувствуем его горечь. Он будет трогательным, человечным, ошибающимся. Это не все знают, но Сальери был действительно очень талантливым композитором, которого чрезвычайно ценили и его современники и следующие поколения, Бетховен, Лист, Шуберт».

Отвечает заслуженный артист России Виктор Добронравов:
Можно ли сыграть гениальность? Известность Моцарта такова, что его образ неуравновешенного вундеркинда стал практически элементом поп культуры. Узнаем ли мы что-то новое о Моцарте после спектакля?
Каким будет Ваш Моцарт? Будем ли мы его любить?

«Гениальность сыграть нельзя. Можно спародировать представление о ней, взлохматить волосы, надеть круглые очки или неподходящий по размеру костюм. Но все и так знают, что Моцарт был гениален, мне не нужно это играть.
Моцарт живет в наших представлениях, в мемуарах, в исследованиях, в художественных произведениях, но мы не знаем, каким он был на самом деле. В кино есть понятие «актерского дубля», когда актер показывает свою версию сцены, как он и ее видит. Так и в спектакле будет моя актерская версия Моцарта.
Я вижу человека, любящего жизнь и черпающего в ней свое вдохновение, недоступное для Сальери. В отличие от Сальери Моцарт подбирает свое вдохновение буквально с пола, не боясь пропускать жизнь через себя и полностью принимая тот факт, что он сам инструмент в руках Бога. Безусловно, что он виртуозный музыкант с великолепной техникой, но источник его гениальности находится в его восприимчивости к жизни, в его открытости.
В конечном счете мы рассказываем о двух сторонах творчества, ремесле и вдохновении. Если убрать одно или другое, творчество станет невозможным. А любить или не любить Моцарта это любить или не любить его отношение к жизни, соглашаться с ним или нет».

Отвечает Екатерина Крамзина:
Констанция Вебер была большой любовью Моцарта, матерью его детей. Можно ли ее обвинять в раннем уходе Моцарта?

«Если говорить о подлинной истории жизни Моцарта, то были предположения, что Констанция каким-то образом была причастна к его смерти. Что у нее был любовник и что Моцарт об этом узнал. Потом его отравили, и она тоже была в этом замешана. Такая версия есть, и я об этом читала. В спектакле у нас этого нет. Но Констанция бросает своего мужа. Она не выдерживает и уходит от него, когда Моцарт сходит с ума и постоянно видит призрака. Она беременна, она рожает, она берет детей и уезжает. Моцарт теряет свою жену, свою опору. Можно ли это расценивать как причину, по которой его смерть наступила быстрее? Не знаю, не уверена. Потому что, на мой взгляд, Моцарт горел, как пламя, и мне не кажется, что он мог бы прожить большую долгую жизнь. И это ни от кого не зависит, кто бы с ним рядом ни находился. Мне кажется, он настолько горячо жил жизнь, что его могло хватить только вот на такое количество лет. Думаю, что Констанция здесь непричем.
Осознавала ли Констанция, что жила с гением, поняла ли она это сразу или только после смерти Моцарта?
Опять же из источников очевидно, что она считала его гением. Она знала все написанные им произведения, она напевала их. Она была все время рядом, она обожала Моцарта и его творчество. Они не были родом из Вены, они туда приехали. А чтобы осознавать гениальность, наверное, надо быть очень хорошо образованным, понимать, что происходит, видеть мир вокруг, много чего другого. Думаю, что у них не сразу появилась такая возможность. Может быть, Констанция не формулировала понятие гений в том смысле, который мы вкладываем в это слово сейчас. Гениальность проверяется временем. Гений в том, что его музыка сохранилась, в том, какие эмоции она сейчас у нас вызывает. Поэтому я думаю, что понять гениальность человека при его жизни близкому человеку объективно достаточно сложно. Но то, что она считала его невероятным, верила в него — это точно».

Судьба и жизнь женщины, живущей рядом с гением, должны ли мы завидовать ей или сочувствовать?

«Мы ничего никому не должны. Каждый будет ощущать это в силу своего характера, опыта, жизни, своих историй, и это замечательно. Я думаю, что безусловно жить с гением сложно, и это видно в спектакле. Потому что это очень эмоционально затратная история: поддерживать, быть рядом, когда трудно. Особенно, с таким гением как Моцарт, который брал жизнь целиком, во всех ее проявлениях. Мы говорим о человеке, который был очень своенравен, который говорил, что думал, а это значит, что эмоциональная сторона их жизни — это было приключение. Это история про эмоции, про страсти, про игру, про вечное ребячество. Это, наверное, будоражило, и с точки зрения впечатлений и вечного интереса друг к другу — было действительно сильно. Но с точки зрения быта, финансового положения, рождения детей, ответственности, это было очень сложно совмещать. Поэтому я думаю, что к Констанции мы можем испытывать абсолютно разные чувства. Иногда завидовать, иногда сочувствовать. Может быть, понимать, может быть, обвинять, тут целая палитра, и это и прекрасно».

Отвечает режиссер спектакля Анатолий Шульев:
Накладывает ли тот факт, что вы снова ставите спектакль в Театре Вахтангова, но теперь уже на Основной сцене отпечаток на Вашу работу?
Является ли публика театра Вахтангова особенной по сравнению с другими театрами?
Чем история Моцарта и Сальери может заинтересовать сегодняшнего зрителя?

