gen_1530.1.gif
Главная
Новости
Социум
Бизнес и Финансы
Связь и IT
Кино, театр
Музыкальные истории
Медицина и экология
Транспорт
Строительство
Страхование
Сервис и торговля
Книги
Музеи и выставки
События и люди
Образование
Энергетика, нефтехимия
Спорт и отдых
Дом советов
Стихи и проза
Отзывы наших читателей
Написать отзыв

 

Кино, театр


Kino.jpg  


 



14, 15, 18 и 21 мая в Московском театре «Школа современной пьесы» состоится премьера спектакля «Ангелы вышли покурить».

Иосиф Райхельгауз:
В спектакле «Ангелы вышли покурить» мы говорим о вере современным театральным языком. Это одновременно деликатная тема и довольно опасный прием - как для верующих, чьи чувства мы совершенно не хотим задеть, так и для атеистов, которые, на самом деле, находятся в бесконечном поиске истины и вселенского закона. Существует ли чудо или все объяснимо с материалистической точки зрения? Зависит ли жизнь человека всецело от его воли или все в руках Божьих? В «Ангелах» мы задаем эти вопросы и пытаемся дать ответы. Но даже сейчас, на этапе репетиций очевидно, насколько эти «ответы» неоднозначны… Сцена находится в центре зала – зрители сидят по обе стороны. И есть у меня идея: с одной стороны посадить тех, кто верит, а с противоположной – кто не верит… Хотя я подозреваю, что будут и те, кто захочет быть посредине. Фабула пьеса такова. Деревенский дом, расположенный рядом с православным монастырем, оказывается местом, где происходит чудо: случайно найдена старинная икона, утраченная почти 300 лет назад. К месту сенсационной находки направляются толпы паломников. Монастырское начальство осознает, что это - огромный шанс для расширения местного прихода. Понимает это и руководство патриархии. Хозяин дома 50-летний атеист сопротивляется чуждому ему «мракобесию». Однако и с ним начинают происходить чудеса… Впрочем, возможно все это лишь стечение обстоятельств…

Богоискательская направленность будущего спектакля поначалу смутила некоторых участников. Для того, чтобы развеять сомнения, кое-кто из артистов обратился к своим духовникам за советом. А режиссер пригласил в качестве консультанта настоятеля одного из подмосковных храмов отца Николая. Отец Николай прочел пьесу, посетил читку, встретился с артистами. Его комментарии оказались бесценными. Священнослужитель не усмотрел в спектакле ничего кощунственного. Напротив он заметил, что говорить об этом нужно и уместно. И добавил, что лично для него такой спектакль был бы интересен в случае, если он выйдет за рамки бытовой драмы и поднимается на уровень духовного осмысления описанных там событий.

В спектакле играют: Александр Галибин, Олег Царев, Иван Мамонов, Джульетта Геринг, Ирина Линдт, Татьяна Циренина, Мария Раевская, Екатерина Лисицына.

При участии мужского ансамбля духовной музыки «СКИФ».

Перед художником Викторией Севрюковой стоит непростая задача создания костюмов для персонажей, которые, оставаясь обычной современной одеждой, были бы в то же время носителями образного смысла. А часть костюмов окажется аутентичным одеянием монахини, настоятельницы монастыря, митрополита. Иосиф Райхельгауз добивается максимальной достоверности во всем - от внешнего вида героев до буквальной манеры актерской игры, которая является фирменным стилем «Школы современной пьесы».

Премьера намечена на 14 мая 2022 года на сцене «Зимний сад», Московский театр «Школа современной пьесы».

Продолжительность: 2 часа без антракта.

Возрастной ценз: 18+

Адрес театра: Неглинная ул., д. 29, стр. 1, ст. метро «Трубная», «Цветной бульвар».

Ссылка на страничку спектакля: https://neglinka29.ru/play/angely-vyshli-pokurit-br-premera/


БОМБАРДИРОВКА БЕРЛИНА

 

В исторически сложный для России период на экраны российских кинотеатров вышел новый духоподъемный фильм режиссера и продюсера Константина Буслова «1941. Крылья над Берлином». В нем ярко и взволнованно показана история подвига советских летчиков-бомбардировщиков. Об этом невероятном подвиге малоизвестно. Между тем 7 августа с аэродрома на эстонском острове Сааремаа был совершен секретный вылет пятнадцати экипажей бомбардировщиков ДБ-3 Балтийского флота под командованием полковника Преображенского. Это был первый и самый громкий ответный авианалет советских войск на Берлин после разрушительных налетов фашистов на Севастополь, Смоленск, Киев и бомбежек Москвы в июле 41-го.
"Поскольку кино художественное и обладает своей сценарной структурой, профессиональными драматургическими приемами, некоторые факты и подробности этого вылета для целостности восприятия были изменены с точки зрения хронологической последовательности. Но вся фабула реальных событий в данном историческом факте оставлена неизмененной", - сказал на встрече с журналистами Константин Буслов.
За соблюдением исторической и технической точности на проекте следили сразу несколько специально приглашенных экспертов. Во время подготовки сценария создатели проекта консультировались со специалистами из Центрального музея Военно-воздушных сил РФ. Все авторы фильма, а также актеры неоднократно посещали музей авиации, в котором детально осматривали ДБ-3 и другие самолеты военных лет.
На протяжении всего съемочного периода на площадке каждый день присутствовал военно-исторический консультант, действующий летчик, Олег Улиссов, ответственный за соблюдение исторической точности, реалистичности поведения летчиков, как во время ведения воздушного боя, так и на аэродроме. Он даже сыграл в небольшом эпизоде в фильме.
Сюжет основан на реальных событиях, имевших место летом 1941 года, когда лично И.В. Сталиным было принято решение о необходимости ответной бомбардировки Берлина советской авиацией. В июле 1941 года после серии бомбардировок Москвы немецкими самолетами Нарком ВМФ СССР адмирал Николай Герасимович Кузнецов и генерал-лейтенант Семен Федорович Жаворонков разработали план по нанесению авиаударов по Берлину силами ВВС Балтийского флота, а конкретнее 1-го минно-торпедного авиационного полка 8-й авиабригады под личным командованием полковника Евгения Преображенского. Вылет самолетов было предложено произвести с аэродрома «Кагул» на острове Сааремаа, Эстонская ССР – самой западной, на тот момент, точки суши, контролируемой советскими войсками.
Сложность задания заключалась не только в мощной противовоздушной обороне немецких территорий, но и в дальности полета. Ударной группе было необходимо преодолеть почти 1800 километров без дозаправки, из них 1400 км – над морем. Решено было использовать дальние бомбардировщики ДБ-3, которые, учитывая предельный радиус действия, могли достигнуть Берлина и вернуться обратно. Полет должен был проходить над морем на высоте 7000 метров, а температура за бортом достигала -40 °C, из-за чего стекла кабин самолетов и очки шлемофонов покрывались наледью, а летчикам пришлось на протяжении всего полета пользоваться кислородными масками.
Отдельное внимание во время подготовки вылета было уделено правильной бомбовой загрузке машин – нужно было учесть, что из-за дальности полета помимо полностью заполненных основных баков бомбардировщики были снабжены дополнительными баками топлива.
Для отбора экипажей и подготовки вылета генерал-лейтенант Жаворонков лично прибыл на базу 1-го минно-торпедного авиационного полка 8-й авиабригады Балтийского флота в поселке Беззаботное Ленинградской области. В режиме повышенной секретности происходила проверка машин и экипажей, из которых в итоге для выполнения боевой задачи были отобраны всего 15 лучших. Командиром особой ударной группы назначили командира полка полковника Преображенского.
В первые дни августа 1941 года на остров Сааремаа по морю были доставлены бомбы, запасы авиационного топлива и детали для постройки удлиненной взлетной полосы на аэродроме «Кагул». Далее на аэродром перебазировалась ударная группа, которая на месте продолжила подготовку к предстоящему вылету. После ряда пробных вылетов в направлении Берлина было установлено расположение немецких систем ПВО, а также определены запасные цели, на которые требовалось уйти экипажам, потерявшим курс на Берлин.
Вечером 7 августа с аэродрома «Кагул» в небо поднялась особая ударная группа из 15 бомбардировщиков, загруженных бомбами и листовками. Во время полета над территорией Германии самолеты не раз были обнаружены зенитными прожекторами, однако приняты немецкими наблюдательными пунктами за свои. На протяжении всего полета для поддержания секретности был приказ соблюдения полной тишины в радиоэфире, который был прерван лишь радистом флагманского ДБ-3 командира полка Преображенского, сообщившим: «Моё место — Берлин! Задачу выполнил. Возвращаюсь.»
Первый вылет на Берлин завершился через семь часов без потерь в экипажах. А уже 8 августа указом Президиума Верховного Совета СССР Евгению Преображенскому, а также трем другим летчикам и штурману флагманского экипажа были присвоены звания Героев Советского Союза.
Реализовать столь ответственный и сложный проект удалось во многом благодаря прекрасной актерской команде. За этим стоит колоссальная и невидимая работа по отбору лиц, типажей, деталей эпохи, отношения между персонажами. И надо сказать, что картина получилась на редкость цельная и сильная по своему эмоциональному воздействию. Смотрится на одном дыхании. Все работы актеров, даже эпизодические, удивительно гармоничны со стилем фильма.
Роль военачальника исполнил известный актер Сергей Пускепалис, он рассказал на премьере: «Мой герой – воин, и сцена, в который фашисты бомбят Москву, все для него и за него решила. Тем более, что Жаворонков – действительно герой. Во время подготовки к съемкам я много читал про него, про его жизнь во время и после войны».
Но кроме великолепного актерского ансамбля в фильме действует еще и другой «актерский» коллектив - военная ретро техника. Для съемок эпизодов в декорации аэродрома было изготовлено несколько полноразмерных моделей дальнего бомбардировщика ДБ-3 – «главного героя» картины. ДБ-3, разработанный в середине 1930-х годов великим советским авиаконструктором С.В. Ильюшиным, в годы Великой Отечественной войны стал основным и самым массовым дальним бомбардировщиком. Самолеты этой модели и стали первопроходцами вылетов советской авиации на Берлин. Помимо них специально для фильма были построены модель истребителя И-16, миниатюрного «Ишачка», которым в фильме управляет советский летчик-испытатель В.К. Коккинаки, а также модель военного «транспортника» Ли-2, в фильме – самолет маршала авиации С.Ф. Жаворонкова.
Съемочные дни на природе стали самыми запоминающимися не только для технической группы, но и для актеров фильма. «Захватывающе трудно было в зимних костюмах, под солнцем и в +35 градусов. В небе-то холодно, надо одеваться тепло. Но в такой ситуации важно уметь не расходовать силы, пить воду, иногда искать тень. Я всем вокруг говорил, чтобы не стонали и запоминали это тепло, потому что уже через пару месяцев снова будут наши любимые съемки на улице в мороз», – с улыбкой вспоминает исполнитель роли капитана Выдрина, Сергей Гилёв. Заметим, что актерская линия его персонажа придает всей картине особый волнующий драматизм. Заключительные натурные съемки были и самыми долгожданными – после многочисленных переносов съемочная группа получила разрешение снять некоторые сцены фильма на Красной площади. В последний и единственный съемочный день создатели картины успели отснять весь необходимый материал, в том числе проезд командующего авиацией ВМФ Семена Жаворонкова на ЗИС-110, военные московские переулки, а также восстановленный по оригинальным фотографиям вид Кремля, замаскированный под обычные столичные кварталы, что на протяжении всей Великой Отечественной войны дезориентировало пилотов люфтваффе и не позволило опознать с воздуха главную площадь страны, что сохранило ее от разрушений.
Для съемок эпизодов внутри бомбардировщика специально для фильма была отдельно построена внутренняя часть фюзеляжа ДБ-3. Впервые в истории современного российского кинематографа такая модель была изготовлена с тщательным соблюдением всех технических тонкостей интерьера, начиная от каждого шпангоута, рации, кислородных баллонов до масок, прикрепленных специальными шнурами. Подготовка «внутрянки» проводилась под чутким руководством военно-исторического консультанта Михаила Кужима, специализирующегося на данном виде бомбардировщиков.
Эта декорация была выстроена в форме огромной трубы и установлена на гимбл (специальная рама на пневмо-устройствах). С помощью этого механизма стало возможно снять сцены с участием стрелков во время вылетов – перегрузки, турбулентность, крен, пикирование, облегчения после сброса бомб.
История подвига советских летчиков-бомбардировщиков при ближайшем рассмотрении поражает своей значимостью и в то же время удивляет тем, что эта, на первый взгляд, невозможная к выполнению миссия была «забыта» в официальной праздничной хронике войны. Но теперь фильм напомнит об этом уникальном подвиге русских летчиков.

