gen_1530.1.gif
Главная
Новости
Социум
Бизнес и Финансы
Связь и IT
Кино, театр
Музыкальные истории
Медицина и экология
Транспорт
Строительство
Страхование
Сервис и торговля
Книги
Музеи и выставки
События и люди
Образование
Энергетика, нефтехимия
Спорт и отдых
Дом советов
Стихи и проза
Отзывы наших читателей
Написать отзыв
Другое

 

Кино, театр


Kino.jpg  

 

«ЖЕНЩИНЫ ЕСЕНИНА»
ИНГРЕДИЕНТЫ ФИЛЬМА «ВКУС ЖИЗНИ»
«ВОЙНА И МИР» ВАХТАНГОВСКОГО ТЕАТРА
ВЕЧНЫЕ ИСТИНЫ «ВЕЧНЫХ»
«АГНЕЦ» ТРЕВОЖНОГО ПРЕДУПРЕЖДЕНИЯ
«ТИТАН» С ЗОЛОТОМ
ИСТОРИЯ ОДНОГО «БЕСТСЕЛЛЕРА»

«ЖЕНЩИНЫ ЕСЕНИНА»

 

Необычную премьеру представит 3 и 4 декабря Художественный театр – МХАТ им. М. Горького премьеру «Женщины Есенина» по книге Захара Прилепина в инсценировке Елены Исаевой. Актрисы Екатерина Стриженова, Агния Кузнецова, Екатерина Волкова, Алиса Гребенщикова, Мария Янушевская и Наталия Медведева расскажут новую историю любви великого поэта, вскроют подлинную глубину его чувств и причину трагедии. С этой стороны на творчество и жизнь Есенина еще никто не смотрел. Поэт – это не тот, кто пишет стихи, а тот, кто платит за них своей судьбой. Жизнь Сергея Есенина – это вечный поиск счастья и вечное разочарование. Спектакль расскажет о тайнах детства и семьи всенародно любимого русского гения, с этой стороны на творчество и жизнь поэта еще никто не смотрел.
Известно, что в жизни Сергея Есенина было несколько больших романов, отразившихся в его поэзии. Почти все они заканчивались трагически. Он посвящал своим возлюбленным стихи, ставшие классикой русской поэзии, но не умел сохранить чувство к женщине надолго. Кто они – эти «женщины Есенина»? Кого они любили – гениального поэта? Ангела с золотыми волосами? «Озорного гуляку»?
Как взаимоотношения родителей Есенина, драматичные повороты в судьбе его матери отозвались в его взрослой жизни и его личных отношениях с женщинами?
Есенин все время ищет любовь, чувствует, что спасение - в ней, и в то же время постоянно бежит от нее. Есенин находит любовь, но нужна она ему, оказывается, только для творческой силы, а не для личного счастья. И за все свои стихи Есенин платит своей судьбой, своей жизнью, своей кровью.
МХАТ им. М. Горького расскажет зрителям о поэте, обратившись к его личной жизни, к судьбам женщин, которые оставили след в его творчестве.
И поскольку спектакль основан на книге Захара Прилепина из серии ЖЗЛ «Сергей Есенин. Обещая встречу впереди», за достоверность рассказа можно ручаться.
Инсценировку по книге написала Елена Исаева, драматург, сценарист и поэт. Яркая оригинальная сценография и музыкально-драматический темп спектакля погрузят зрителей в атмосферу эпохи Есенина.
Продолжительность спектакля: 2 часа 50 минут, с антрактом.

Источник: пресс-служба МХАТ им. А.М. Горького


ИНГРЕДИЕНТЫ ФИЛЬМА «ВКУС ЖИЗНИ»

 