«Работать в театре Вахтангова для меня сегодня – это, как если бы я взрослым вернулся в дом, в котором вырос. В Театре Вахтангова своя особая атмосфера, свои традиции, это особая актерская школа, но мне всё это очень близко. Здесь я будто говорю со всеми на одном языке, и мы тратим меньше времени на попытки сговориться, а больше — на творческие поиски.
Основная (историческая) сцена безусловно накладывает отпечаток на работу, это огромное пространство, его надо освоить, надо построить в этом пространстве мир путанных воспоминаний Сальери, мир музыкальной неординарности Моцарта. И именно черная бездонная пропасть Вахтанговской сцены помогает усилить темы, звучащие в этой истории, она помещает голос человека в контекст Вечности.
Не могу сказать, чем публика театра Вахтангова отличается от публики в других театрах, но знаю, что планка очень высока. История театра Вахтангова насчитывает целый ряд абсолютно легендарных спектаклей и, так или иначе, работая на Основной сцене, это приходится держать в голове. Конечно, театр должен чтить прошлое, гордиться им, но живет он все-таки настоящим и немного будущим, моментами, когда работа всего коллектива встречается со зрителем, работаем ради этой встречи.
История Моцарта и Сальери — это не только исторический эпизод, это уже почти миф, который поднимает много важных вопросов о человеческой жизни. Собственно, каждый рано или поздно спрашивает себя: как стать счастливее, чем наполнить собственную жизнь, чтобы она имела смысл, и что останется после нее. Сальери вместе с Моцартом и другими героями ищет ответы на эти вопросы прямо на наших глазах и находит порой довольно парадоксальные ответы. Поэтому я уверен, что каждый зритель найдет в этой истории что-то для себя».

Режиссер спектакля Анатолий Шульев — выпускник режиссерского факультета ТИ им. Б. Щукина. Его преддипломный спектакль «Король умирает» по пьесе Э.Ионеско вошел в репертуар Новой сцены Вахтанговского театра. В театре Вахтангова Анатолий Шульев поставил спектакль «Дурочка» Лопе де Веги, а также новеллу «Принуждение» в спектакле «Стефан Цвейг. Новеллы». В Театре им. Маяковского поставил спектакли «Я была в доме и ждала…» по пьесе Ж.-Л. Лагарса, «Бешеные деньги» по пьесе А. Островского, селебрити-драму «ДОНЖУАН», «Старший сын» по пьесе А. Вампилова, «Как важно быть серьезным» по пьесе О. Уайльда, «На всякого мудреца довольно простоты» по пьесе А. Островского. С сентября 2017 года Анатолий Шульев преподает на актерском факультете Российского института театрального искусства — ГИТИС. Поставленные им в качестве режиссера короткометражные фильмы отмечены на многочисленных фестивалях.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

ДЕД ИЛИ КВАРТИРА?
Московский Губернский театр поставил живой, полный захватывающей актерской игры и режиссерско-драматургической выдумки спектакль «Женитьба. Почти по Гоголю».

Действие начинается с первых шагов, как только входишь в зрительный зал. Под ногами шуршат сухие осенние листья. Пускай бутафорские, театральные, но они тоже маленькие, но важные артисты, которые очень выразительно то плавно шуршат под ногами, то взлетают на сцене вихревым листопадом, помогая создать настроение.
Сюжет пронизан проблемами современной жизни. Молодой внук хочет женить своего дедушку пенсионера, бывшего железнодорожника, на одинокой бабушке. Конечно, у него на уме не только счастье деда, но и возможность получить его квартиру для своей молодой беременной жены. Меркантильность молодого поколения, увы, распространенная черта нашего времени. И вот он обращается в брачное агентство, которое предлагает ему выбрать за немалые деньги одну из трех немолодых дам. Автор комедии Андрей Ларионов точно подметил нехватку пожилых мужчин. И за деда разворачивается настоящее женское сражение.
Число пожилых людей в стране неуклонно растет. Именно они продолжают сохранять традиции: ходить в театры, на концерты, в музеи. Тема и её воплощение попадают в яблочко социальной проблематики. Да и в театрах в большинстве своем пожилые актеры не задействованы. А подобные сценарии открывают им широкую дорогу раскрытия своего творческого заждавшегося потенциала. И надо сказать, что все поколения артистов, занятых в «Женитьбе», как будто купались в своих ролях. Что подтверждали неоднократные аплодисменты и смех зрителей. С чем театр можно поздравить.
 «Пьеса написана по мотивам «Женитьбы» Гоголя, и для меня было важно, чтобы Гоголь присутствовал на сцене зримо и незримо, — говорит режиссер спектакля Сергей Безруков. — Сюжет схож с классическим текстом, в нашей истории это комедия положений, в которой есть место и гротеску, и фарсу, и буффонаде. Наш спектакль о том, что дороже всего – душевная теплота, искренность и любовь. Не только между мужчиной и женщиной, а в глобальном смысле этого слова: любовь человека к человеку».