Борис Примочкин, фото с пресс-показа


МОЛЧАЛИВЫЕ ТАЙНЫ ФИЛЬМА «ЗАКАТ»

 

 Фильм «Закат» необычно тихий. Хотя там  все же стреляют. Но это выстрелы внешнего сюжета. А внутренний сюжет более драматичный.
В картине как будто ничего особенного не происходит. Богатая семья англосаксов отдыхает в пятизвездочном отеле в Акапулько. Пляж,  напитки, изысканная еда. Режиссер и автор сценария Мишель Франко на главную роль Нила очень точно выбрал американского актера Тима Рота. Камера следует все время за ним. Он тих и скромен, молчалив и расслаблен. Рядом с ним его богатая сестра с двумя детьми, которых он любит. И вдруг он бросает семью в самый трудный час.
Кажется, что это матёрый эгоист, который только и думает о своих наслаждениях. Сестра с детьми едет домой в Лондон, а Нил возвращается один в небогатый городской отель и знакомится с продавщицей местного магазинчика. Влюбляется в неё. Внешне всё выглядит как-то даже скучновато и тривиально. Но каждый кадр несет какую-то странную тайну. Вместо негодования к поступкам героя испытываешь непонятное тревожное сомнение. Человек не поехал на похороны собственной матери. Почему-то отказывается в пользу сестры от огромного наследства. Готов жить на небольшое пособие, которое она ему оставляет.
Семья Нила Беннетта чрезвычайно богата, потому что она занимается мясопереработкой. Через две недели сестра Алиса возвращается в Акапулько и выговаривает, мягко говоря, Нилу за то, что он бросил ее в трудное время. После разговора о семейном бизнесе Нил подписывает документ об отказе от своих активов и наследства в присутствии семейного адвоката. По дороге в аэропорт Алису убивают мексиканские мафиози. Полиция арестовывает Нила, полагая, что он заказал убийство. Узнав о смерти сестры, Нил расплакался. Его представители прибывают и говорят ему, что компания теперь его. Тут стоит посмотреть на кадры мексиканской тюрьмы, где в камерах можно как бы случайно встретить даже свинью. На первый взгляд это прямолинейная метафора, но она в ленте наделена особым смыслом, который опять же эмоционально будет понятен при просмотре.
После того, как адвокат вытаскивает его из тюрьмы, Нил возвращается в свой гостиничный номер. Он продолжает встречаться с продавщицей и проводить время на пляже. А права на семейную компанию передает детям сестры. 
Через несколько дней Нил падает в обморок на крыльце. Продавщица везет его в больницу, где узнает, что у Нила рак мозга, что он обречен. Но и от любящей женщины, прямо из больницы Нил ночью сбегает. Фильм резко переходит от его грустного лица на фоне ночного города к звукам волн пляжа на следующее утро, яркому солнечному свету, разбросанной одежде и обуви, которые Нил носил прошлой ночью. Так в самом конце фильма раскрывается тайна героя – завораживающая каждого человека тайна неминуемой смерти.
От экрана все время веет каким-то необычайно странным напряжением. Во многом это благодаря игре очень точно подобранных актеров. Но главную партию в этой экранной музыке исполняет Тим Рот. Стоит досмотреть фильм до конца, чтобы понять загадку поведения этого человека. Так раскрывается простая и одновременно многозначная тайна картины, которая не может не взволновать внимательного зрителя. Мировая премьера фильма состоялась на Венецианском кинофестифале 5 сентября 2021 года.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


ТРЕВОГИ ФИЛЬМА «ХИНТЕРЛЕНД: ГОРОД ГРЕХОВ»

 

События фильма «Хинтерленд: город грехов» (Hinterland) происходят в Вене, 1920 год. На город обрушивается серия загадочных и жестоких убийств, которые расследует детектив-одиночка. Но за внешним сюжетом таится самая что ни есть горячая актуальность нашего времени. Это ощущается с самых первых кадров картины.
Главный герой фильма – Петер Перг (Муратан Муслу). Когда-то он считался лучшим криминалистом Вены. Но потом началась Первая мировая, он ушел на фронт и попал в плен. В начале картины он вместе с группой солдат возвращается в родной город и не узнает его. Австро-Венгерская империя рухнула, кайзера больше нет, ветераны войны влачат нищее существование. Но когда в Вене происходит серия загадочных и жестоких убийств, Перг не может оставаться в стороне. Его зовет не только профессиональный долг, но и чувство товарищества: все жертвы – его бывшие товарищи, военнопленные.
Режиссером картины выступил Штефан Рузовицки, один из самых талантливых авторов современного австрийского кино, обладатель премии «Оскар» в категории «Лучший иностранный фильм» за драму «Фальшивомонетчики» (2007).
Фильм умело соединяет детективную интригу, напряжение настоящего триллера, исторические реалии и авторскую фантазию. Визуальный стиль картины очень тревожен. В кадре почти нет ровных линий и прямых углов, все здания стоят под наклоном, как в отражении кривого зеркала. Это художественное решение идет от традиций немецкого экспрессионизма. Напряженная, неуютная атмосфера города помогает автору воссоздать ощущение мира, который стал чужим, «неправильным», который буквально слетел с катушек. Разве это не метафора нашего сегодняшнего тревожного времени. Беспокойство от пандемии сливается с напряжением в отношениях с Украиной, постоянными санкциями со стороны наших «партнеров» и угрозой новой мировой войны.
Во многом создать эту атмосферу реальной тревожности помогают не только технологические достижения современного кинематографа, но авторская позиция озабоченности происходящим не только в далекое время двадцатых годов прошлого века, но и событиями недавнего прошлого, а возможно и будущего. В начале фильма мужчины возвращаются домой из лагеря военнопленных через несколько лет после окончания войны. Они покидали родной дом сильными представителями огромной империи, а вернулись в карликовое государство, физически и психически покалеченными. Никто не ждал их домой, и никому не нужны их заслуги. Им выпало испытать то, чего больше всего боится мужчина с традиционным представлением о мужественности. Мир, общество и культура существенно изменились после Первой мировой войны, для таких людей, как Перг, все кажется неправильным и искаженным. Авторам было важно передать историческую атмосферу и показать эту подчеркнуто искривленную действительность, именно поэтому лента снималась на синем фоне и использовались спецэффекты.
Неслучайно сам австрийский режиссер называет свой проект “цифровой версией «Кабинета доктора Калигари»” – фильма, который в начале 1920-х годов положил начало всему течению немецкого экспрессионизма в кино. В том фильме декорации были не сконструированы, а нарисованы художниками-экспрессионистами из группы Der Sturm. Для своего времени это был прорыв: косые линии, бесконечные углы, резкие спуски и подъемы, полное отсутствие успокаивающих округлостей нагнетали на зрителей чувство ужаса и беспокойства. Но, продолжая эту традицию, авторы фильма пошли дальше.
«Сейчас многие фильмы используют визуальные эффекты. Но обычно они нужны для того, чтобы замаскировать в кадре что-то искусственное, - замечает Рузовицки. – Мы же хотели показать, что они интересны не только тем, кто снимает что-то о супергероях. Визуальные эффекты в нашем кино – не просто технология, а совершенно новая эстетическая концепция».
На съемках «Хинтерленд: город грехов» постановщику удалось собрать звездный актерский состав. Роль криминалиста Петера Перга исполнил венский актер и музыкант Муратан Муслу. Он хорошо известен на родине и считается одним из секс-символов австрийского кино. В 2015 году Муслу был удостоен премии Австрийской киноакадемии за роль в драме «Трещина в бетоне». В главной женской роли – Лив Лиза Фрис, восходящая немецкая звезда, известность которой принесла роль следовательницы Шарлотты Риттер в сериале Тома Тыквера «Вавилон-Берлин».
Премьера фильма «Хинтерленд: город грехов» состоялась в августе 2021 года на престижном кинофестивале в Локарно. Там картина участвовала в серии показов под открытым небом на главной городской площади Пьяцца Гранде. Ленты, которые попадают в эту программу, бьются за приз зрительских симпатий. Победителя определяет крупнейшее в мире жюри: площадь вмещает до восьми тысяч человек. Прошлым летом ленте Рузовицки удалось покорить сердца зрителей и завоевать эту награду.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


ЭФТАНАЗИЯ НА ЭКРАНЕ - «ВСЕ ПРОШЛО ХОРОШО»

 

Население наиболее развитых стран все больше стареет. И внимание к жизни пожилых людей у талантливых художников все более обостряется. Ведь это завершение. Подведение итогов и время прощания. Вот и новый фильм французского признанного мастера кинорежиссуры Франсуа Озона о желании больного старика уйти из жизни. Совсем не от бедности. Он очень богат, умён, тонко чувствует искусство. Но ему невыносимо каждый день терять вкус жизни. У фильма странное и даже неуклюжее на первый взгляд название «Всё прошло хорошо». Но после просмотра, понимаешь: точнее не придумаешь.
Фильм стал экранизацией одноимённого автобиографического романа Эмманюэль Бернейм, соавтора фильмов Озона «Бассейн», «Рики», «Под песком», «5х2».
Сюжет как будто тривиален и скучен. Привычный уклад жизни сестёр (Софи Марсо и Жеральдин Пайя) переворачивается, когда их отец (Андре Дюссолье) попадает в больницу, пережив инсульт. За ним ухаживают по лучшим европейским стандартам. Но его неожиданная просьба: «Я хочу уйти из жизни» - приводит дочерей в шок.
Фильм сразу накрывает блестящей операторской работой, постановкой мизансцен и, конечно, филигранной игрой актеров, за каждым из которых шлейф удивительно запоминающихся образов. Шарлотта Рэмплинг, Софи Марсо, Жеральдин Пайя, Ханна Шигулла… И от этого лента приобретает даже не трёхмерность, а какую-то художественную многомерность.
Не менее интересна история зарождения произведения. Творческая дружба Франсуа Озона и писательницы Эмманюэль Бернейм началась довольно драматично. Они познакомились во время работы Озона над фильмом «Под песком». Озон снял первые 15 минут, после чего съёмка была заморожена из-за сложностей с финансированием. Сценарий и отснятый материал никому не нравился, поэтому Озону предложили познакомиться с Бернейм, чтобы она помогла ему в работе. Они моментально поладили и стали друзьями.
В итоге Озон и Бернейм написали в соавторстве 4 фильма. Бернейм отправила Озону гранки романа «Всё прошло хорошо» и спросила, интересно ли ему экранизировать его. Режиссёр был очень тронут историей, влюбился в ритм и тон повествования, в саспенс, как будто из криминальной истории. Он был уверен, что получится красивый фильм. Но на тот момент это была настолько личная история Бернейм, что Озон не понимал, как он мог бы сделать этот сюжет своим. Озон всё же решил экранизировать книгу из-за смерти Бернейм. Как говорит он сам, «её отсутствие пробудило во мне желание оказаться с ней снова. Также, возможно, на каком-то личном уровне, я чувствовал, что теперь больше готов окунуться в её историю». Режиссёр признавался, что адаптировать книгу под сценарий было достаточно легко, так как в оригинальном тексте много диалогов. Но режиссёр чувствовал, что в истории есть пробелы, поэтому Франсуа взялся за самостоятельное изучение истории Бернейм с помощью её родственников. Также он добавил линию матери Эмманюэль, роль которой восхитительно сыграла Шарлотта Рэмплинг, хотя в книге она не упоминалась.
Стоит рассказать об уровне проработки и подготовке к роли каждого актера. Например, при подготовке к роли Андре Дюссолье не читал книгу Бернейм, а руководствовался только сценарием. По поручению Озона Андре смотрел документальные фильмы о людях, которые сделали выбор в пользу эфтаназии. Для изучения физиологической стороны болезни Дюссолье встречался с доктором, занимающимся процессом реабилитации пациентов с последствиями инсульта в больнице Ларибуазьер. Но главным инструментом для погружения в роль было видео, которое сняла лично Эмманюэль Бернейм, с участием реального Андре Бернейма. В нём он выражает свою волю уйти из жизни добровольно.
Цивилизация значительно продлила жизнь обычного человека. Достижения науки, медицины все время предлагают новые возможности. Это прекрасно. Но есть некая экзистенциальная граница возможностей человека. Когда он решает, что потеря вкуса жизни настолько трагична, что лучше не тлеть, а закончить свой путь. Вот какую серьёзную проблему очень деликатно, но очень выразительно и художественно показывает фильм со странным, противоречиво оптимистичным названием «Все прошло хорошо».

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


НЕВИДИМАЯ ЧАСТЬ АЙСБЕРГА ШАХМАТНОГО ЧЕМПИОНАТА

 

Фильм «Чемпион мира» раскрывает драматизм легендарного шахматного поединка за мировое первенство между действующим чемпионом Анатолием Карповым и эмигрировавшим из СССР гроссмейстером Виктором Корчным, претендентом на титул. Захватывающий матч навсегда вошёл в историю мирового шахматного спорта, за ним следили любители интеллектуальных игр всего мира. Поединок перерос рамки спорта, он стал значительно шире по своему политическому значению.
Режиссер Алексей Сидоров («Бригада», «Бой с тенью», «Т-34») долго готовился к этой необычной теме, вынашивая идею фильма 30 лет. При этом изучал шахматную литературу, в частности, автобиографические книги Карпова и Корчного, а также знакомился с документальной хроникой. Анатолий Карпов посвятил матчу 1978 г. книгу «В далеком Багио» (1981 г.), а Виктор Корчной поделился своими воспоминаниями о противостоянии в книге «Антишахматы: Записки злодея. Возвращение невозвращенца» (1992 г.). Анатолий Карпов встречался с создателями фильма и читал сценарий. Отдельно Анатолий Евгеньевич беседовал с Иваном Янковским, который воплотил Карпова на экране.
Внешне фильм о шахматах, внутренне - о характерах и глубинном драматизме, который скрывает эта тихая с виду игра. Анатолию Карпову на момент поединка было 27 лет, примерно столько же, сколько сыгравшему его Ивану Янковскому. Виктору Корчному – на 20 лет больше, 47 – почти как исполнителю его роли Константину Хабенскому. Но оба они – достойные противники, не собирающиеся уступать и готовые драться до конца. Каждый из героев – по-своему уникальная личность. Каждый одержим игрой. Остроты схватке придавало то, что Виктор Корчной попросил политического убежища в Швейцарии и уехал из СССР, то есть как будто встал на сторону врага страны. Но по прошествии большого промежутка времени этот поступок смотрится иначе. По мнению Константина Хабенского, этот человек был шире государственных границ. Тогда многие уезжали из страны. Но не потому, что они становились предателями, а потому что им мало было пространства для реализации собственного таланта.
И все-таки, как зло шутили в шахматных кругах после того легендарного матча, от великого до смешного - один шах. В итоге напряженной изнуряющей схватки, продлившейся три месяца (какие нервы надо иметь!), чемпионом мира вновь стал Карпов. 