Под внешней формой гладкой воды порой таится много подводных течений. Вот и в жизни Мэгги и Карстена есть все: любимая работа, прекрасные дети и самый популярный ресторан. Правда, не хватает звёздочки Мишлен, самой престижной ресторанной награды. В погоне за успехом пара забыла, что лучшие блюда в жизни делаются вместе… Вот об этом и не только фильм «Вкус жизни» режиссера Кристофера Боэ.
Зритель погружается в атмосферу изысканной кухни зажиточной европейской страны, где переплетаются сложность еды и сложность человеческих отношений в семье. Это первая совместная работа Боэ и сценариста Тобиаса Линхольма, выступившего соавтором сценария картин «Еще по одной» и «Охота» Томаса Винтерберга. Режиссер признается, что давно мечтал поработать с Линхольмом, и это соавторство было основной причиной для создания картины. Впрочем, метафора фильма как разнообразного вкуса от еды и жизни (сладкое. кислое, горькое…) имела и более глубокие корни «Я восхищаюсь работами Тобиаса. Некоторое время я пытался создать проект, в котором мы могли бы сотрудничать, но у нас очень разные подходы к кинопроизводству. Несколько раз мы пытались найти общую почву, тему для рассказа. И в итоге это оказалось семьей, отношениями, чем-то естественным для нас, так как у каждого из нас есть семья - место с бесконечными историями, поражениями и победами. Это была точка входа. Тогда я стремился включить в качестве основы некую индустрию, где люди часто находят своих партнеров, где люди разделяют одни и те же мечты, но иногда им трудно жить вместе. А еще мы с Тобиасом невероятные гастрономы и очень увлечены кулинарией, так что ресторанный бизнес показался нам подходящей, да еще и любимой темой! Это была прекрасная возможность поговорить о важнейших элементах жизни, включая еду. Вдобавок ко всему, съемка еды эстетически очень приятна», - рассказал Кристофер Боэ.
Режиссер использует еду не только как фон или эстетическое выражение, но и придает ей философский смысл. Боэ ассоциирует еду, творение и человечество, ссылаясь на символическое дерево в центре ресторана, разговор супругов о христианском представлении о рае и яблоке как символе греха:
«Еда — это многослойная арена для культуры, истории и даже политики, хотя мы часто об этом не задумываемся. То, как пища выращивается и готовится на кухнях, относится к людям в обществе. Меня интересует этот аспект».
Авторам пришлось тщательно изучить ресторанный бизнес и кулинарию, пообщаться с лучшими шеф-поварами в Копенгагене, давшими советы о том, как нужно обращаться с продуктами, готовить и пробовать еду и даже разговаривать с персоналом.
Создатели фильма долго не могли найти подходящей локации для съемок, так как фильм похож на своего рода постановку пьесы – показать не только события в жизни героев, но и некое причастие, преломление «хлеба», совместный прием пищи и жизни в целом, в центре которой – красивая и сложная еда. Не было ни одного существующего места, где был бы круглый обеденный стол такого гигантского размера, поэтому его построили специально для съемок фильма, а все экстерьеры снимались на улицах Копенгагена.
И всё-таки нам показалось, что киноблюдо получилось слишком сладким, хотя авторы и вводили в него ингредиенты кислого, соленого, горького и перченого. Но это на наш вкус. Насколько удачным получилось киноблюдо фильма «Вкус жизни», пусть решит массовый зритель.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«ВОЙНА И МИР» ВАХТАНГОВСКОГО ТЕАТРА

 

Необычную премьеру представит 3 и 4 декабря Художественный театр – МХАТ им. М. Горького премьеру «Женщины Есенина» по книге Захара Прилепина в инсценировке Елены Исаевой. Актрисы Екатерина Стриженова, Агния Кузнецова, Екатерина Волкова, Алиса Гребенщикова, Мария Янушевская и Наталия Медведева расскажут новую историю любви великого поэта, вскроют подлинную глубину его чувств и причину трагедии. С этой стороны на творчество и жизнь Есенина еще никто не смотрел. Поэт – это не тот, кто пишет стихи, а тот, кто платит за них своей судьбой. Жизнь Сергея Есенина – это вечный поиск счастья и вечное разочарование. Спектакль расскажет о тайнах детства и семьи всенародно любимого русского гения, с этой стороны на творчество и жизнь поэта еще никто не смотрел.
Известно, что в жизни Сергея Есенина было несколько больших романов, отразившихся в его поэзии. Почти все они заканчивались трагически. Он посвящал своим возлюбленным стихи, ставшие классикой русской поэзии, но не умел сохранить чувство к женщине надолго. Кто они – эти «женщины Есенина»? Кого они любили – гениального поэта? ангела с золотыми волосами? «озорного гуляку»?
Как взаимоотношения родителей Есенина, драматичные повороты в судьбе его матери отозвались в его взрослой жизни и его личных отношениях с женщинами?
Есенин все время ищет любовь, чувствует, что спасение - в ней, и в то же время постоянно бежит от нее. Есенин находит любовь, но нужна она ему, оказывается, только для творческой силы, а не для личного счастья. И за все свои стихи Есенин платит своей судьбой, своей жизнью, своей кровью.
МХАТ им. М. Горького расскажет зрителям о поэте, обратившись к его личной жизни, к судьбам женщин, которые оставили след в его творчестве.
И поскольку спектакль основан на книге Захара Прилепина из серии ЖЗЛ «Сергей Есенин. Обещая встречу впереди», за достоверность рассказа можно ручаться.
Инсценировку по книге написала Елена Исаева, драматург, сценарист и поэт. Яркая оригинальная сценография и музыкально-драматический темп спектакля погрузят зрителей в атмосферу эпохи Есенина.
Продолжительность спектакля: 2 часа 50 минут, с антрактом.