Ах, «если бы губы Никанора Ивановича да приставить к носу Ивана Кузьмича, да взять сколько-нибудь развязности, какая у Балтазара Балтазарыча, да, пожалуй, прибавить к этому ещё дородности Ивана Павловича – я бы тогда тотчас же решилась», – вывел рецепт идеального жениха Николай Васильевич Гоголь в своей «Женитьбе». А в новой «Женитьбе» ситуация поворачивается наоборот. Главный герой выводит рецепт идеальной невесты пожилого возраста. И более того, в связи с острой нехваткой мужского населения в возрасте 60+ именно женщины штурмуют с брачными намерениями во всех отношениях прекрасного, но нерешительного и чересчур разборчивого жениха. Как выбрать ту самую, которая «и в радости, и в горе»? Тем более за долгую жизнь и у жениха, и у невест накопилось и свои радости, и свои горести. Ну, а кто сказал, что женитьба – дело простое? Это же битва за грядущее счастье!
На сценическом ринге сошлись женщина-терапевт с большим опытом лечения больных, женщина-повар с большим опытом приготовления здорового питания и просто женщина с гибким покладистым характером. Кто же займёт заветный пьедестал в этой битве за семейное счастье, кого назовет дедушка Иван Кузьмич подругой жизни? Стоит посмотреть, улыбнуться и задуматься. За искрящимся смехом новой комедии стоит серьезная проблема. Кого больше любит внук: своего родного деда или его квартиру? Авторы считают, что деда, но пока получилось как-то не очень убедительно. Слишком стремительно внуку стало стыдно за свое желание женить деда и выпихнуть его в квартиру будущей жены. В спектакле прекрасной иронией показано, как дух наживы и коммерческого интереса захватил души молодых парней и девушек. И как-то уж очень стремительно получилось избавление от этой трагически опасной болезни. Впрочем, это тема уже другого спектакля.
Сергей Безруков, художественный руководитель театра и режиссер первой премьеры 2023-го года «Женитьба. Почти по Гоголю», заметил журналистам перед спектаклем, что ощущает себя сказочником, и поэтому каждая его постановка должна нести в себе полноту жизни, погружая и увлекая зрителя в иную реальность.
Б. Примочкин, Н. Ковалева

НОВЫЙ СПЕКТАКЛЬ «ПРОЩАЙ, ЛЮБИМАЯ» «ПОД КРЫШЕЙ» МОССОВЕТА
Перед началом спектакля «Прощай, любимая!», театра Моссовета «Под крышей» поразила лаконичность декораций. Две стены. В них две двери, окно и лестница на роликах в середине сцены.
Но все эти предметы вдруг заиграли, словно музыкальные инструменты. Двери раскрывались, превращаясь в аудитории ВГИКА или музея, лестница становилась эскалатором московского метро. Действие было пронизано творчеством не только потому, что герои поступали и учились в творческих вузах. В каждой мизансцене чувствовалась энергия молодости.

Именно об этом писал свою пьесу Сергей Решетнев. Неслучайно в ней слышится автобиографический подтекст автора. И недаром пьеса «Прощай, любимая!» стала победителем драматургического конкурса «Московские истории», который Театр имени Моссовета при поддержке Департамента культуры города Москвы провел в ноябре – декабре 2022 г.
А режиссер, композитор — Сергей Аронин, сумел музыкально и драматично передать азарт любви, обид и побед этого неповторимого времени юности. Сюжет предельно прост. Таня и Антон приезжают в столицу, чтобы стать лучшими каждый в своем деле. Да, Москва – это место, которое собирает самых амбициозных, но обрести свое место тут не так-то просто. В какой-то момент ребятам кажется, что они проиграли, что таких, как они, пруд пруди, что проще сдаться и вернуться домой. Но оказывается, что Москва – это не только город, где строятся и ломаются карьеры, сбываются и рушатся мечты,но и город большой любви.
Все это молодой театральный ансамбль актёров сумел передать в одном действии без антракта на одном дыхании да еще на высокой ноте лиризма прекрасных песен. С чем весь ансамбль, в котором были заняты – Митя Федоров, Ксения Комарова, Евдокия Карева, Глафира Лебедева, Марина Кондратьева, Павел Усачев, Татьяна Родионова — и поздравляем…

РЕАЛЬНОСТИ ФАНТАСТИЧЕСКОГО ФИЛЬМА «ПОСЛЕ ЯНГА»
В каждом фантастическом фильме есть проступающая новая реальность. Вот и в драме из будущего «После Янга» с блестящей актёрской работой Колина Фаррелла эта новая рельность вежливо, но настойчиво стучится к нам в сегодня. Возможно в ближайшем будущем у нас появятся человекоподобные роботы, которые по отношения к человеку будут превосходить его по культуре, ощущениям и сочувствию к его трудностям.