Проигравший всегда неправ. А хорошему игроку всегда везет. Но как показать шахматную борьбу? Она совершенно невидима. А сами комбинации – незримые мускулы игры – как воздух протекают между пальцами. Но ведь они есть. И все же авторам удалось создать зримое противостояние умов, характеров, подходов, которые сразу захватывают внимание зрителя.
В каждом кадре видна внимательная проработка мельчайших деталей атмосферы того времени. Художники картины подробно восстанавливали интерьеры, в которых проходили турниры. По сохранившейся хронике и фотографиям в павильоне был выстроен зал, идентичный залу в Багио на Филлипинах (шахматный стол, кресла игроков и даже часы были такие же, какие использовались в матче). А финальный матч Карпов — Корчной 1974 г. снимали в Колонном зале Дома Союзов, где он и проходил. В массовке даже участвовал фотограф, который снимал тот матч 47 лет назад!
Писать сценарий, не будучи шахматистом, признался Алексей Сидоров, было очень непросто, а если откровенно сказать - тяжело. Первое, что спросил у режиссера Анатолий Карпов, когда они встретились: «Вы играете?» Ответ был - посредственно, и он немного расстроился, хотя виду не показал. Подняться в шахматную вселенную невероятно сложно. Это потребовало предельной концентрации и волевого усилия. Но с другой стороны, может, быть новичку и виднее. Он острее чувствует особенность каждого момента и детали. Авторы как бы смотрели на событие глазами обыкновенного зрителя.
Корчной в свое время не стал чемпионом мира, потому что ему пришлось пропускать вперед своих более талантливых и «удачливых», как сказали бы болельщики Корчного, коллег. Когда он понял, что наступил решающий момент, чтобы стать чемпионом мира (в возрасте чуть за 40 шахматист в то время имел для этого прекрасные шансы), к Олимпу взлетел Анатолий Карпов. Он обыграл Корчного в финальном матче претендентов и забрал корону у Фишера. Его - молодого, амбициозного, очень талантливого - поддерживала советская шахматная федерация, и это оказывало на Корчного сильное психологическое воздействие. Он был человеком мнительным и внушаемым, ему показалось, что против него работает весь советский политический аппарат. И тогда Корчной решил бежать на Запад. За рубежом Корчной заручился поддержкой самых разных сил: ему помогали парапсихологи, сектанты, представители спецслужб. Корчной боролся с противником, создавая невероятное психологическое напряжение вокруг шахматного поединка. Все это выразительно показано в фильме. Даже весьма именитые игроки не выдерживали, ломались, но оказалось, что молодой Карпов умеет контролировать и себя, и ход событий на доске. С Карповым на матч приехала хорошая команда, которая разгрузила его для игры, взяв психологическую войну на себя.
Кроме того, противостояние Карпов — Корчной — это противостояние двух разных взглядов на шахматы, столкновение двух разных стилей игры. Более простой и чистый стиль Карпова против более сложного, создающего хаос на доске, стиля Корчного.
Одна из несомненных удач фильма – точный выбор главных героев. Виктор Корчной хотя и был, безусловно, обаятельным человеком, но в нем присутствовала темная энергетика. Когда мягкий по характеру Константин Хабенский согласился на роль — то его никто не узнал на пробах! Люди, знавшие его, говорили: «Как будто он кого-то подселил к себе». С ним невозможно было разговаривать, он выглядел по-другому, вокруг него как будто было электричество. Все сразу стало понятно. Константин — феноменальный актер и человек!
Противоположный полюс предстояло сыграть Ивану, который, по словам режиссера, бесстрашно бросился на амбразуру, точнее на дыбу построения такого сложного характера, как Карпов. Он встречался с шахматистами, играл в шахматном клубе и на шахматном сайте, вбирал в себя эту атмосферу шахматных битв. Мало этого, консультантам пришлось показывать, как берутся фигуры, как делается рокировка, как шахматист сидит за доской, как он нажимает на часы, записывает ход и так далее. В отдельные дни проводились репетиции, чтобы понять, как шахматисты общаются между собой, когда обсуждают партии. Казалось бы, в этих эпизодах много статики, разговоров. Но на экране действие стремительно несется, набирая все более напряженные обороты.
По мнению Леонида Верещагина, продюсера ленты, картина больше чем про шахматы, она про поиск человеком самого себя. Потому что, только отринув все ложное, можно стать лучше, стать выше, можно совершенствоваться. Карпову предстояло пройти очень тяжелый путь и, избежав навязываемой ему роли политического гладиатора, вернуться к сути самих шахмат, к противостоянию чистой воли и интеллекта. Безусловно, в фильме есть и любовь. Но все же главная идея — поиск кристальной ясности шахматного состязания в тумане эмоций, амбиций, страстей. Глобально Карпову противостоял не только могучий интеллект Корчного, но и провокации ЦРУ, сезон дождей, давление собственного государства, а цель у него одна, как и у многих мальчишек в мире: стать лучше и выше, в данном случае — стать чемпионом мира. Конечно, вглядеться в эти драматические моменты невидимой части шахматного айсберга того чемпионата будет интересно любому зрителю. Независимо от того, играет он в шахматы или нет.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«30 МАЯ» - ВЕСЕННИЙ СПЕКТАКЛЬ ПОД НОВЫЙ ГОД

 

Раз в полгода подруги Валя, Галя и Рая устраивают девичник. Дату выбирают случайно, в ходе игры. И в этот раз их встреча «30-го мая». Это их личный «выходной» от детей, мужей и быта... Подруги собираются вместе, чтобы поговорить о своём, о девичьем. И вот тут начинается самое интересное. Девичье неожиданно расширяется до самых неожиданных размеров и невероятных случаев. Например, оказывается, что можно родить двойню от двух разных мужчин. При этом надо женщину понять, простить и полюбить. А не расстреливать из тачанки. Чувствуете плотную виртуозность текста? Пьесу написал человек, изнутри знающий природу актерских возможностей - Родион Овчинников, профессор и преподаватель актерского мастерства в Щукинском театральном училище.
Режиссер спектакля Сергей Газаров сумел объединить острохарактерных героинь в яркий ансамбль, блистательно сыгранный актрисами Ингой Оболдиной, Ольгой Кузиной, Ксенией Худобой/Александрой Мареевой.
Рассказывает Инга Оболдина: «До работы над этим спектаклем мы с Газаровым встречались исключительно на съемочной площадке, и когда предоставилась возможность поработать вместе в театре – я сразу согласилась. Все постановки Газарова равны знаку качества! Главное, что есть в его спектаклях и что очень сложно найти сейчас — это театральность. Театр - как праздник! И я с радостью пошла за этим».
Посмотрев спектакль, безусловно, нельзя не согласиться с этими словами. Для героинь «30-го мая» важно быть понятыми и услышанными, потому что только так они смогут стать счастливыми. Сочетание быта и гротеска, реализма и абсурда очень точно отражено в ткани спектакля, над созданием которого работала художник Анастасия Глебова. «Погоня за женским счастьем! Вот главное, что мне стало близко в этой работе. Как эти три женщины пытаются поймать хоть лучик этого счастья. Они и смешные, и грустные, и гротескные, и очень живые. Пожалуй, это главная мечта любого человека: найти истинное своё счастье», - рассказала Анастасия.
Искрометные шутки о женском характере и женской дружбе, смешные и иногда противоречивые диалоги, неординарные решения выхода из сложных обстоятельств – вот что делает этот спектакль веселым и глубоким одновременно. Этот спектакль поймал нечто важное в сегодняшнем состоянии современной женщины, её боли, чаяния, иронию, надежды и мечты. В нем бьётся очень живая и настоящая правда нашей жизни. И потому зал то взрывался аплодисментами, то задумчиво замирал в трагических моментах действия.
В канун Нового года 25, 26 и 28 декабря в театре Прогресс сцена Армена Джигарханяна пройдет премьера нового спектакля со странным весенним названием «30-го мая» с Ингой Оболдиной в главной роли. Зритель не уйдет разочарованным. В центре сюжета не просто три женщины, три разные судьбы, три характера, а их многолетняя дружба, проверенная временем и множеством испытаний.
Побывав на генеральной репетиции, мы можем подтвердить, что спектакль получился одновременно женственным и жизненным, веселым и печальным, очаровательным и очень артистичным. Одним словом, теплым и весенним в самую холодную пору зимы.

Борис Примочкин, Наталья Ковалёва


БРАТЬЯ ЛЮМЬЕР ИЗ ИНДИЙСКИХ ТРУЩОБ

 

Стремительная смена технологий происходит во всех сферах жизни. На первый взгляд все происходит плавно, привычно и закономерно. Но на самом деле это не так. Изменения очень драматичны. В том числе и в кино. Это наглядно показал индийско-французский фильм «Однажды в кино».
Когда девятилетний Самай впервые оказался в кинотеатре, он сразу влюбился в кинематограф. Мальчик из бедной семьи начинает жертвовать временем, с трудом заработанными деньгами, чтобы еще и еще раз посмотреть любимые фильмы.
Чувствуется, что за приключениями героя и его друзей стоит автобиография самого режиссера Пана Налина, родившегося в штате Гуджарат, западная Индия, где и был снят фильм. Действие разворачивается во всей своей индийской яркой специфике на фоне старых, обшарпанных кинотеатров, заброшенных деревень, маленьких поселков, переживающих трагический переход от целлулоидной кинопленки к цифровому миру.
В ленте много по-настоящему интересных и неожиданных кинометафор, которые показаны через детское сознание влюбленного в кино подростка. Особенно сильна последняя, данная под финал фильма. Когда из тысяч километров пленки делают женские украшения в форме разноцветных браслетов. И в этот момент на экране идут титры посвящения великим кинематографистам прошлого, которые вдохновляли с детства режиссера и его маленького героя – братьям Люмьер, Стэнли Кубрику, Андрею Тарковскому, Эдварду Майбриджу и Дэвиду Лину. На протяжении всей картины зритель может видеть множество отсылок к любимым режиссерам – цветовым, сюжетным и смысловым. Налин признается, что старался их осторожно ввести в контекст фильма, чтобы всю картину смогли «прочитать» только самые ярые киноманы.
Например, вначале зритель видит снимок приближающегося поезда, который начинается в черно-белом цвете и медленно превращается в цветной - дань уважения братьям Люмьер. Затем в школьной лаборатории Самая есть Майбридж, на несколько секунд показывается изображение лошади, бегущей через праксиноскоп. Майбридж был пионером фотографического движения, создавая иллюзию движущегося изображения. Затем режиссер «переходит» к Кубрику - пока Самай находится в проекционной кабине, на его лице вспыхивает рисунок «Космической Одиссеи 2001» и испаряется. Вскоре после того, как мальчик оказывается в поле, он зажигает спичку и созерцает ее пламя — это Питер О'Тул в фильме Дэвида Лина «Лоуренс Аравийский». Последняя дань уважения - любимый режиссером «Сталкер» Тарковского, где камера отслеживает лица трех ищущих путешественников, когда они едут на тележке по железнодорожному пути.
На протяжении всей карьеры до съемок фильма Пан Налин посетил около 200 фестивалей как участник или член жюри, что натолкнуло его на мысль об изменениях, которые происходят в мире кино, о влиянии прошлого на современный мир кино – так и родилась идея вернуться в собственное детство и снять «Однажды в кино». «Приключение Самая — это то, чем я занимался в детстве со своей бандой друзей. Мой отец продавал чай на отдаленной железнодорожной станции, где не было ничего, кроме бескрайних полей и открытого неба. Самолеты в небе были единственной связью с остальным миром. Моя мать также была отличным поваром и стала вдохновением для главной героини. Мой отец становился все беднее и беднее, и в итоге землю, скот и дом отобрали его братья, что стало настоящей катастрофой для семьи. Так что я никогда не ходил в кино, пока мне не исполнилось лет восемь. И тот день навсегда изменил меня», - рассказывает Налин.
Для выбора главного героя потребовался кастинг около 3000 детей, где главным критерием было одно - Самай и его друзья должны были быть из той же отдаленной части Индии, где вырос режиссер. Потому что у этих детей есть ощущение, что они растут среди огромных пустых пространств и открытого неба, и они также говорят на одном диалекте. И, прежде всего, это дети из скромных семей, они привыкли к тому, что у них ничего нет, но есть удивительное чувство инноваций и созидания «из ничего». Как только главная роль была утверждена, остальная часть кастинга прошла в естественном порядке. По признанию съемочной группы, играть Самая для девятилетнего ребенка, который в жизни сам редко бывал в кино, было непросто, но именно это придало неповторимую искренность повествованию.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Отзывы иностранной прессы:
«Однажды в кино» - настоящее любовное письмо кинематографу, предмет гордости и радости для всей команды Пана Налина».
- Variety.

«Фильм Пана Налина - дань уважения эмоциональному воздействию, которое могут оказать кинофильмы. Картина переносит зрителей в чудесное путешествие. Мы смотрим на кино глазами маленького мальчика, который находит покой и умиротворение в наслаждении фильмами».
- Film Book.

«Это гораздо больше, чем просто фильм, поскольку режиссер демонстрирует нам, насколько жизненно важно кино как искусство в нашем постоянно меняющемся мире».
- Film Cred.