ВЕЧНЫЕ ИСТИНЫ «ВЕЧНЫХ»

 

В начале ноября на экраны страны выходит фантастическая лента «Вечные» режиссера Хлои Чжао («Земля кочевников»). Этот 26-й фильм киновселенной Marvel рассказывает о десяти бессмертных мужчинах и женщинах, среди них есть и подросток, которые втайне живут на Земле тысячелетиями, спасая её от различных бед. В данной картине - от космических девиантов – полудраконов-полуволков, которые еще и мутируют по ходу экранных событий, как коронавирус, охвативший нынче планету.
Хотя в блокбастере и прослеживается режиссёрский почерк Чжао, у авторов всё равно получился очередной фантастический фильм Marvel, рассчитанный на подростковое сознание. Фильм получился разноплановым, масштабным, динамичным и переполненным героями. В этом его достоинство и недостаток. Как бы режиссер ни старался представить характер и особенности каждого героя, все равно они получились схематичными и плосковатыми. Отношения между ними довольно невнятны и порой просто сумбурны. Впрочем, это очень похоже на то, что происходит между людьми ХХ1 века.
Но главный и настоящий герой в фильме – это постоянно меняющееся действие и спецэффекты компьютерной графики. Они-то и выстраивают всю драматургию. Подверстывают под себя все психологию мотивировок и отношений между персонажами.
В главных ролях звездный состав актёров— Анджелина Джоли, Сальма Хайек, Ричард Мэдден, Кит Харингтон, Джемма Чан и комик Кумэйл Нанджиани. Но по сути им играть нечего. Казалось бы, таким талантливым актерам легко было справиться с трудной задачей – в минимум времени рассказать и показать особенности каждого героя. Но не тут –то было.
Kогда-то «Вечные» были популярной серией комиксов Джека Керби, созданной им в 1976 году. В ней он и рассказывал о десяти защитниках Земли. Каждый из них наделен силой космической энергии и обладал уникальными дарами. Так, самый сильный из них Икарис (Ричард Мэдден) умеет летать и обладает способностью излучать лазерные лучи из глаз (примерно, как Супермен), Серси (Джемма Чан) может манипулировать материей, изменяя состав любых неживых материалов, к которым прикасается, в то время как Друиг (Барри Кеоган) способен управлять разумом людей. У Аяк (Сальма Хайек) есть способности к исцелению Вечных и людей, а у Фины (Анджелина Джоли) — способность создавать любое оружие из чистой космической энергии. Все они подчиняются Целестиалам, расе создателей, заложивших жизнь во Вселенной. Согласитесь, что для подросткового сознания представлен великолепный набор возможностей, чтобы погрузиться в мир экшена.
Сюжет фильма пытается еще донести до зрителя – пусть конспективно и бегло - главные исторические события из прошлого земли. Тем самым ещё и решить образовательную задачу, представив её в увлекательной форме. Фрагменты истории планеты охватывают сразу несколько тысячелетий истории Вечных, перепрыгивая в хронологии из современности в Вавилон 575 года до нашей эры и обратно. Или Вечные могут оказаться в Японии 1945 года, когда американцы сбросили на Хиросиму и Нагасаки атомные бомбы. Фильм рассказывает и о том, как после победы над Девиантами Вечные не возвращаются на родную планету, как планировали, а остаются на Земле. В какой-то момент их группа «распадается» — одни, как Гильгамеш, в итоге пекут пироги, другие, как Серси, преподают или, как Кинго (его играет комик Кумэйл Нанджиани), подаются в Болливуд.
При всей упрощенности образов многие актеры остались очень довольны своими ролями. Так, исполнительница роли Аяк Сальма Хайек рассказала журналистам о том, как много значит для нее роль супергероини: «Моей большой мечтой была роль супергероя. Мне всегда хотелось работать с лучшими кинорежиссерами в мире, сниматься и в крупных блокбастерах, и в фильмах, которые можно назвать киноискусством. О чем еще можно просить? Я пыталась бороться за такие роли, когда мне было 20, 30 и 40 лет, но когда это так и не случилось, я сказала себе: «Да ну их, они ничего не понимают! Они не представляют, как бы я была хороша в жанровом кино, каким бы я была классным супергероем. Я займусь чем-нибудь другим. Я рожу ребенка!» И я это сделала. Но вы представляете, насколько это интересно, когда тебе за 50 лет и один из самых гениальных режиссеров дает тебе возможность сделать и то, и другое? Если задуматься, мне за 50, я мексиканка невысокого роста с большой грудью. Я не типичный супергерой с горой мускулов».
Ей вторит Анджелина Джоли, исполнительница роли Фины, воинственной богини, которой приходится сражаться в том числе с невидимыми врагами из собственной жизни: «Хлоя, как режиссер, известна тем, что привносит реалистичность и аутентичность в кино, так и мы, актеры этого фильма, привнесли что-то глубоко личное в наши роли, порой что-то, чего мы сами о себе не знали, что было в нашем подсознании, и позволили этому открыться в нашем фильме. Мне показалось, что это одна из моих самых фантастических ролей, но при этом мои дети сказали, что эта роль, напротив, самая близкая ко мне настоящей. Мой персонаж порой очень уязвим, ей приходится постоянно балансировать в своей жизни. И все это сочетается в женщине, которую все считают невероятно сильной».
Хотя фильм получился слишком перегруженным и местами сумбурным, стремительность действия и спецэффекты не дадут зрителю уснуть. А подростков еще подтолкнёт задуматься о вечной борьбе добра и зла на нашей планете, которая сегодня переживает один из тревожных моментов своей истории, связанной с эпидемией нового типа.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«АГНЕЦ» ТРЕВОЖНОГО ПРЕДУПРЕЖДЕНИЯ