предельно, вроде, простенький. Муж, жена приемный ребенок – очаровательная пятилетняя китайская девочка. Джейк (Колин Фаррелл) и Кира (Джоди Тернер-Смит) живут с андроидом Янгом (Джастин Х. Мин), который является гувернером для их приемной дочери Мики. Что он и делает с удивительным тактом и любовью. Например, рассказывает ей про ее китайские корни и родную культуру. И рассказывает так красиво и мудро, что не каждый писатель или поэт смог бы это сделать.
Иногда кажется, что действие ленты, хотя и развивается изящно в каждом кадре, но слишком медленно тянется. Профессия Джейка — торговля чайными принадлежностями. И фильм как бы медленно заваривается, но вкус получается очень интересный.
Однажды Янг ломается. Семья не хочет сдавать его в переработку. Девочка относится к андроиду, как к родному брату, а Джейк и Кира не представляют, как будут управляться с ребенком без его помощи. Джейк относит андроида в ремонт, и выясняется, что в него был заложен чип, с помощью которого Янг записывал все свои ценные воспоминания. И в этих воспоминаниях он был безнадежно влюблен в другою девушку-андроида. Возможно, от этой не случившейся любви он и умер, то есть сломался.
Режиссер это странного фильма кореец Когонада начал свой путь в кино с видеоэссе об известных режиссерах, а первый фильм корейца «Коламбус» был представлен на фестивале независимого кино «Сандэнс» в 2017 году и сразу же заслужил любовь публики, что не удивительно. Дебют Когонады — очень малобюджетное, но глубокое кино про человеческие отношения, где практически ничего не происходит. Действие развивается медленно, осторожно. Как бы подкрадывается к главной теме. Критика правильно отметила, что фильм «После Янга» прикидывается фантастикой. На самом деле о нашем сегодняшнем дне. Представьте на минутку, что вы потеряли свой телефон, к котором есть телефоны друзей, почта, дневник личных впечатлений, доступ к деньгам…одним словом, стоит заглянуть в наше стремительно приближающееся завтра.
В каждом фантастическом фильме есть проступающая новая реальность. Вот и в драме из будущего «После Янга» с блестящей актёрской работой Колина Фаррелла эта новая рельность вежливо, но настойчиво стучится к нам в сегодня. Возможно в ближайшем будущем у нас появятся человекоподобные роботы, которые по отношения к человеку будут превосходить его по культуре, ощущениям и сочувствию к его трудностям.
Сюжет предельно, вроде, простенький. Муж, жена приемный ребенок – очаровательная пятилетняя китайская девочка. Джейк (Колин Фаррелл) и Кира (Джоди Тернер-Смит) живут с андроидом Янгом (Джастин Х. Мин), который является гувернером для их приемной дочери Мики. Что он и делает с удивительным тактом и любовью. Например, рассказывает ей про ее китайские корни и родную культуру. И рассказывает так красиво и мудро, что не каждый писатель или поэт смог бы это сделать.
Иногда кажется, что действие ленты, хотя и развивается изящно в каждом кадре, но слишком медленно тянется. Профессия Джейка — торговля чайными принадлежностями. И фильм как бы медленно заваривается, но вкус получается очень интересный.
Однажды Янг ломается. Семья не хочет сдавать его в переработку. Девочка относится к андроиду, как к родному брату, а Джейк и Кира не представляют, как будут управляться с ребенком без его помощи. Джейк относит андроида в ремонт, и выясняется, что в него был заложен чип, с помощью которого Янг записывал все свои ценные воспоминания. И в этих воспоминаниях он был безнадежно влюблен в другою девушку-андроида. Возможно, от этой не случившейся любви он и умер, то есть сломался.
Режиссер это странного фильма кореец Когонада начал свой путь в кино с видеоэссе об известных режиссерах, а первый фильм корейца «Коламбус» был представлен на фестивале независимого кино «Сандэнс» в 2017 году и сразу же заслужил любовь публики, что не удивительно. Дебют Когонады — очень малобюджетное, но глубокое кино про человеческие отношения, где практически ничего не происходит. Действие развивается медленно, осторожно. Как бы подкрадывается к главной теме. Критика правильно отметила, что фильм «После Янга» прикидывается фантастикой. На самом деле о нашем сегодняшнем дне. Представьте на минутку, что вы потеряли свой телефон, к котором есть телефоны друзей, почта, дневник личных впечатлений, доступ к деньгам…одним словом, стоит заглянуть в наше стремительно приближающееся завтра.
В каждом фантастическом фильме есть проступающая новая реальность. Вот и в драме из будущего «После Янга» с блестящей актёрской работой Колина Фаррелла эта новая рельность вежливо, но настойчиво стучится к нам в сегодня. Возможно в ближайшем будущем у нас появятся человекоподобные роботы, которые по отношения к человеку будут превосходить его по культуре, ощущениям и сочувствию к его трудностям.
Сюжет предельно, вроде, простенький. Муж, жена приемный ребенок – очаровательная пятилетняя китайская девочка. Джейк (Колин Фаррелл) и Кира (Джоди Тернер-Смит) живут с андроидом Янгом (Джастин Х. Мин), который является гувернером для их приемной дочери Мики. Что он и делает с удивительным тактом и любовью. Например, рассказывает ей про ее китайские корни и родную культуру. И рассказывает так красиво и мудро, что не каждый писатель или поэт смог бы это сделать.
Иногда кажется, что действие ленты, хотя и развивается изящно в каждом кадре, но слишком медленно тянется. Профессия Джейка — торговля чайными принадлежностями. И фильм как бы медленно заваривается, но вкус получается очень интересный.
Однажды Янг ломается. Семья не хочет сдавать его в переработку. Девочка относится к андроиду, как к родному брату, а Джейк и Кира не представляют, как будут управляться с ребенком без его помощи. Джейк относит андроида в ремонт, и выясняется, что в него был заложен чип, с помощью которого Янг записывал все свои ценные воспоминания. И в этих воспоминаниях он был безнадежно влюблен в другою девушку-андроида. Возможно, от этой не случившейся любви он и умер, то есть сломался.
Режиссер это странного фильма кореец Когонада начал свой путь в кино с видеоэссе об известных режиссерах, а первый фильм корейца «Коламбус» был представлен на фестивале независимого кино «Сандэнс» в 2017 году и сразу же заслужил любовь публики, что не удивительно. Дебют Когонады — очень малобюджетное, но глубокое кино про человеческие отношения, где практически ничего не происходит. Действие развивается медленно, осторожно. Как бы подкрадывается к главной теме. Критика правильно отметила, что фильм «После Янга» прикидывается фантастикой. На самом деле о нашем сегодняшнем дне. Представьте на минутку, что вы потеряли свой телефон, к котором есть телефоны друзей, почта, дневник личных впечатлений, доступ к деньгам…одним словом, стоит заглянуть в наше стремительно приближающееся завтра