ЧЕЛОВЕК ПРАЗДНИЧНОГО БЫТИЯ

 

Судьба художника в творческом коллективе всегда осложнена множеством драматических обстоятельств. В этой драме много радостей, но и печалей тоже хватает. И вот к 100-летию Вахтанговского театра молодой режиссёр Ася Князева выпускает документальный спектакль «С художника спросится» о Леопольде Антоновиче Сулержицком – учителе и духовном наставнике Е.Б. Вахтангова.
Премьера спектакля состоялась 17 декабря на Симоновской сцене (зал «Амфитеатр») и была приурочена к 105-летию со дня смерти Л.А. Сулержицкого – действительно уникального человека, педагога, режиссёра и актёра. О роли этой личности в театральном искусстве выразительно заметил Вадим Шверубович, заслуженный деятель искусств РСФСР, театральный деятель, педагог. «Если бы Сулер жил дольше, он стал бы, как мне кажется, третьим вождём Московского Художественного театра. Сознание невозможности творить и жить в искусстве без объединяющей коллектив идеи было главным наследием Сулера».
Своим учителем Сулержицкого (в дружеском кругу – Сулера) называли многие вахтанговцы и мхатовцы. В общении с ним нуждались Лев Толстой, Антон Чехов, Максим Горький... Без Леопольда Антоновича не было бы ни системы Станиславского, ни Вахтанговской студии.
Основанный на документах и письмах спектакль «С художника спросится» (Вахтангов.doc) возвращает его светлое имя широкому кругу зрителей и обращается к началу великой истории. Всё действие основывается на совершенно реальных документах, письмах, высказываниях театральных деятелей. Тексты сами по себе литературно очень интересные. Одна фраза в качестве примера: «Уметь любить – значит всё уметь». И чтобы сделать их театральными по форме, нужно было придумать особый язык невербального, а именно театрального повествования. Что актёры с успешным озорством таланта и осуществили. Вот маленький пример. Действие начинается с разговора Сулера с извозчиком, когда он возвращается вечером домой в пролётке. Обычный, как бы ни о чем, разговор. Такой и сегодня можно услышать в такси между пассажиром и водителем. Но в нем сразу чувствуется особенный экзистенциальный подтекст, который становится скрытым камертоном ко всему спектаклю. А визуальным воплощением этого камертона станет маленькая игрушечная лошадка и коляска, лежащая на краю сценической площадки и напоминающая зрителям об этом разговоре. В итоге перед нами вырастает образ удивительно талантливого, щедрого на выдумки человека. К сожалению, незаслуженно забытого. Леопольд Антонович Сулержицкий родился (27) ноября 1872 г. и умер 17 (30) декабря 1916 г. Обратите внимание на дату премьеры спектакля 17 декабря. Это тоже не случайно. Такой вот подарок от авторов главному герою.
Л.Н. Толстой сказал о нём: «Ну, какой он толстовец? Он просто – «Три мушкетёра», не один из трёх, а все трое!» Поразительно, что Сулер не учился ни актёрскому мастерству, ни режиссуре, но природная одаренность, тонкое понимание театра, мироощущение, сформировавшееся под мощным влиянием Льва Толстого, с которым он был близко знаком, незыблемые этические правила жизни, вера в доброе начало в человеке и понимание необходимости нравственного изменения себя и окружающего мира, сделали его человеком, оказавшим огромное влияние на К.С. Станиславского и формирование его методики, знаменитой системы работы актёра над собой и над ролью. Он был душой 1-ой студии МХТ, которая дала мировому театру таких гигантов как Михаил Чехов и Евгений Вахтангов. А для Вахтангова он стал главным учителем, определившим весь его творческий путь.
Сын переплетчика, Леопольд Сулержицкий рано выучился читать и запоем поглощал книги. Его образование – 4 года на живописном отделении Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Неожиданных поворотов его жизни хватило бы не на одну судьбу. Он учил крестьян, два года был матросом, побывал в Японии, Китае, Индии, Сингапуре, Стамбуле. Организовал отправку духоборов в Канаду и их обустройство на новом месте. За отказ служить в армии (последователь Толстого, он был пацифистом) попал в психиатрическую лечебницу, затем на службу в самую южную точку Российской империи, Кушку, где подорвал своё здоровье, заработал нефрит, ставший причиной его смерти.
Сулержицкий подружился с А.П. Чеховым, М. Горьким, сблизился с МХТ, проявив недюжинный талант, стал режиссёром и помощником Станиславского, соавтором таких постановок, как «Синяя птица» и «Гамлет».
Преподавал в частной театральной школе А.И. Адашева, где познакомился с Евгением Вахтанговым. Именно Сулер способствовал превращению самоуверенного франта в глубокого, тонкого художника, настоящего строителя театра, воспитателя актёров, ставших блестящими мастерами. Обладавший невероятным жизнелюбием, неиссякаемой энергией, веселым юмором, он, по словам Горького, родился, чтобы «праздновать бытие». И надо сказать, создателям спектакля это удалось передать с блеском. Он смотрится на одном дыхании, не отрываясь глазами от сцены ни на секунду.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Наша справка
Ася Князева, режиссёр спектакля – театральный человек в третьем поколении, она достойно продолжает традиции славной династии. Её дед – режиссёр, народный артист РСФСР Александр Леонидович Дунаев, мама – доктор искусствоведения, заведующая кафедрой Театрального института им. Б.В. Щукина Елена Дунаева, отец — народный артист России Евгений Князев. В 2013 году окончила продюсерский факультет ГИТИСа. В качестве ассистента режиссёра Бориса Юхананова работала в «Электротеатре». Училась в L’Accademia dei Filodrammatici (Милан). В 2019 году окончила режиссёрский факультет Театрального института имени Б.В. Щукина (курс Сергея Яшина). Её режиссёрским дебютом на Вахтанговских подмостках стал спектакль «Волшебный театр Андерсена» (Симоновская сцена, 2020). Она была незаменимым помощником (ассистент и переводчик) итальянских режиссёров — Луки де Фуско («Суббота, воскресенье, понедельник» Э. де Филиппо) и Джорджо Сангати («Новая квартира» К. Гольдони). А её дебют как актрисы в роли Джульянеллы («Суббота, воскресенье, понедельник») отмечен многими театральными критиками. С выпускниками Щукинского института (курс имени Владимира Поглазова) поставила спектакли «Идеалисты и циники» по рассказам А.П. Чехова, «Без кофеина и никотина» по современной драматургии.


ЧЕСТНАЯ НОВОГОДНЯЯ КОМЕДИЯ

 

Название фильма «Честный развод» вызывает вопросы. В каком смысле развод? Как разрыв семейных уз или мошеннический развод с последствиями по всей строгости закона? Ответ фильма многозначный, плюс, самое главное, – комедийный и нескучный. Накануне новогодних праздников, когда уехать в дальние страны будет не совсем логично в связи с пандемией, пойти в кино и улыбнуться – пожалуй – самый лучший вариант. В главных ролях Александр Робак и Агата Муцениеце. Необычное сочетание – фактурного, чуть флегматичного богатыря Александра и живой, как ртуть, искрящейся, как шампанское, красавицы Агаты.
Сам сюжет жизненный и драматичный. Гена – трудяга, опора семьи. Когда-то играл и мечтал стать звездой КВН. Но время стирает мечты прошлого. Спустя 25 лет жена назвала его скучным и предложила развестись, и он решает наверстать упущенное - наполнить жизнь приключениями и поехать на фестиваль КВН в Сочи.
А подталкивает его к этому путешествию новая знакомая – прекрасная девушка Милана очень легкого поведения или, другое название, девушка с пониженной социальной ответственностью. Проще говоря, эскортница или элитная проститутка. Она уверена, что талантливый Гена, с ее помощью, очень быстро станет звездой юмора. Правда, если ещё быстрее Милана не исчезнет вместе с приличной суммой с Гениной карты. На небольшом экранном времени актеры устраивают целую феерию сцен, которые не дают скучать зрителю ни минуты. И тут срабатывает разность потенциалов между двумя героями, их характерами, целями, настроениями, которые актеры с блеском воплощают. По словам продюсеров, когда был написан сценарий, они сразу поняли, что роль Гены как хорошо сшитый костюм отлично подошла актеру Александру Робаку, который сказал журналистам: «Мой герой из Челябинска и я из Челябинской области, так что кое-что общее у нас с ним есть! После прочтения сценария фильма я предложил продюсерам внести несколько правок в характер моего героя. Рад, что Георгий Малков и Константин Трофимов их приняли. Задача была сделать образ Гены более логичным, понятным и убедительным, чтобы он выглядел не как карикатурный персонаж, а как нормальный живой человек, с которым зритель мог бы себя отождествлять. Проблема, с которой столкнулся мой герой, это, во-первых, кризис среднего возраста, а, во-вторых, он в одночасье потерял все: работу, семью, жену, лучшего друга и теперь ему предстоит начать жизнь с чистого листа».
Актрису на главную женскую роль искали долго. Но в итоге утвердили Агату Муцениеце, которой удалось воплотить образ героини Миланы так, как его задумывали создатели. Эдакая очаровательно хитрая лисичка, которая готова утащить со счета честного бизнесмена всех золотых кур. Агата Муцениеце обворожительно исполняет часто упоминаемый в сводках МВД образ криминального мира:
«Мою героиню зовут Милана. Ее можно назвать аферисткой и авантюристкой, которая мечтает о хорошей жизни. Она разводит мужчин на деньги, надеясь, что когда-нибудь откроет свой салон и ее жизнь наладится. И вот однажды Милана встречает Гену, у которого неприятности в семье, в бизнесе, он потерян, но пока еще с деньгами.
Милана чувствует - это её шанс, чтобы развести его на крупную сумму… Но не все так однозначно при воплощении хитроумных планов героини. Через некоторое время она понимает, что у нее начинают зарождаться к нему чувства. «Честный развод» - это такая романтическая комедия о людях, которые сначала совершенно не подходят друг другу, но потом неожиданно начинают подходить».
Также в фильме снялись: актер и блогер Андрей Борисов «Ган 13», актер и телеведущий Андрей Федорцов, актрисы Анна Невская и Ирина Безряднова, актеры Сергей Анненков и Сергей Масленников.
Съемки комедии проходили с декабря 2020 по март 2021 года в Москве, Подмосковье и Краснодарском крае: в Сочи, на Красной Поляне, в казино и на горнолыжном курорте «Роза Хутор».
Оператором картины выступил Юрий Данилов, который работает не только с кино, но и снимает музыкальные клипы для таких артистов как Моргенштерн, Тимати, Егор Крид, EMIN, МОТ, Ольга Бузова, Dava, Слава Марлоу, Нюша, Hammali & Navoi, Jony, Алексей Воробьев и многие другие.
Константин Трофимов:
«В жизни главного героя наступает сложный период. Кажется, что все зря, ты в тупике и когда-то свернул не туда. Так бывает и в реальности. Но, когда жизнь дает шанс наверстать упущенную мечту, не каждый готов принять этот вызов. Здравый риск, приключения, путешествия, новые знакомства и, конечно, любовь лучше всего возвращают интерес к жизни. «Честный развод» про это!
Главный герой едет на КВН. Эта игра когда-то была для многих молодых людей очень важным этапом в жизни. В студенчестве, в школе и даже в рабочем коллективе КВН был социальным лифтом, коучем по коммуникации, способом встретить новых друзей, попробовать себя в роли артиста и просто весело провести время. КВН – это наш американский футбол.
Национальная игра с национальной идеей. Поэтому многие бывшие квнщики периодически возвращаются к мысли «вот бы сейчас все бросить и поехатьвыступать на фестиваль в Сочи!».
Агата Муцениеце:
«Этот фильм как пилюля хорошего настроения, счастья и веры в любовь».
Александр Робак:
«Мой герой в одночасье потерял все: работу, семью, жену, лучшего друга и теперь ему предстоит начать жизнь с чистого листа».
Константин Трофимов: «Мы старались сделать легкую романтическую комедию о настоящем. Без референсов, канонов и проверенных ходов. От души, для всех!». С авторами нельзя не согласиться. Комедия удалась. В ней плещет энергия приключений, неожиданных поворотов, вкусной актерской игры и новогоднего драйва, который не может не понравиться зрителю накануне главного праздника всего года.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

ЧЕСТНЫЙ РАЗВОД В кино с 9 декабря! Производство: Россия, MEGOGO Studios Релиз: 09.12.2021 Режиссер: Иван Кульнев Оператор: Юрий Данилов Автор сценария и креативный продюсер: Константин Трофимов Художник-постановщик: Анна Андреева Продюсер: Георгий Малков В ролях: Александр Робак («Домашний арест», «Эпидемия»), Агата Муцениеце («Тобол», «Закрытая школа»), Андрей Борисов, Анна Невская («Дылды», «Звоните ДиКаприо!»), Андрей Федорцов («Мамы», «Номер один»), Ирина Безряднова («Временные трудности»). Сергей Анненков («Неадекватные люди 2», «Подольские курсанты»), Сергей Масленников (м/с «Смерть шпионам: Ударная волна»)
Пресс-материалы:
https://drive.google.com/drive/folders/199xAIbuaf0JXlkkrNyUWJqBRfXJq76Fb?
«Мы старались сделать легкую романтическую комедию о настоящем. Без референсов, канонов и проверенных ходов. От души. Для всех, — рассказывает автор сценария и креативный продюсера фильма Константин Трофимов, — В жизни главного героя наступает сложный период. Кажется, что все зря, ты в тупике и когда-то свернул не туда. Так бывает и в реальности. Но, когда жизнь вдруг дает шанс наверстать упущенную мечту, не каждый готов принять этот вызов. Конечно, прошлого не вернуть, но можно изменить настоящее и найти что-то новое. Здравый риск, приключения, путешествия, новые знакомства и, конечно, любовь лучше всего возвращают интерес к жизни. «Честный развод» про это.
Главный герой едет на КВН. Эта игра когда-то была для многих молодых людей очень важным этапом в жизни. В студенчестве, в школе и даже в рабочем коллективе КВН был социальным лифтом, коучем по коммуникации, способом встретить новых друзей, попробовать себя в роли артиста и просто весело провести время. КВН – это наш американский футбол. Национальная игра с национальной идеей. Поэтому многие бывшие квнщики периодически возвращаются к мысли «вот бы сейчас все бросить и поехать выступать на фестиваль в Сочи!»