 

Фильм «Агнец» режиссера Вальдимара Йоханнссона уже своим названием отправляет к библейским сюжетам. А первые кадры подхватывают тему сурового бытия персонажей ленты, которая разворачивается перед глазами зрителей.
Бездетная пара фермеров, проживающая в туманной глуши суровой исландской природы, однажды находит у себя загадочное существо и решает растить его как собственного ребёнка. Но то, что принесло мир в семью, скоро её и разрушит. Существо это - младенец с головой ягнёнка. Во времена генетических открытий это не такая уж и далекая фантазия.
Но авторы смотрят на тему не с научно-популярной точки зрения, а значительно глубже, интереснее и художественнее. По манере повествования это притча. Выразительно передается ощущение горных пастбищ, где туманы и дожди со снегом сменяют яркое солнце и зеленеющая изумрудным покровом трава. Очень гармонично пейзажи сочетаются я с музыкой и шумами, которые предупреждают зрителя, чтобы он готовился к напряженному восприятию жизни скотоводов. Неуклонно надвигается ощущение художественной тревоги.
Хотя чего, собственно, тревожиться. Бездетные родители принимают агнца как своего ребёнка, холят и лелеют его, спать укладывают в своей спальне. Ведь он заменяет им умершую дочку.
При этом автор очень хорошо чувствует мир сельской жизни. Кони, овцы, собаки на экране выступают как настоящие артисты, настолько выразительно и ярко они сняты.
Ведь в детстве Вальдимар Йоханнссон много времени проводил на овцеводческой ферме своих дедушек, поэтому ягнята, овцы и бараны - животные, которых о очень хорошо знал и любил. Да и родители читали ему много историй, народных сказок, где жизнь людей и животных сплетены в тугой узел. «Агнец» вобрал в себя мотивы многих сказаний разных народов.
Одна из мощных художественных удач фильма - необычайное единство операторских безупречно снятых кадров природы и быта персонажей, музыки и актерской очень сдержанной, но выразительной игры. В ленте мало слов, больше взглядов, сдержанной мимики и неожиданных действий. В результате невозможно оторвать глаз от экрана и все смотрится на одном дыхании.
В жизни супружеской пары Марии и Ингвара есть чувство вины и раскаяния, которые тянутся к ним из прошлого. В процессе рассказа их истории зритель понимает, что из–за этого они готовы поверить временному счастью и, как они оба знают, оно продлится недолго.
Фильм был снят на ферме на севере Исландии. Животные, сама ферма и ее окрестности стали настоящими важными персонажами этой истории. Времена года, каждое со своим собственным светом и туманом, и два мира –уютный и комфортный домашний мир людей на ферме и неизвестный мифический мир суровых высокогорий, где с природой нельзя играть или управлять ею, как иногда кажется людям.
Режиссеру Йоханнссону и художнику-постановщику Снорри Фрейру потребовалось больше года поисков, чтобы найти нужное место, предварительно объездив всю Исландию.
Когда я наконец остановился на этой ферме, я все еще был настроен скептически, – говорит режиссер. - Здесь никто не жил в течение 20 лет, поэтому нужно было проделать большую работу, чтобы сделать ее тем самым полумифическим местом, которое я представлял для своих персонажей. Всего за две недели до съемок мы превратили его в то, что искали, а волшебный пейзаж и уединенность фермы оказались идеальным местом для моего фильма».
Прообразом главной героини послужила бабушка Вальдимара Йоханнссона, недавно скончавшаяся. Режиссер много времени проводил с ней в детстве и отдал ей дань уважения, частично перенеся ее характер в свой фильм.
«У них с дедушкой была овцеводческая ферма и пятеро детей, и жизнь на ферме не всегда была легкой, но моя бабушка никогда не позволяла ничему сломить ее дух. Она была очень сильной, и Мария также обладает этой стойкостью», - вспоминает режиссер. По признанию продюсеров фильма, в черты Марии, которую играет Нуми Рапас, она добавила экстраординарность, проявив огромное мужество, чтобы взять на себя эту роль и соглашаясь порой работать в трудных условиях. Актер Хилмир Снайр, наоброт, привнес уязвимость и в характер Ингвара, проявляя чуткость и даже слабость своего персонажа. Брат главного героя как бы уравновешивает эти стороны, что рождает некую гармонию в определенной части этого рассказа.
В фильме есть удивительно актуально звучащие ноты нашего времени. Одна из них состоит в том, что напрасно человек возомнил себя царем природы. Он многое не знает и не понимает еще в её законах и тайнах. Природа — это не только то, что мы видим, но и то, что мы чувствуем, и поэтому она глубоко связана со сверхъестественным. Ее нельзя предсказать, и люди не должны забывать, что они всегда подчиняются силам, находящимся вне их контроля. И им давно пора относиться к природе с гораздо большим почтением и уважением. Как положено детям - к своей матери.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева.