«ПРАВЕДНИК» НА ЭКРАНЕ
Чтобы понять весь драматизм сегодняшних событий на Украине, очень полезно посмотреть в наше прошлое. В ближайшее время в прокат выйдет новый фильм Сергея Урсуляка «Праведник». Военная драма расскажет о подвиге реального человека Николая Киселева, который вывел во время Великой отечественной войны из оккупации более двухсот человек. О нем не писали в учебниках. Но его история заслужила по-настоящему большого кино.

Эта история потрясла в первую очередь самого режиссера. Сергей Урсуляк так определил главный смысл фильма: «Мне кажется, это какая-то национальная черта, когда мы делаем то, что даже не собирались делать. Но нам выпало делать это, вот такая доля. Мы часто жертвуем собой. Как в данном случае».
В 1942 году офицер Красной Армии, убежав из немецкого плена и вступив в партизанский отряд, получает приказ – вывести за линию фронта более 200 евреев, обреченных на гибель в оккупированной Белоруссии. И он его выполнил так ответственно и самоотверженно, что сейчас носит звание «Праведника народов мира». Путь в полторы тысячи километров через белорусские леса занял около двух месяцев.
Удивительно, но до 2005 года о Николае Киселеве почти никто ничего не знал. Потомки спасенных им людей ежегодно собираются и чтят память человека, который подарил им будущее. Но делают это так же тихо, каким в воспоминаниях был их герой. Его играет Александр Яценко. Возможно, это одна из его лучших ролей, которую он сыграл с немногословной естественной простотой. Вся суть личности этого героя в поступках, действиях, что очень важно для экранного языка кино. Говоря о своем герое, Александр был немногословен: «Вот такой был человек. Наверное, не мог он по-другому».
Сергей Урсуляк не стремился к портретному сходству участников событий. Все они, кроме главного героя в исполнении Александра Яценко, собирательные образы. Их сыграли Сергей Маковецкий, Любовь Константинова, Евгений Ткачук. Гораздо важнее было соблюсти эмоциональную точность и показать эту сложную смесь безысходности и надежды, разъедающего страха и взрывной силы духа. В судьбоносном походе под угрозой обстрела нашлось место для трогательной любви и повод для хорошей шутки.
Сами актеры купались в отдельных, но очень живописных эпизодах. Сергей Маковецкий заметил: «Там столько ярких эпизодов у каждого, столько судеб. Мне очень хотелось бы, чтобы они попали в душу нашим зрителям».
Конечно, невозможно показывать военное время без стрельбы и жестокости. Авторы не делают сильного акцента на этих сценах. Им было важнее показать, что чувствуют люди, когда вынуждены брать в руки оружие. «Праведник» – фильм о человеке, который своим тихим примером научил быть героем каждого, кто последовал за ним. Это история, которая способна стать нравственным камертоном в любое время. И глубже понять причины происходящих сегодня военных конфликтов.

«НЕЗНАЙКА» НА БРОННОЙ
Театр на Малой Бронной в праздничный день Единства представил премьеру — детский спектакль «Незнайка» по произведениям замечательного детского писателя Николая Носова. Режиссер Елена Лабутина и молодые артисты трупы показали живое, веселое и разнообразное зрелище, которое с самого начала никого не оставило равнодушным. Ни детей, ни пришедших с ними родителей.

центре повествования – крошечные жители Цветочного города. Одним словом, малыши и малышки. И все бы хорошо, но по досадному недоразумению малыши не дружат с малышками. А малышки – с малышами. Ситуация более чем актуальная, если посмотреть на неё сквозь призму событий нашего времени. И, тем не менее, многорукий очаровательный кузнечик – он же авторский голос – в самом начале находит дружеский контакт со своими зрителями. Вот в его кармане под мелодию известной песенки «В траве сидел кузнечик» раздается звонок от его мамы, которая, естественно, о нем беспокоится и заботится, как и все мамы, которые пришли на спектакль со своими малышами. Ведущий, воспользовавшись поводом, просит зрителей отключить всё же свои мобильники.