«ЖЕНЩИНЫ ЕСЕНИНА»

 

Необычную премьеру представит 3 и 4 декабря Художественный театр – МХАТ им. М. Горького премьеру «Женщины Есенина» по книге Захара Прилепина в инсценировке Елены Исаевой. Актрисы Екатерина Стриженова, Агния Кузнецова, Екатерина Волкова, Алиса Гребенщикова, Мария Янушевская и Наталия Медведева расскажут новую историю любви великого поэта, вскроют подлинную глубину его чувств и причину трагедии. С этой стороны на творчество и жизнь Есенина еще никто не смотрел. Поэт – это не тот, кто пишет стихи, а тот, кто платит за них своей судьбой. Жизнь Сергея Есенина – это вечный поиск счастья и вечное разочарование. Спектакль расскажет о тайнах детства и семьи всенародно любимого русского гения, с этой стороны на творчество и жизнь поэта еще никто не смотрел.
Известно, что в жизни Сергея Есенина было несколько больших романов, отразившихся в его поэзии. Почти все они заканчивались трагически. Он посвящал своим возлюбленным стихи, ставшие классикой русской поэзии, но не умел сохранить чувство к женщине надолго. Кто они – эти «женщины Есенина»? Кого они любили – гениального поэта? Ангела с золотыми волосами? «Озорного гуляку»?
Как взаимоотношения родителей Есенина, драматичные повороты в судьбе его матери отозвались в его взрослой жизни и его личных отношениях с женщинами?
Есенин все время ищет любовь, чувствует, что спасение - в ней, и в то же время постоянно бежит от нее. Есенин находит любовь, но нужна она ему, оказывается, только для творческой силы, а не для личного счастья. И за все свои стихи Есенин платит своей судьбой, своей жизнью, своей кровью.
МХАТ им. М. Горького расскажет зрителям о поэте, обратившись к его личной жизни, к судьбам женщин, которые оставили след в его творчестве.
И поскольку спектакль основан на книге Захара Прилепина из серии ЖЗЛ «Сергей Есенин. Обещая встречу впереди», за достоверность рассказа можно ручаться.
Инсценировку по книге написала Елена Исаева, драматург, сценарист и поэт. Яркая оригинальная сценография и музыкально-драматический темп спектакля погрузят зрителей в атмосферу эпохи Есенина.
Продолжительность спектакля: 2 часа 50 минут, с антрактом.

Источник: пресс-служба МХАТ им. А.М. Горького


ИНГРЕДИЕНТЫ ФИЛЬМА «ВКУС ЖИЗНИ»

 

Под внешней формой гладкой воды порой таится много подводных течений. Вот и в жизни Мэгги и Карстена есть все: любимая работа, прекрасные дети и самый популярный ресторан. Правда, не хватает звёздочки Мишлен, самой престижной ресторанной награды. В погоне за успехом пара забыла, что лучшие блюда в жизни делаются вместе… Вот об этом и не только фильм «Вкус жизни» режиссера Кристофера Боэ.
Зритель погружается в атмосферу изысканной кухни зажиточной европейской страны, где переплетаются сложность еды и сложность человеческих отношений в семье. Это первая совместная работа Боэ и сценариста Тобиаса Линхольма, выступившего соавтором сценария картин «Еще по одной» и «Охота» Томаса Винтерберга. Режиссер признается, что давно мечтал поработать с Линхольмом, и это соавторство было основной причиной для создания картины. Впрочем, метафора фильма как разнообразного вкуса от еды и жизни (сладкое. кислое, горькое…) имела и более глубокие корни «Я восхищаюсь работами Тобиаса. Некоторое время я пытался создать проект, в котором мы могли бы сотрудничать, но у нас очень разные подходы к кинопроизводству. Несколько раз мы пытались найти общую почву, тему для рассказа. И в итоге это оказалось семьей, отношениями, чем-то естественным для нас, так как у каждого из нас есть семья - место с бесконечными историями, поражениями и победами. Это была точка входа. Тогда я стремился включить в качестве основы некую индустрию, где люди часто находят своих партнеров, где люди разделяют одни и те же мечты, но иногда им трудно жить вместе. А еще мы с Тобиасом невероятные гастрономы и очень увлечены кулинарией, так что ресторанный бизнес показался нам подходящей, да еще и любимой темой! Это была прекрасная возможность поговорить о важнейших элементах жизни, включая еду. Вдобавок ко всему, съемка еды эстетически очень приятна», - рассказал Кристофер Боэ.
Режиссер использует еду не только как фон или эстетическое выражение, но и придает ей философский смысл. Боэ ассоциирует еду, творение и человечество, ссылаясь на символическое дерево в центре ресторана, разговор супругов о христианском представлении о рае и яблоке как символе греха:
«Еда — это многослойная арена для культуры, истории и даже политики, хотя мы часто об этом не задумываемся. То, как пища выращивается и готовится на кухнях, относится к людям в обществе. Меня интересует этот аспект».
Авторам пришлось тщательно изучить ресторанный бизнес и кулинарию, пообщаться с лучшими шеф-поварами в Копенгагене, давшими советы о том, как нужно обращаться с продуктами, готовить и пробовать еду и даже разговаривать с персоналом.
Создатели фильма долго не могли найти подходящей локации для съемок, так как фильм похож на своего рода постановку пьесы – показать не только события в жизни героев, но и некое причастие, преломление «хлеба», совместный прием пищи и жизни в целом, в центре которой – красивая и сложная еда. Не было ни одного существующего места, где был бы круглый обеденный стол такого гигантского размера, поэтому его построили специально для съемок фильма, а все экстерьеры снимались на улицах Копенгагена.
И всё-таки нам показалось, что киноблюдо получилось слишком сладким, хотя авторы и вводили в него ингредиенты кислого, соленого, горького и перченого. Но это на наш вкус. Насколько удачным получилось киноблюдо фильма «Вкус жизни», пусть решит массовый зритель.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«ВОЙНА И МИР» ВАХТАНГОВСКОГО ТЕАТРА

 

Необычную премьеру представит 3 и 4 декабря Художественный театр – МХАТ им. М. Горького премьеру «Женщины Есенина» по книге Захара Прилепина в инсценировке Елены Исаевой. Актрисы Екатерина Стриженова, Агния Кузнецова, Екатерина Волкова, Алиса Гребенщикова, Мария Янушевская и Наталия Медведева расскажут новую историю любви великого поэта, вскроют подлинную глубину его чувств и причину трагедии. С этой стороны на творчество и жизнь Есенина еще никто не смотрел. Поэт – это не тот, кто пишет стихи, а тот, кто платит за них своей судьбой. Жизнь Сергея Есенина – это вечный поиск счастья и вечное разочарование. Спектакль расскажет о тайнах детства и семьи всенародно любимого русского гения, с этой стороны на творчество и жизнь поэта еще никто не смотрел.
Известно, что в жизни Сергея Есенина было несколько больших романов, отразившихся в его поэзии. Почти все они заканчивались трагически. Он посвящал своим возлюбленным стихи, ставшие классикой русской поэзии, но не умел сохранить чувство к женщине надолго. Кто они – эти «женщины Есенина»? Кого они любили – гениального поэта? ангела с золотыми волосами? «озорного гуляку»?
Как взаимоотношения родителей Есенина, драматичные повороты в судьбе его матери отозвались в его взрослой жизни и его личных отношениях с женщинами?
Есенин все время ищет любовь, чувствует, что спасение - в ней, и в то же время постоянно бежит от нее. Есенин находит любовь, но нужна она ему, оказывается, только для творческой силы, а не для личного счастья. И за все свои стихи Есенин платит своей судьбой, своей жизнью, своей кровью.
МХАТ им. М. Горького расскажет зрителям о поэте, обратившись к его личной жизни, к судьбам женщин, которые оставили след в его творчестве.
И поскольку спектакль основан на книге Захара Прилепина из серии ЖЗЛ «Сергей Есенин. Обещая встречу впереди», за достоверность рассказа можно ручаться.
Инсценировку по книге написала Елена Исаева, драматург, сценарист и поэт. Яркая оригинальная сценография и музыкально-драматический темп спектакля погрузят зрителей в атмосферу эпохи Есенина.
Продолжительность спектакля: 2 часа 50 минут, с антрактом.


ВЕЧНЫЕ ИСТИНЫ «ВЕЧНЫХ»

 

В начале ноября на экраны страны выходит фантастическая лента «Вечные» режиссера Хлои Чжао («Земля кочевников»). Этот 26-й фильм киновселенной Marvel рассказывает о десяти бессмертных мужчинах и женщинах, среди них есть и подросток, которые втайне живут на Земле тысячелетиями, спасая её от различных бед. В данной картине - от космических девиантов – полудраконов-полуволков, которые еще и мутируют по ходу экранных событий, как коронавирус, охвативший нынче планету.
Хотя в блокбастере и прослеживается режиссёрский почерк Чжао, у авторов всё равно получился очередной фантастический фильм Marvel, рассчитанный на подростковое сознание. Фильм получился разноплановым, масштабным, динамичным и переполненным героями. В этом его достоинство и недостаток. Как бы режиссер ни старался представить характер и особенности каждого героя, все равно они получились схематичными и плосковатыми. Отношения между ними довольно невнятны и порой просто сумбурны. Впрочем, это очень похоже на то, что происходит между людьми ХХ1 века.
Но главный и настоящий герой в фильме – это постоянно меняющееся действие и спецэффекты компьютерной графики. Они-то и выстраивают всю драматургию. Подверстывают под себя все психологию мотивировок и отношений между персонажами.
В главных ролях звездный состав актёров— Анджелина Джоли, Сальма Хайек, Ричард Мэдден, Кит Харингтон, Джемма Чан и комик Кумэйл Нанджиани. Но по сути им играть нечего. Казалось бы, таким талантливым актерам легко было справиться с трудной задачей – в минимум времени рассказать и показать особенности каждого героя. Но не тут –то было.
Kогда-то «Вечные» были популярной серией комиксов Джека Керби, созданной им в 1976 году. В ней он и рассказывал о десяти защитниках Земли. Каждый из них наделен силой космической энергии и обладал уникальными дарами. Так, самый сильный из них Икарис (Ричард Мэдден) умеет летать и обладает способностью излучать лазерные лучи из глаз (примерно, как Супермен), Серси (Джемма Чан) может манипулировать материей, изменяя состав любых неживых материалов, к которым прикасается, в то время как Друиг (Барри Кеоган) способен управлять разумом людей. У Аяк (Сальма Хайек) есть способности к исцелению Вечных и людей, а у Фины (Анджелина Джоли) — способность создавать любое оружие из чистой космической энергии. Все они подчиняются Целестиалам, расе создателей, заложивших жизнь во Вселенной. Согласитесь, что для подросткового сознания представлен великолепный набор возможностей, чтобы погрузиться в мир экшена.
Сюжет фильма пытается еще донести до зрителя – пусть конспективно и бегло - главные исторические события из прошлого земли. Тем самым ещё и решить образовательную задачу, представив её в увлекательной форме. Фрагменты истории планеты охватывают сразу несколько тысячелетий истории Вечных, перепрыгивая в хронологии из современности в Вавилон 575 года до нашей эры и обратно. Или Вечные могут оказаться в Японии 1945 года, когда американцы сбросили на Хиросиму и Нагасаки атомные бомбы. Фильм рассказывает и о том, как после победы над Девиантами Вечные не возвращаются на родную планету, как планировали, а остаются на Земле. В какой-то момент их группа «распадается» — одни, как Гильгамеш, в итоге пекут пироги, другие, как Серси, преподают или, как Кинго (его играет комик Кумэйл Нанджиани), подаются в Болливуд.
При всей упрощенности образов многие актеры остались очень довольны своими ролями. Так, исполнительница роли Аяк Сальма Хайек рассказала журналистам о том, как много значит для нее роль супергероини: «Моей большой мечтой была роль супергероя. Мне всегда хотелось работать с лучшими кинорежиссерами в мире, сниматься и в крупных блокбастерах, и в фильмах, которые можно назвать киноискусством. О чем еще можно просить? Я пыталась бороться за такие роли, когда мне было 20, 30 и 40 лет, но когда это так и не случилось, я сказала себе: «Да ну их, они ничего не понимают! Они не представляют, как бы я была хороша в жанровом кино, каким бы я была классным супергероем. Я займусь чем-нибудь другим. Я рожу ребенка!» И я это сделала. Но вы представляете, насколько это интересно, когда тебе за 50 лет и один из самых гениальных режиссеров дает тебе возможность сделать и то, и другое? Если задуматься, мне за 50, я мексиканка невысокого роста с большой грудью. Я не типичный супергерой с горой мускулов».
Ей вторит Анджелина Джоли, исполнительница роли Фины, воинственной богини, которой приходится сражаться в том числе с невидимыми врагами из собственной жизни: «Хлоя, как режиссер, известна тем, что привносит реалистичность и аутентичность в кино, так и мы, актеры этого фильма, привнесли что-то глубоко личное в наши роли, порой что-то, чего мы сами о себе не знали, что было в нашем подсознании, и позволили этому открыться в нашем фильме. Мне показалось, что это одна из моих самых фантастических ролей, но при этом мои дети сказали, что эта роль, напротив, самая близкая ко мне настоящей. Мой персонаж порой очень уязвим, ей приходится постоянно балансировать в своей жизни. И все это сочетается в женщине, которую все считают невероятно сильной».
Хотя фильм получился слишком перегруженным и местами сумбурным, стремительность действия и спецэффекты не дадут зрителю уснуть. А подростков еще подтолкнёт задуматься о вечной борьбе добра и зла на нашей планете, которая сегодня переживает один из тревожных моментов своей истории, связанной с эпидемией нового типа.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«АГНЕЦ» ТРЕВОЖНОГО ПРЕДУПРЕЖДЕНИЯ

 

Фильм «Агнец» режиссера Вальдимара Йоханнссона уже своим названием отправляет к библейским сюжетам. А первые кадры подхватывают тему сурового бытия персонажей ленты, которая разворачивается перед глазами зрителей.
Бездетная пара фермеров, проживающая в туманной глуши суровой исландской природы, однажды находит у себя загадочное существо и решает растить его как собственного ребёнка. Но то, что принесло мир в семью, скоро её и разрушит. Существо это - младенец с головой ягнёнка. Во времена генетических открытий это не такая уж и далекая фантазия.
Но авторы смотрят на тему не с научно-популярной точки зрения, а значительно глубже, интереснее и художественнее. По манере повествования это притча. Выразительно передается ощущение горных пастбищ, где туманы и дожди со снегом сменяют яркое солнце и зеленеющая изумрудным покровом трава. Очень гармонично пейзажи сочетаются я с музыкой и шумами, которые предупреждают зрителя, чтобы он готовился к напряженному восприятию жизни скотоводов. Неуклонно надвигается ощущение художественной тревоги.
Хотя чего, собственно, тревожиться. Бездетные родители принимают агнца как своего ребёнка, холят и лелеют его, спать укладывают в своей спальне. Ведь он заменяет им умершую дочку.
При этом автор очень хорошо чувствует мир сельской жизни. Кони, овцы, собаки на экране выступают как настоящие артисты, настолько выразительно и ярко они сняты.
Ведь в детстве Вальдимар Йоханнссон много времени проводил на овцеводческой ферме своих дедушек, поэтому ягнята, овцы и бараны - животные, которых о очень хорошо знал и любил. Да и родители читали ему много историй, народных сказок, где жизнь людей и животных сплетены в тугой узел. «Агнец» вобрал в себя мотивы многих сказаний разных народов.
Одна из мощных художественных удач фильма - необычайное единство операторских безупречно снятых кадров природы и быта персонажей, музыки и актерской очень сдержанной, но выразительной игры. В ленте мало слов, больше взглядов, сдержанной мимики и неожиданных действий. В результате невозможно оторвать глаз от экрана и все смотрится на одном дыхании.
В жизни супружеской пары Марии и Ингвара есть чувство вины и раскаяния, которые тянутся к ним из прошлого. В процессе рассказа их истории зритель понимает, что из–за этого они готовы поверить временному счастью и, как они оба знают, оно продлится недолго.
Фильм был снят на ферме на севере Исландии. Животные, сама ферма и ее окрестности стали настоящими важными персонажами этой истории. Времена года, каждое со своим собственным светом и туманом, и два мира –уютный и комфортный домашний мир людей на ферме и неизвестный мифический мир суровых высокогорий, где с природой нельзя играть или управлять ею, как иногда кажется людям.
Режиссеру Йоханнссону и художнику-постановщику Снорри Фрейру потребовалось больше года поисков, чтобы найти нужное место, предварительно объездив всю Исландию.
Когда я наконец остановился на этой ферме, я все еще был настроен скептически, – говорит режиссер. - Здесь никто не жил в течение 20 лет, поэтому нужно было проделать большую работу, чтобы сделать ее тем самым полумифическим местом, которое я представлял для своих персонажей. Всего за две недели до съемок мы превратили его в то, что искали, а волшебный пейзаж и уединенность фермы оказались идеальным местом для моего фильма».
Прообразом главной героини послужила бабушка Вальдимара Йоханнссона, недавно скончавшаяся. Режиссер много времени проводил с ней в детстве и отдал ей дань уважения, частично перенеся ее характер в свой фильм.
«У них с дедушкой была овцеводческая ферма и пятеро детей, и жизнь на ферме не всегда была легкой, но моя бабушка никогда не позволяла ничему сломить ее дух. Она была очень сильной, и Мария также обладает этой стойкостью», - вспоминает режиссер. По признанию продюсеров фильма, в черты Марии, которую играет Нуми Рапас, она добавила экстраординарность, проявив огромное мужество, чтобы взять на себя эту роль и соглашаясь порой работать в трудных условиях. Актер Хилмир Снайр, наоброт, привнес уязвимость и в характер Ингвара, проявляя чуткость и даже слабость своего персонажа. Брат главного героя как бы уравновешивает эти стороны, что рождает некую гармонию в определенной части этого рассказа.
В фильме есть удивительно актуально звучащие ноты нашего времени. Одна из них состоит в том, что напрасно человек возомнил себя царем природы. Он многое не знает и не понимает еще в её законах и тайнах. Природа — это не только то, что мы видим, но и то, что мы чувствуем, и поэтому она глубоко связана со сверхъестественным. Ее нельзя предсказать, и люди не должны забывать, что они всегда подчиняются силам, находящимся вне их контроля. И им давно пора относиться к природе с гораздо большим почтением и уважением. Как положено детям - к своей матери.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева.

Отзывы иностранной прессы:
«Агнец — это оригинальный, потрясающе красивый и тревожный эпос, дающий оригинальное понимание заботы и как быть родителем. Фолк-сказка, в которой природа и воспитание приводят к кошмару’. - The Hollywood Reporter.
«Агнец» сочетает в себе лучшую в карьере роль Нуми Рапас, мрачную и красивую атмосферу Исландии и завораживающий сюрреализм. - Screen Daily.
«Тишина и пустота этих туманных горных окрестностей становятся идеальной, таинственной и немного языческой мифологией, от которой невозможно оторваться». - Variety.
«Агнец слишком ярок и оригинален, чтобы его забыть». - San Francisco Chronicle

В КИНО С 28 ОКТЯБРЯ


«ТИТАН» С ЗОЛОТОМ

 

В детстве Алексия была трудным и непослушным ребенком. Именно она стала виновницей аварии, в которой больше всего сама и пострадала. После неё в голове Алексии установили титановую пластину, с которой она спустя 15 лет работала центровой стриптизершей на открытии автосалона. Кажется, в каждом танцевальном движении она всем своим телом признается в любви к наступившей инженерно-технической цивилизации. Признание в любви к нашему техногенному укладу происходит на протяжении всего фильма. Только вышла из клиники, как поцеловала автомобиль, на котором и разбилась. И цивилизация отвечала ей взаимностью самым фантастическим образом. Героиня даже беременеет от… автомобиля. Она и раньше была не пай-девочкой, но после кинематографического акта соития сделалась исключительной стервой, еще более жестокой и агрессивной.
С этого начинается сюжет франко-бельгийского фильма «Титан» («Titane») режиссера Жюлии Дюкурно. Фильм стал обладателем золотой Пальмовой ветви 74-го Каннского фестиваля.
На первый взгляд на экране изысканная жестокость, извращение, нелепость и абсурд. Но подождите судить этот фильм по привычным канонам. Что-то в поступках героини не совсем однозначно. Чувствуется, что при всей брутальности киноязыка, все время проступает чисто женский взгляд на происходящее. То, как авторы любуются обнаженными формами героини, как живописно выстраивается композиция каждого кадра, подбирается фактура предметов и одежд. И постепенно приходишь к мысли, что на самом деле нам предлагается новая художественная реальность, в которой проступает очень важный эмоциональный смысл времени.
Хотя лента длится более полутора часов, но время пролетает незаметно. События в фильме развиваются стремительно и неотвратимо. Идет каскад сцен с явной эстетизацией боли, насилия, жестокости.
Большая нагрузка ложится на двух главных актеров. Актриса неординарной внешности Агата Руссель восхитительно сыграла роль жестокой праматери нового вида человека. Выразительный актер с ярко выраженным мужским началом Венсан Линдон сыграл роль отца и командира пожарной команды, безумно влюбленного в своего сына, в которого согласно воле сценаристов и превратилась Алексия...
По жанру «Титан» крутая смесь триллера, драмы и фантастики. Но в сюжете незримо присутствует еще один главный герой. Да тот самый технический уклад, который обнимает нас своими разнообразными частями тела. Это автомобили, метро, самолеты, корабли, телефоны, видеокамеры, пластик, металлы... И конечно титан, но он предстанет перед нами и скажет свое слово уже в самых последних кадрах. Когда на спине рожденного младенца проступит маленький титановый позвоночник. Это главный посыл фильма. Человечество вступило в полосу ленно-техногенных изменений. Приметы этих перемен все чаще встречаются в нашей жизни. Здесь и модифицированное питание, и микрочипы, имплантируемые под кожу, и эпидемия татуировок… Даже изменение климата, появление новых невиданных пандемий, нарастание напряженности на планете. Фильм в экстремальной форме пытается донести до нас жестокую правду возможного будущего.
Авторы взяли необычайно широкий экзистенциальный размах эмоционального осмысления нашей цивилизации. Рассказ о новом сделан намеренно новым, не засвеченным лицом малоизвестной актрисы. Потому что за каждым известным и опытным актером тянется свой шлейф образов и персонажей, который он уже сыграл. А здесь поставлена совершенно новая задача. Героиня должно стать жестокой богоматерью нового человека Агата Руссель на протяжении всего фильма во многих эпизодах предстает в обнаженном виде – ее тело постоянно меняется. По сюжету она превращает себя в мужчину, обматывая прорезиненными бинтами свою набухающую странным темным молоком грудь.
Роль командора режиссер писала специально для Венсана Линдона. В интервью журналистам она сказала: «Характер персонажа требовал целого ряда эмоций, на которые, на мой взгляд, способен только Венсан: одновременно пугающий и уязвимый, детский и темный, глубоко человеческий и в то же время чудовищный... Особенно с этой впечатляющей громадой тела. Готовясь к этой роли, он в течение года серьезно занимался тяжелой атлетикой.
Я хотела, чтобы он был мускулистым, как бык, напоминая зрителю о массивности Харви Кейтеля в "Плохом лейтенанте" Абеля Феррары».
В фильме много металла, огня, разных красок… И видна очень тщательная и выразительная работа оператора с выбором ракурсов, освещенности, вариациями скорости самой киносъёмки. Камера оператора Рубена Импенса ("Красивый мальчик", "Разомкнутый круг") ведет себя как живописная кисть художника, рисуя динамичные мазки каждого эпизода. Жюлия Дюкурно отмечала в общении с журналистами, что они больше сосредоточились на живописных отсылках, чем на отсылках к фильмам. В частности, это были картины Караваджо, "Летнюю ночь" Уинслоу Гомера и серию "ИМПЕРИЯ СВЕТА" Рене Магритта.
Композитор фильма Джим Утльямсон придумал особо тревожную музыку, куда включил по настоятельной просьбе режиссера ударные, колокольчики, звоны и звонки. Потому что это тоже голос металла, оставаясь при этом мелодичной. Авторы пытались показать музыкальный путь героини от животного к импульсивному и священному.
Чтобы помочь нам почувствовать эту прогрессию, музыка колебалась, скрещивалась, трансформировалась. От перкуссии к колокольчикам, к электрогитаре, а иногда и ко всему вместе взятому. Затем появляются голоса, привнося в фильм литургическое измерение. Иногда звуковой образ фильма походил на вспышки света в тени.
В любом случае фильм несет в себе яростный посыл вглядеться сквозь наше жестокое настоящее в наше тревожное и туманное завтра. Надеемся, что зрителю будет интересен этот необычный взгляд. Но смотреть «Титан» нужно в хорошем кинопрокатном качестве. Иначе многие важные живописные и звуковые оттенки пропадут.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева.

Наша справка
Выпускница LA FÉMIS по сценарному мастерству, Жюлия Дюкурно привлекла к себе внимание в 2011 году, когда ее короткометражный фильм Junior (2011) был отмечен на Неделе критиков в Каннах и получил приз зрительских симпатий на фестивале THE FESTIVAL PREMIERS PLANS IN ANGERS. Ее первый полнометражный фильм RAW вызвал шоковую волну, когда он был представлен в конкурсе на неделе критиков 2016 года и получил приз ФИПРЕССИ. Фильм вышел на экраны и получил награды на нескольких международных фестивалях (TORONTO, SUNDANCE, GERARDMER, SITGES) и был распространен по всему миру. Она получила премию фонда GAN 2019 года за свой второй полнометражный фильм "ТИТАН", который был выбран для официального конкурса на Каннском кинофестивале 2021 года, и где в итоге «ТИТАН» получил «Золотую пальмовую ветвь».


ПОДРОСТОК С РЕБЁНКОМ НА РУКАХ

 

Чтобы смотреть фильм «Ничья», нужно набраться морального мужества. Ведь это грустное повествование о вчерашней школьнице, 14-летней Вике, которая в глухой российской провинции собирает клюкву, бруснику, помогая матери торговать на продуктовом рынке. Посещает танцевальную студию. Нелепо подворовывает в магазине. Но самое главное - пытается скрыть, что у неё есть ребенок. Это драматургическая пружина всей ленты.
Режиссер Лена Ланских впервые сняла полнометражную ленту. Это её яркий дебют. По тому, как показана история, видно, что материал и тему автор знает и чувствует хорошо. Раньше она снимала короткометражные ленты про подростков. Отдельные эпизоды «Ничьей» тщательно выстроены и выразительно сняты. Например, конфликт и борьба с матерью, когда в результате прорыва водопроводной трубы пол в квартире покрывается водой, в которой плавают пеленки и одежда младенца. Или сцена в вечерней электричке, когда она оставляет ребенка и потом бегает по вагонам с криками, что у нее его украли. Мрачная атмосфера российской глубинки передается с выстраданным надрывом. Правда, несколько монотонно и гнетуще.
Впрочем, как может быть иначе. Тема определяет. Не всегда понятна логика событий, мешает хаотичность переходов от одной сюжетной линии к другой. Иногда, кажется, что огромный отснятый материал фильма просто подмял под себя автора.
Тем не мене работа молодой актрисы Анастасии Струковой (ей 20 лет) - одна из удач фильма. Она мужественно вынесла на своих плечах практически весь фильм. И сумела убедительно передать состояния молодой мамы. Весь ужас и тяжесть свалившихся на неё неожиданных проблем. Задача очень и очень непростая. Но она с ней, безусловно, справилась. С чем её можно поздравить. Она скупыми, но выразительными средствами убедительно передает смятенное состояние молодой мамы.
С самого начала взяты минорно-напряженные ноты. Крупные планы подросткового лица главной героини монтируются с личиком младенца. Полное ощущение, что это старшая сестра держит младшую сестрёнку - ребенок с ребенком на руках. Но на самом деле это - маленькая мама. Она то бережно держит, обнимает и тетёшкает своего ребёнка, то собирается… продать. К сожалению, подобное явление стало типичной ситуацией современной России. Неслучайно у нас появились бэби-боксы. Криминальная хроника сообщает о квартирах, где обнаружены новые младенцы для продажи за границу. Хорошо, что героиня одумалась и отказалась от продажи. Но, как выясняется, это ненадолго. Финал трагичен и отрыт. Ребёнок оставлен героиней в лесу и может погибнуть.
На этих качелях любви и ненависти к своему ребёнку и выстроен весь фильм. Впрочем, любви в ленте мало. Больше раздражения, обиды, непонимания и болезненного сознания от непомерности физической и моральной ноши, которые легли на плечи девочки-подростка.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