И действие начинает стремительно набирать обороты . Знайка добывает резиновый сок, из которого герои делают резиновую оболочку. А затем уморительно надувают её общими усилиями. Воздушный шар готов. И друзья, завравшись в корзину, отправляются в самое настоящее путешествие. Здесь театр показал, как умело и разнообразно владеет изящным соединением творческой фантазии и современными театральными технологиями. Они легко позволяют улететь в облака, плавно спустить с парашютом на землю, проехаться на машине заправленной газировкой с сиропом. А когда кончится сладкое горючее, еще использовать содержимое бутылочки свежего кефира. Ну чем не новая разработка современных инженеров автомобилей на водороде.

Вместе со Знайкой на шаре полетели Винтик и Шпунтик, доктор Пилюлькин, охотник Пулька, повар Пончик, художник Тюбик, музыкант Гусля и, конечно же, Незнайка! Он иногда слегка напоминал в своем безудержном хвастовстве Хлестакова из гоголевского «Ревизора», а то и упоительно завирающего Мюнхгаузена.

Между тем друзья на воздушном шаре приземляются не очень удачно. И попадают в больницу и где и проходят курс внимательного и заботливого лечения тех самых малышек, с которыми почему-то не дружат. Чувствовалось, что артисты купаются в своих ролях. Их азарт мгновенно передаюется маленьким зрителям, которые аплодисментами и непосредственными возгласами были вовлечены в происходящее. Еще на этапе репетиций режиссер Елена Лабутина говорила в одном из интервью о работе над спектаклем.

«Это талантливые профессионалы, открытые к эксперименту, очень энергичные и веселые. Готовые в хорошем смысле похулиганить и стремящиеся к творческой свободе на сцене. Особенно интересно проходили наши репетиции с хореографом и с музыкальным руководителем. Уверена, что эту творческую и живую атмосферу, которая преобладает на репетициях, мы сможем в полной мере передать нашим зрителям». Так оно и случилось. С чем всех артистов можно и поздравить.
Борис Примочкин

В Москве пройдёт III Всероссийский патриотический фестиваль авторской песни «Покровский собор»
18 декабря 2022 года в Гостином Дворе состоится самое ожидаемое музыкальное событие уходящего года – третий Всероссийский патриотический фестиваль авторской песни «Покровский собор», который соберет более пяти тысяч гостей и зрителей со всех уголков России.
«Покровский собор» — это самый крупный на сегодняшний день фестиваль авторской песни, проходящий в концертном зале. В течение трёх месяцев жюри конкурса, в состав которого вошли известнейшие авторы, поэты и исполнители, выбирали самых талантливых и ярких конкурсантов для участия во втором туре и итоговом гала-концерте, кульминацией которого станет битва за Гран-При фестиваля в стенах московского Гостиного двора вечером 18 декабря.
«Культура и искусство – главные хранители традиций нашей большой России. Сохранять их, передавать будущим поколениям – вот истинная цель каждого мыслящего человека, который готов заботиться о своей стране. Миссия фестиваля «Покровский собор» — единение творческих судеб, продвижение идей нравственности, созидания, правды, сохранение духа русской песни, русской культуры!» — считает автор идеи и учредитель фестиваля Михаил Хубутия.
«Авторская песня — это и весомый пласт в Отечественной культуре, и гигантский гуманитарный опыт, вокруг которого консолидируется огромная часть нашего общества. В это ненастное время самое разумное — быть вместе! Издревле известно, что стихотворение, песня и молитва — свидетельство подлинности мира и человека. Третий фестиваль «Покровский собор» шаг быть по-прежнему подлинными и счастливыми! Получилось несколько пафосно, но такое уж время на дворе. Весело и беззаботно — это потом. Команда под руководством инициатора проекта Михаила Хубутия постаралась сделать всё возможное, чтобы праздник прошёл на высоте.
Все участники битвы за Гран-при фестиваля получили денежные призы: первое место – 350 000 рублей, второе место – 250 000 рублей, третье место — 100 000 рублей, участники финала по 50 000 рублей, а также многочисленные призы и подарки от партнёров мероприятия.
На фестиваль приглашены ведущие российские и зарубежные деятели искусства, заслуженные и народные артисты, политические и общественные деятели.
Гостей мероприятия ждёт музыкальная битва участников за главные награды фестиваля, гала-концерт с участием известных музыкальных коллективов, выставки, мастер-классы, музыкальные и книжные стенды, презентации и дегустации напитков от российских виноделен, а также розыгрыши подарков и многое другое.
Специальный гость фестиваля — группа Стаса Намина «Цветы».
Дата проведения: 18 декабря 2022 г
Место и адрес проведения: Гостиный Двор, Москва, ул. Ильинка, д. 4
Сбор гостей и прессы: 16:00
Красная дорожка: 16:30
Торжественное открытие: 17:00
Аккредитация СМИ: PR-директор фестиваля Евгения Тараканова +79035686569

ФИЛЬМ «МИРА» О ЛЮБВИ И МИРЕ
Фильм «Мира» – многожанровый. Это драма, приключения, фантастика. Он пронизан трогательными семейными мотивами. И к тому же это фильм-катастрофа. Вся эта многослойность происходит в наши дни. Сюжет внешне прост и понятен.