НЕДУГИ И ХВОРИ «ПЕТРОВЫХ В ГРИППЕ»

 

Новый фильм Кирилла Серебренникова «Петровы в гриппе», поставленный по роману екатеринбургского писателя Алексея Сальникова, вызывает противоречивые чувства.
При всем таланте авторов не покидает ощущение льющегося через край ужаса, где каждый персонаж несчастен по-своему. Главный герой — 27-летний автомеханик Петров — заболел гриппом и, желая излечиться, запил давно просроченный аспирин водкой. Что привело к разным приключениям, которые не всегда можно отличить на экране от видений в его сознании. По дороге с работы  он встречает приятеля, они заезжают к другому знакомому. Возлияние продолжается. Видения тоже.
Условность и прихотливость переходов от одного эпизода к другому заставляет недоумевать. Связать все концы сюжетных линий обычному зрителю, не читавшему роман, будет сложно. Не потому что он не дорос до высокого замысла и потаённого смысла, а потому что авторы и не хотели, видимо, разъяснять и более тщательно прописывать мотивы поступков и отношения между персонажами. На одной из встреч со зрителями, отвечая на вопросы про смысл ленты, сам Кирилл Серебренников заметил: «Нужно смотреть несколько раз, сразу все не увидишь», и бросил фразу: «К любому зрителю фильма "Петровы в гриппе" должна прилагаться книжка».
Сомневаюсь, что найдутся желающие пересматривать, мрачные кадры времен 90х годов распада великой державы. Он из серии чернухи, где нет ни одного героя, к которому можно испытывать добрые чувства или симпатию. Лента переполнена раздражением и ненавистью всех ко всем.
Фильм имеет рейтинг 18+ , но, по мнению режиссера, лучше этот фильм смотреть людям старше 21 года. «Мудакам этот фильм смотреть не надо, но это фильм для всех, у кого есть мозг. Я не хочу отсекать каких-то зрителей, фильм для широких масс». Продюсер Илья Стюарт заметил, что это кино «про русскую ДНК» и что фильм продан уже в более 30-ти стран. Если так, то жаль, что по этому фильму будут определять «русскую ДНК» в других странах. Хотя лента снималась в трудных, можно сказать нечеловеческих условиях (может, поэтому вышла такой нечеловеческой), но все равно беспросветность, царящую в ней, это не оправдывает.
Актриса Чулпан Хаматова играет жену Петрова, работающую в районной библиотеке. Конечно, она тоже в гриппе. И в своих фантазиях ведет себя как боец боев без правил. Лихо расправляется с разбушевавшимся поэтом-хулиганом. Совершает кровавое убийство и превращается в вампира. Отвечая на вопросы журналистов, Чулпан рассказала, что группа не могла приехать снимать на Урал, так как у Кирилла Серебренникова в это время шли судебные слушания в Москве. «Мы снимали по ночам. Когда его чуть пораньше отпускали (из суда), то мы успевали снять кусочек дневной сцены».
Тем не менее, автор романа Алексей Сальников считает: «Только увидев фильм, я понял, насколько чокнутый человек это написал. Я не думал, что это будет так визуально впечатлять и действовать шокирующе». На вопрос, принимал ли он участие в съемках, писатель ответил, что он киноязыком не владеет, а владеет более-менее русским языком. (Здесь писатель скромничает. Его книга удостоена премии «НОС» и «Национальный бестселлер»). Поэтому никаких советов по съемке писатель не имел права давать. «Мне Серебренников советов не давал, как книжку писать. Когда я смотрел фильм, я просто офигевал — там, где у меня был переход от безумия к лирике, там он случался и в фильме. У нас с Кириллом получилось совпадение». В свою очередь Серебренников заявил, что Сальников написал выдающийся роман, который войдет в историю отечественной литературы: «Это счастье, что наша земля выдала такое чудо».
Повествование фильма опирается на текст и на пафос книги, которая построена на чередовании глав о Петрове и Петровой, воспоминаний детства главного героя и рассказов о второстепенных персонажах. Один из них - друг Петрова Сергей — молодой и непризнанный писатель, чьи произведения не печатают в журналах. Чтобы пришло признание, он решается на самоубийство, в которое зрителю трудно поверить. Но исполнение самоубийства впечатляет. Написав предсмертные записки, он просит помочь Петрова. Вот он вставил дуло пистолета в рот. Положил палец на спусковой крючок, а Петров его же пальцем нажал на курок, ни минуты не колеблясь.
Смертей, избиений и драк в ленте много. А ведь это все происходит накануне Нового года. Жестокость этих подарков рассыпана щедрой рукой на протяжении двух с половиной часов. И каждый подарок по своему оригинален в своей зловещей красоте. Например, перевозка трупа в автокатафалке тоже имеет метафорический смысл, как лодка Харона, в которой перевозят мертвых. Недаром захмелевшего Петрова собутыльники хотели положить вместо мертвеца в гроб, чтобы он наутро проснулся в гробу и посмеялся над собой и их неожиданной для него шуткой.
При всех мрачных особенностях фильма, он сделан талантливыми авторами. В нем есть своя композиция, в которой трудно, но можно, сделав усилие, разобраться. Есть эпизоды, которые раскрываются с разных сторон из разных состояний персонажей. Что придает безусловную глубину происходящему. Но разбираться в этом болезненном миксте обычному зрителю будет тяжело. Похоже, что режиссер заразил ленту болезнями своего раздраженного на действительность видения, и смотреть её нужно основательно вакцинированным. Иначе заболеешь вместе с героями.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«ЯБЛОКИ» ЦИВИЛИЗАЦИИ

 

Полнометражный дебют греческого режиссера Христоса Нику «Яблоки» - это своеобразное исследование и лекарство одновременно. Во время пандемии, охватившей весь мир, лента особенно актуальна своим внимательным и неторопливым взглядом на то, что с нами происходит во время стремительных и тревожных изменений в мире.
Премьера фильма прошла на открытии конкурсной программы «Горизонты» Венецианского кинофестиваля 2020 года. Возглавившая в прошлом году жюри фестиваля Кейт Бланшет была так потрясена картиной, что в итоге присоединилась к команде фильма в качестве исполнительного продюсера.
Сюжет очень прост и незатейлив. Жителей города накрывает странная болезнь беспамятства. Но как-то очень избирательно. Врачи пытаются вылечить главного героя и других людей. Применяя разные остроумные методики и психотехники. Очень удобный повод заглянуть во внутренний мир человека, понять, что он помнит, какую радость, боль. Так, например известный фрагмент из «Лебединого озера» с вопросом, что напоминает эта музыка. Герой вспоминает неправильно. Или известная песенка на новый год - Джингел бенгс. Тоже ничего не напоминает. Что остается у человека в глубинах памяти при такой амнезии? Вот это и показывает фильм.
«Когда впервые у меня появилась идея фильма, я пытался пережить потерю самого близкого мне человека. Все вопросы, касающиеся личности и потери, памяти и боли, очень сильно занимали меня. Может быть, в глубине души мы не хотим забывать болезненные переживания, потому что без них мы теряем свое существование? И я начал думать над сценарием», - рассказывает режиссер Нику. На экране разворачивается настоящее художественное исследование взаимосвязи эмоций, памяти и современных технологий. В 21 веке очень просто записать и хранить все, что нужно. Все эти технологические достижения сделали наш мозг в чем-то тупее и ленивее, и поэтому люди вспоминают и запоминают все меньше событий и эмоций.
«Жизнь современного человека вращается вокруг интернета. Я хотел, чтобы зритель подумал, передали ли мы свои воспоминания и эмоции чему-то внешнему? Технологии и социальные сети сделали все намного проще. Вам больше не нужно держать все в голове, вы храните свои воспоминания в компьютере или публично показываете в социальных сетях. Но может быть, мы стали жить более плоско и поверхностно?», - задает такие серьезные вопросы автор фильма.
На создание картины автора вдохновили такие сюрреалистичные фильмы, как «Она» (Her, 2013) Спайка Джонсона, «Корпорация «Святые моторы» (Holy Motors, 2012) Леоса Каракса и картины Чарли Кауфмана. В «Яблоках» автор хотел передать свой взгляд на мир под определенным углом, создавая эффект дистанцирования, опираясь на опыт режиссеров этих любимых фильмов. По словам Христоса, снимая историю под призмой притчи, условности, сказочности, главная задача была – сохранить ощущение реального мира. Лента создает знакомый мир в недавнем прошлом, в обществе, где технологии не так еще разрослись и распространились как сегодня. В руках из фотоаппаратов у персонажей поляроид. Нет никаких смартфонов и айфонов. Но ситуация предреволюционная… Общество одиноких людей, где амнезия распространяется как вирус.
Идея этого вируса неизвестного происхождения – перекликается с сюжетами произведений «Чума» Камю и «Слепота» Сарамаго, когда некая пандемия является большой и страшной метафорой. Где болезнь важна не сама по себе, а как влияние на общество и на человеческие качества.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Отзывы иностранной прессы:
«Это загадочная греческая медитация о самоотдаче, которая начинается как фильмы Лантимоса, а в итоге становится забавной, удивительно трогательной вещью».
- Variety.
«Яблоки – это интригующая история с собственным сердцем».
- The New York Times.
«Режиссерский дебют протеже Йоргоса Лантимоса — это удивительный взгляд на память и идентичность в мире, где существует пандемия. Его упрямый стиль подачи подпитывается красотой и уверенностью».
- Next Best Picture.
«Можно бесконечно смотреть на греческую невозмутимость и размышлять над действиями главного героя».
- Rolling Stone.


ТАЙНЫ ОЗЕРА БАЙКАЛ НА РОССИЙСКОМ ЭКРАНЕ

 

В прокат выходит очень необычная лента "Байкал. Удивительные приключения Юмы". Это один из удивительных экранных рассказов о природе вообще и байкальской природе в частности. Документальные съемки сочетаются с поэтическими и художественными кадрами. По сюжету фильм рассказывает о маленькой и отважной нерпе Юме, которая родилась в снежном домике, потом отправляется в одиночку плыть согласно своему древнему инстинкту к знаменитым Ушканьим островам.
Но на самом деле это прекрасный повод в сочетании с изящным сюжетный приемом сделать шаг к экологическому мышлению человека. Именно поэтому особое внимание в фильме уделено союзу человека с природой. Через легенды и мифы древних народов, населяющих берега Байкала - эвенков и бурятов, демонстрируется бережное и нравственное отношение человека к окружающей среде.
Каждый кадр фильма тщательно отобран и выверен. Ничего лишнего все, очень компактно. Ведь просмотр фильма идет один час. Съемки фильма продолжались более пяти лет. 14 экспедиций, современная технология съемки 4К HDR, макросъемка воды и льда и уникальные подводные съемки. Творческую команду консультировали представили Российской академии наук и Русского географического общества, а помогали кинематографистам местные проводники и байкальские старожилы.
Группа приезжала, снимала, возвращалась обратно. Был один земной оператор и целая группа подводных, которым приходилось погружаться в ледяную воду, под лед. Чтобы подстроиться под образ жизни артиста нерпы оператор, снимающий её, спал тут же рядом в спальном мешке, предварительно настроив камеру, а с пяти утра, по миллиметру начинал выбираться из этого мешка, включал камеру и потихоньку снимал. Нерпы чувствуют каждое движение, и очень важно было их не спугнуть. По способу создания – это был настоящий кинематографический подвиг.
В результате лента появилась в необычном жанровом сочетании научно-популярного, документального, игрового художественного кино. Артистами в нём выступают настоящие дикие животные. И благодаря тщательной проработке и усилиям авторов, все играют естественно и блестяще. Ни капли фальши. Если, как говорят герои фильма, вода – путь, лёд – мост, то по нему авторы прошли очень далеко в своем экранном достижении. Ведь снятое просто поражает, точнее завораживает необычностью и красотой съёмок, как под водой, так и на берегу. В фильме даже появляется одна из граней образа лирического героя-повествователя в облике квадрокоптера. Хотя сам образ проявляется и в отточенном тексте, и в музыкально-звуковой партитуре фильма.
Фильм озвучили народные артисты РФ Константин Хабенский и Чулпан Хаматова. Слово озвучка не совсем точное. Это настоящая высоко художественная мелодекламация полная выразительнейших интонаций, где в каждое слово вложена частичка души.
"Этот фильм поднимает все самые интересные пласты, отражающие реальную жизнь и природу Байкала. Именно так можно рассказать о чем-то важном и не потерять внимание зрителя – надеюсь, что он постоянно будет увлечен", - сказал Константин Хабенский. "Байкал. Удивительные приключения Юмы" - это кино-рассказ о великом озере и заповедном чуде природы. Все роли в фильме исполнили настоящие дикие животные. Главная же роль досталась юной байкальской нерпе Юме. Создателям проекта впервые удалось снять байкальских нерп - эндемиков Байкала - в естественной среде обитания. В конце фильма также звучит очень гармонично и выразительно оригинальный саундтрек Басты. Авторы по праву считают свой фильм первым российским документальным семейный блокбастером. На него можно и нужно идти даже с маленькими детьми.