Лера Арабова живет с семьей во Владивостоке, а ее отец уже много лет работает на орбитальной космической станции «Мира», будничным борт-инженером. Для дочери он давно превратился лишь в голос в телефоне. Но когда на ее дом обрушивается метеоритный дождь, у Леры не остается другого выбора: несмотря на неразрешенный конфликт, она должна вместе с отцом найти близких и спасти город от новой катастрофы. Вроде бы типичная и много раз виденная на экране схема. Но…
Скучать, глядя на происходящее на экране, просто невозможно. Настолько в нем задан стремительный и чёткий ритм происходящих событий, которые одновременно еще и рисуют характеры персонажей, открывая в них прошлое, настоящее и возможное будущее. За этим множеством событий видно глубинную проработку авторов, которая требует знаний в области космонавтики, МЧС, астрономии, высоких технологий и т. д. Оторваться от экрана невозможно с первого кадра. Настолько ёмко и выразительно работает оператор и артисты, создавая по-настоящему сильную эмоциональную историю. Понимаешь, что это все выдумано, а все равно смотришь и бьется сердце. Кстати, одним из героев фильма выступает искусственный интеллект в образе незримого робота-помощника Миры. За ним стоит авторское очарование возможностями, которые уже сегодня дают андроиды не только в телефоне, но и в обычных игрушках, даже протезах руки одного из персонажей.
Не верится, что идея «Миры» появилась пять лет назад из заметки в телефоне про человека, оставшегося в одиночестве на космической станции. И вот разрослась до мощного блокбастера с трогательной историей и замечательным сюжетом. В фильме много метафор, переданных очень ярким зримым киноязыком. Авторы по праву могут гордиться 8-минутной однокадровой сценой падения метеоритов, подобной которой в российском кино еще не было. А также тем, что сделали выразительным участником событий город Владивосток, который, будучи крайне кинематографичным местом, в нашем кино очень мало представлен. Им пришлось снимать в недрах самого настоящего танкера и в декорациях, объятых огнем; собирали сотни актеров массовых сцен, десятки машин спецтехники и прорабатывали космическую станцию до самого последнего винтика.
Вообще, декорации в «Мире» – отдельный повод для гордости: у художников ушло много сил, чтобы сделать орбитальную станцию, магазин игрушек, эвакуационный лагерь, госпиталь и многие другие локации максимально проработанными и достоверными. Многие из них существуют в двух вариантах: до катастрофы и после. Но самое главное в «Мире» — человеческие отношения. Вначале картина была задумана как фильм про одиночество, в конечном итоге, стала фильмом про любовь.
По словам режиссера Дмитрия Киселёва, это истории отца, находящегося в космосе, и дочери на Земле в момент небывалой катастрофы. Одна из сильнейших сцен фильма — бомбардировки метеоритного дождя. Когда смотришь эти эпизоды, почему-то думаешь об обстрелах Луганска и Донецка. Эта метафора очень зримо читается сквозь происходящие сегодня в стране события.
Большая актерская нагрузка легла на плечи главной героини, которую с блеском сыграла молодая актриса Вероника Устимова и главного героя Анатолия Белого. Да и все другие актерские работы в фильме удивительно органичны и хороши. Пара Максима Лагашкина и Даши Мороз – при кастинге казалась неочевидным дуэтом, но на экране они очень органично создали убедительный рисунок в общей композиции.
По словам Дмитрия Киселева, «Мира» – фильм о принятии. Принятии себя, того времени и места, в которых находишься, и тех событий, которые с тобой происходят, потому что без этого невозможна полноценная жизнь. Это сложно и просто одновременно – принимать происходящее. И, конечно, это фильм для современного поколения. Для всех возрастов, живущих здесь и сейчас.
При всей брутальности происходящего в картине – это фильм о хрупкости нашего мира и о семье, в которой как в зеркале отражаются все противоречия нашей жизни. В названии картины много смыслов. Один из них еще и призыв к миру.
Борис Примочкин, Наталья Ковалева

КОГДА СТЕНЫ ПОМОГАЮТ
Спектакль «Лубянский гримёр» Нового театра проходит в настоящей московской усадьбе Салтыковых-Чертковых. В уникальных интерьерах старинного дворянского особняка одновременно разворачиваются два захватывающих сюжета. Один из них – легенда о любви, верности, страданиях и подвиге талантливого художника и его прекрасной возлюбленной – крепостной актрисы, другой – история рождения русского театра, рассказанная от лица тех, кто его создавал.

Действие получилось не просто живое и психофизически ощутимое глазами и ушами, а еще и всем телом. Зрители не только сидели в креслах уютного зала, а еще и переходили из комнаты в комнату, где разворачивались события очень искусно и увлекательно выстроенной пьесы. Сейчас это иммерсивность — полное погружение. Зритель окажется внутри мира крепостного театра на расстоянии вытянутой руки начала позапрошлого века, где красота соседствует с жестокостью, пасторальная фривольность с грубостью, чистая любовь с пороком. Фальшь такому театру противопоказана. Потому что здесь нет сцены, нет рампы, нет «четвертой стены». Авторы спектакля во время проходов не просто показали сценки из дворянского быта. В качестве актеров были привлечены настоящие куры, козы, овцы, находящиеся в крестьянских постройках, которые создали постановщики. Аромат эпохи можно почувствовать носом. И дотронуться до него рукой.

Такое общение переводит восприятие на другой уровень и дает более глубокие ощущения. Не говоря уже о правде чувств, которые замечательно и дружно передали современные актёры. Но мало этого — в этом театре, похоже, стены помогают. Это место в Москве имеет особый историко-духовный статус. Мы как бы перемещаемся на театральной машине времени из 21 века в век 19.
В 1831 году в этом самом здании поселился губернатор Москвы — полковник Чертков. Помимо высокого положения в правительстве, губернатор был известен, как человек широких знаний. Он свободно говорил на нескольких языках, прославился как коллекционер редких книг и монет. В сферу его интересов входили археология и история. Коллекция книг, собранная Чертковым, насчитывает более 20 000 экземпляров. Его библиотекой пользовались великие писатели, работая над своими шедеврами. Один из них — Лев Николаевич Толстой. Его часто можно было заметить в усадьбе трудящимся над романом «Война и мир». Нередкими гостями были: Пушкин, Гоголь, Жуковский и Циолковский, занимающиеся в стенах библиотеки самообразованием. В конечном счете, библиотека, собранная Чертковым, стала основой Исторической библиотеки. Строение отличается невероятной красотой. Его использовали и как место встречи Архитектурного клуба, и как площадку для

торжеств. В ходе революции, усадьба пережила грабеж и получила серьезные повреждения. Ее реставрация продолжается и по сей день. Здание украшает герб Чертковых. Девиз, отчеканенный на нем, гласит: «Вера и честь». Интересным фактом, заслуживающим упоминания, является посещение усадьбы Льюисом Кэрролом — автором «Алисы в стране чудес». Несмотря на то, что Кэррол всю свою жизнь провел в любимой Англии, Россия стала единственной страной, которую он посетил. И именно усадьба Салтыковых-Чертковых стала местом, удивившим писателя. 
Трудно поверить, что менее, чем за век домашние крепостные театры переросли в профессиональные. Неграмотные актеры и актрисы, которых продавали и подвергали пыткам, которым запрещали вступать в брак и иметь детей, обрели статус профессиональных артистов. Именно из их среды вышли литературные счастливцевы и несчастливцевы, кручинины и негины, реальные Жемчугова и Щепкин, Шаляпин и Станиславский. Все они – свободные и несвободные – были влюблены в Театр.
И вот в этом особом месте театральной силы, появляется новый необычный спектакль. Художественный руководитель

театра Эдуард Бояков, представляя постановку, отметил, что «Лубянский гример» − история с четким упругим сюжетом, рассказанная современным театральным языком, который при всей мультижанровости и иммерсивности не разрушает границ традиционного драматического театра, а раздвигает их. Финальная часть спектакля происходит в домашнем театре графа, где крепостные артисты разыграют свой спектакль и где развязка драмы о лубянском гримере и его возлюбленной вдруг отозвалась очень своевременно и актуально. В связи с событиями СВО.
Спектакль идет около двух часов, в нем более 30 персонажей. Исполнители ролей — народные артисты России Леонид Якубович, Валентин Клементьев, заслуженные артистки РФ Евдокия Германова, Татьяна Шалковская, артисты Эдуард Флеров, Таисия Краснопевцева, Ольга Зрилина, Дарья Дуженкова, Кирилл Клименко и другие.
Можно поздравить весь творческий коллектив Нового театра с очень необычной и яркой работой, которая не оставит современного зрителя равнодушным.
Борис Примочкин

СОЦИАЛЬНЫЙ ВЗГЛЯД ФИЛЬМА «ДУРНОЙ ГЛАЗ»

Мистический триллер «Дурной глаз» (совместное производство Ирландии, Великобритании, Филиппин, США) выглядит не совсем нетрадиционным. Вначале все развивается по классическим законам жанра. Дизайнер модной одежды, ухоженная красавица Кристин – её с эмоциональной выразительностью играет Ева Грин — готовится к своему главному показу. Но все чаще её начинают беспокоить ужасные видения, мешающие работать и жить. То ей снится страшный пёс с голубовато мутными слепыми глазами. То ее тело корёжат необъяснимые судороги, от которых она с трудом избавляется.
При этом внешне у неё все благополучно. Прекрасный трехэтажный дом в центре Лондона, очаровательная дочка, успешный муж — стратег-маркетолог. Сытая жизнь богатой европейской дамы, владеющей модной творческой профессией, где у неё на подходе готовится новый денежный заказ.

Внезапно в ее доме появляется небольшого роста женщина — филиппинская знахарка. Её прекрасно играет Чай Фонасье. Парой касаний она избавляет Кристин от кошмаров, судорог и дрожи в руках. Но эффект временный и требует повторов. Вскоре семья девушки замечает, что, помимо гостьи, в доме поселился кто-то еще.
Действие все время перебрасывается в прошлое знахарки. Авторы готовят зрителя очень тщательно к неожиданному финалу, который будет не только мистическим, а еще и социально-протестующим против тех богатых стран, которые на протяжении столетий обирали свои колонии.
И тут стоит поаплодировать авторам фильма, решившимся на такой неожиданный поворот в финале фильма. Насколько эта тенденция соединения мистического ужаса и борьбы за социальную справедливость будет подхвачена кинопроцессом, покажет время.
Борис Примочкин