Борис Примочкин


В МОСКВЕ ПРОЙДЕТ САМЫЙ КРУПНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ ТЕАТРАЛЬНЫХ МЕНЕДЖЕРОВ

 

С 27 по 31 мая состоится второй Вахтанговский фестиваль театральных менеджеров (ВФТМ) «Театр 2.1» на базе Государственного академического театра имени Е. Вахтангова, который в этом году отмечает большой юбилей — 100 лет. Вахтанговский фестиваль — самое масштабное просветительское событие в области театрального менеджмента, на котором можно познакомиться с современным, инновационным взглядом на управление процессами и встретить коллег-единомышленников. В нём примут участие 110 спикеров и 500 слушателей, которые представляют 300 театров из 58 регионов РФ, а также из Казахстана, Беларуси, Узбекистана. Руководитель ВФТМ — Кирилл Крок, директор театра имени Е. Вахтангова, один из выдающихся менеджеров в области культуры современной России. Фестиваль пройдет на знаковых площадках Москвы, среди них Театр им. Е. Вахтангова, ГУМ, инновационный центр «Сколково», институт «Strelka», при финансовой поддержке Фонда Президентских грантов, Министерства культуры РФ, Союза театральных деятелей РФ, генерального партнера  — «Ticketland», официального партнера  — компании «Panasonic» и др.
По мнению участников предыдущего фестиваля: «Этот пятидневный форум сродни учебе на пяти курсах университета». Помимо образовательной программы в рамках фестиваля пройдет Вахтанговская премия в области организации театрального дела для молодых специалистов, а также будет подведен итог ВФТМ лабораторий — нового амбициозного формата. В качестве спикеров на фестивале выступят директор Департамента государственной поддержки искусства и народного творчества Министерства культуры РФ Оксана Косарева, руководитель Департамента культуры городаМосквы Александр Кибовский, художественный руководитель Театра на Бронной Константин Богомолов, первый заместитель художественного руководителя — директора МХТ им. А.П.Чехова Марина Андрейкина и др. «Предыдущий год был для всех сложным, и мы старались поддерживать театральных менеджеров со всей страны, находя и разбирая успешные онлайн-кейсы и конкретные наработки. Но меня очень радует, что в этом году у нас появилась возможность живого — именно живого — общения.
Главная задача нашего форума — презентация и разбор успешно реализованных проектов, передача из рук в руки профессионального опыта», — говорит Кирилл Крок.
Спикеры фестиваля — это региональные и московские директора востребованных театров, бизнес-консультанты, талантливые продюсеры независимых проектов, специалисты узкого профиля (интернет-маркетологи, специалисты по инклюзии, фандрайзеры, гастрольные менеджеры) и  представители власти. Они создают заметные проекты и поделятся своими практическими наработками для их дальнейшего развития другими театрами.
Слушатели фестиваля узнают от коллег, как они находят финансирование, организуют фестивали, реализуют и продвигают свои идеи, с конкретными цифрам и последовательностью действий.
Фестиваль формирует основу для структурных изменений отрасли: театральные менеджеры со всей страны знакомятся друг с другом, определяют круг задач и общих проблем, придумывают совместные проекты, выступают с законодательными инициативами. Одной из главных задач фестиваля является выявление и поддержка молодых  талантливых менеджеров. Во второй раз в рамках фестиваля пройдет Вахтанговская премия в области организации театрального дела.
Финалисты премии представят свои проекты, а лучшие из них будут отмечены специальными призами и денежными наградами. В этом году среди номинантов: директор подмосковного театра ФЭСТ Андрей Соколов, коммерческий̆ директор Пермского академического Театра-Театра Егор Мухин, заместитель художественного руководителя Архангельского молодежного театра Анастасия Малевинская. ВФТМ — это площадка для передачи профессиональных знаний, навыков и компетенций. В марте 2021 года совместно с Союзом театральных деятелей России (СТД РФ — ВТО) фестиваль запустили новый поддерживающий формат лабораторий. В них приняли участие 13 театров со всей России. В течение двух месяцев с помощью опытных кураторов они улучшали свою работу в шести направлениях: маркетинг, продажи, юридические аспекты, социальные медиа, фандрайзинг и Tik-Tok.
ВФТМ призван сокращать разрыв между театральными менеджерами со всей страны: начинающими и опытными, столичными и региональными, независимыми и государственными, истеблишментом и новыми именами.
Фестиваль создает поддерживающую среду для театральных менеджеров, формирует пространство для диалога и мотивирует специалистов делать театр доступным, востребованным и прогрессивным явлением современной культуры.
Полная программа фестиваля: http://vftmfest.ru/prog21


«ТУВЕ» - ФИЛЬМ О ТВОРЧЕСТВЕ

 

Фильм «Туве» - необычный смелый фильм о творчестве. Внешне это биографическая драма о создательнице муми-троллей, легендарной художнице и писательнице Туве Янссон. Своеобразная экранизация из серии ЖЗЛ – жизнь замечательных людей. Но рассказанная и показанная художественными средствами кино ХХI века. Примечательно, что над созданием работала команда, в основном состоящая из женщин - режиссер Зайда Бергрот, сценарист Ээва Путро, оператор и художник-постановщик Линда Вассберг. И в нем безусловно есть какое-то безудержное и одновременно очень сдержанное женское начало.
Показывать талантливого человека кажется простым делом. Он светится. Но разглядеть, откуда идет этот свет, который от него исходит, бывает трудно. В фильме это сделано, прежде всего, через решительные поступки героини, её взгляды, телодвижения, придуманные слова… Всем широким арсеналом выразительной игры. Главную роль в фильме замечательно сыграла финская актриса Альма Пёвсти, которая изображает молодую Янссон, находящуюся еще в начале своего творческого пути. Ей удалось так естественно войти в очень неоднозначный характер художницы – упрямой, дерзкой, самостоятельной и одновременно беззащитной – что оторвать глаз от экрана просто невозможно.
Действие фильма «Туве» разворачивается в послевоенном Хельсинки 1945 года, в период становления уникального таланта Туве Янссон. Молодая художница окунается в атмосферу творческой и социальной свободы. Современное искусство, головокружительные вечеринки, открытые отношения с женатым политиком и социалистом Атосом Виртаненом (Шанти Рони) и страстный роман с театральным режиссером Вивикой Бэндлер (Криста Косонен) – яркая и бескомпромиссная жизнь, о которой она грезила в годы войны и которая, наконец, стала реальной. Отдавая всю себя серьезной живописи, Туве развлекается невинными рисунками и историями о лесных невиданных существах. Её знаменитый отец, признанный финский скульптор, не разделяет её увлечение. До такой степени, что ей приходится уйти из семьи, снимать комнату и верить в свой талант. Незаметно сказки о бесстрашных муми-троллях, которые она рассказывала напуганным детям в бомбоубежищах, начинают оживать. То, что начиналось как шалость, приносит Туве международную известность и желанную свободу.
Туве Янссон - Финско-шведская писательница и художница, родилась 9 августа 1914 года в Хельсинки в семье художников (мать иллюстратор, отец скульптор). Янссон достигла всемирной известности как создательница рассказов о Муми-троллях, написанных между 1945 и 1970 годами и до сих пор издающихся более чем на сорока языках. Рожденная в интеллигентной и даже богемной семье, Янссон с юных лет знала, что вырастет художницей. Но и литературный дар открылся в ней очень рано: свой первый рассказ «Сара, Пелле и осьминоги водяных духов» Янссон написала в 14 лет. Правда, опубликован он был только в 1933 году. Янссон получила художественное образование в Швеции и впоследствии выполнила несколько масштабных работ - среди них есть настенные росписи в зданиях мэрий нескольких городов, школе, больнице и даже алтарь церкви города Теува. Некоторое время она также занималась иллюстрацией произведений других авторов, среди них - книги Дж.Р.Р. Толкина и Льюиса Кэрролла. Туве была воспитана вне ограничений, наложенных на женщин в конце викторианской эры. В юности она путешествовала по европейским столицам, совершенствуя свои художественные техники и изучая новые. Когда война охватила континент, Янссон начала работу над написанием и иллюстрацией книги для детей, первой из любимой многими серии фантастических приключений с участием Муми-троллей.
В 1966 году Туве Янссон была награждена медалью Ганса Христиана Андерсена за вклад в развитие детской литературы, а в 1975 году стала кавалером ордена Улыбки.
Авторам картины удалось показать истоки создания персонажей, рассказать, из каких снов, обид, радостей и волнений они возникают. Отношения Туве с Атосом Виртаненом, ее первая любовь к женщине, балансирование между карьерой художницы и написанием книг о муми-троллях, непростые отношения с суровым отцом-скульптором – все это снято взволнованно и с большими любовью и вниманием к личности героини.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Постер https://drive.google.com/file/d/1A76Q15IbCMX6sWWxMbrqz0uG-5Nbiglw/view?usp


ВАХТАНГОВСКИЙ ГАЛОПАД

 

или
новая постановка «Мёртвых душ»

Московский Театр имени Евгения Вахтангова в свой юбилейный сотый сезон представил на Основной сцене новый, ни на что прежнее не похожий спектакль "Мертвые души" по мотивам поэмы Н.В. Гоголя в постановке режиссера Владимира Иванова. В постановке все необычно. Хотя на сцене всего два актёра, но играют они почти всех героев поэмы. Трудно поверить, что можно так стремительно перевоплощаться на протяжении двух с лишним часов и «оживлять» хорошо знакомых каждому с детства персонажей, показывая их так, как раньше не видели и не знали.
В спектакле заняты народная артистка России Мария Аронова и актер Владислав Гандрабура. Действие завораживает фейерверком фантастических костюмов, масок, декораций, колясок и каких-то неземных шумов и музыки. Одним словом, все переливается живописными актерско-режиссерскими красками. На глазах меняются маски, роли и образы, иногда становясь авторским голосом самого Гоголя. Текст писателя – это, по сути, главный герой спектакля. Он звучит не только из уст артистов, но и является главным элементом декорационного оформления. Рукопись знаменитой поэмы проступает на стенах и полу сцены. «Мертвые души» оживают, как никогда, живо, иронично, с какой-то удивительной внезапностью.
Образ Чичикова не только не стареет, но становится еще более современным, обогащаясь предсказанными Гоголем продолжениями. Чиновники все так же жадно берут взятки. И отдельные раскаты скандалов доносятся до нас телевизионными сюжетами. То один чиновник-министр на скамье подсудимых оказывается, то другой к ним примыкает, то один полковник ФСБ, то другой. Та же история с губернаторами…
Схемы мошенничества меняются. Но суть - работа по скупке мертвых душ (почивших крепостных, учтенных в качестве живых при последней ревизии) – остается той же. У всех рыльце в пушку. Помещики удивлены просьбами предприимчивого знакомца, но рады избавиться от обузы — ведь они платят налоги за учтенных в ревизских сказках крестьян, как за живых. Их не интересует, что в дальнейшем обаятельный Павел Иванович планирует совершить с купчими ряд махинаций и сказочно обогатиться. Фактически вступают с ним в сговор. При неповоротливости государства.
В постоянной сменяемости ролей есть свой глубокий смысл. То Мария Аронова становится Чичиковым. То Владислав Гандрабура играет Павла Ивановича. Такие же превращения происходят с Маниловым, Собакевичем, Плюшкиным, Коробочкой…
За волшебной легкостью игры актёров стоят фундаментальная школа и опыт. Творческие успехи Ароновой неразрывно связаны с именем ее педагога по Щукинскому училищу - профессора кафедры мастерства актера Владимира Иванова. Лучшие ее роли созданы, как раз, в его спектаклях. "Когда Бог дарит тебе таких педагогов, это фантастический лотерейный билет! Я не стану говорить о том, что в своем возрасте, при двух детях, будучи уже бабкой, встаю, когда он входит ко мне в гримерку. Он продолжает оставаться для меня учителем", - считает актриса.
В подзаголовке программы есть своеобразное уточнение жанра: «Галопад в двух действиях». Это определение связано с одним очень символичным фрагментом в гоголевском тексте. Он, как бы, прописан в проброс, как случайно подвернувшееся словцо: «Галопад летел во всю пропалую: почтмейстерша, капитан-исправник, дама с голубым пером, дама с белым пером, грузинский князь Чипхайхилидзев, чиновник из Петербурга, чиновник из Москвы, француз Куку, Перхуновский, Беребендовский — всё поднялось и понеслось». И, действительно, это некое летящее в стремительном темпе представление, которое нам предлагают авторы, просто завораживает. В нём прячется метафора странного веселого и грустного танца. Такого мы еще не видели.
Галопад (от французского galopade) — бальный танец в быстром темпе, впервые в России упомянут в «Правилах для благородных общественных танцев» в 1825 году. Описание галопада в поэме Гоголя создает ощущение несущейся в невероятном вихре жизни, потерявшей надёжную точку опоры.
Первоначально, по словам режиссера, спектакль проходил под этим рабочим названием «Галопад», но потом остановились на более традиционном и всем хорошо знакомом «Мертвые души». Тем не менее, галопад — особая пляска, в которой кавалер с дамой, обняв друг друга, скачут галопом оба вместе в радостном экстазе. В этой фразе, в этом определении смысл и квинтэссенция идеи, и нерв спектакля, который безусловно стал максимальным гимном актёрству при минимуме исполнителей.
В своей истории Вахтанговский театр шесть раз обращался к произведениям Н.В. Гоголя. В 1924 году Ю.А. Завадский поставил «Женитьбу», в 1939 г. Б.Е. Захава обратился к «Ревизору», в 1978 г. А.И. Ремизова выпустила «Дела давно минувших дней» (композицию по произведениям Гоголя «Игроки» и «Театральный разъезд»). В 2002 году был выпущен первый спектакль Римаса Туминаса на Вахтанговской сцене – «Ревизор». В 2009 г. появился моноспектакль Юрия Краскова «Записки сумасшедшего» (руководитель постановки – Римас Туминас). В Малом зале в 2013 году состоялась премьера «Женитьбы» в постановке Сергея Кутасова. Таким образом, «Мёртвые души» – седьмая гоголевская постановка в Театре имени Евгения Вахтангова – достойное продолжение его славных традиций, идущих от прошлых вахтанговских достижений... Да и само слово галопад удачно рифмуется с бурным весенним водопадом, осенним листопадом и, конечно, звездопадом и каскадом находок, где счастливо сочетаются жанры комедии, буффонады, драмы с виртуозной актёрской игрой, фантастических костюмов, восхитительной музыки, явно идущих от традиции и новаторства спектакля «Принцесса Турандот».

Борис Примочкин, Наталья Ковалева