Отзывы иностранной прессы:
«Агнец — это оригинальный, потрясающе красивый и тревожный эпос, дающий оригинальное понимание заботы и как быть родителем. Фолк-сказка, в которой природа и воспитание приводят к кошмару’. - The Hollywood Reporter.
«Агнец» сочетает в себе лучшую в карьере роль Нуми Рапас, мрачную и красивую атмосферу Исландии и завораживающий сюрреализм. - Screen Daily.
«Тишина и пустота этих туманных горных окрестностей становятся идеальной, таинственной и немного языческой мифологией, от которой невозможно оторваться». - Variety.
«Агнец слишком ярок и оригинален, чтобы его забыть». - San Francisco Chronicle

В КИНО С 28 ОКТЯБРЯ


«ТИТАН» С ЗОЛОТОМ

 

В детстве Алексия была трудным и непослушным ребенком. Именно она стала виновницей аварии, в которой больше всего сама и пострадала. После неё в голове Алексии установили титановую пластину, с которой она спустя 15 лет работала центровой стриптизершей на открытии автосалона. Кажется, в каждом танцевальном движении она всем своим телом признается в любви к наступившей инженерно-технической цивилизации. Признание в любви к нашему техногенному укладу происходит на протяжении всего фильма. Только вышла из клиники, как поцеловала автомобиль, на котором и разбилась. И цивилизация отвечала ей взаимностью самым фантастическим образом. Героиня даже беременеет от… автомобиля. Она и раньше была не пай-девочкой, но после кинематографического акта соития сделалась исключительной стервой, еще более жестокой и агрессивной.
С этого начинается сюжет франко-бельгийского фильма «Титан» («Titane») режиссера Жюлии Дюкурно. Фильм стал обладателем золотой Пальмовой ветви 74-го Каннского фестиваля.
На первый взгляд на экране изысканная жестокость, извращение, нелепость и абсурд. Но подождите судить этот фильм по привычным канонам. Что-то в поступках героини не совсем однозначно. Чувствуется, что при всей брутальности киноязыка, все время проступает чисто женский взгляд на происходящее. То, как авторы любуются обнаженными формами героини, как живописно выстраивается композиция каждого кадра, подбирается фактура предметов и одежд. И постепенно приходишь к мысли, что на самом деле нам предлагается новая художественная реальность, в которой проступает очень важный эмоциональный смысл времени.
Хотя лента длится более полутора часов, но время пролетает незаметно. События в фильме развиваются стремительно и неотвратимо. Идет каскад сцен с явной эстетизацией боли, насилия, жестокости.
Большая нагрузка ложится на двух главных актеров. Актриса неординарной внешности Агата Руссель восхитительно сыграла роль жестокой праматери нового вида человека. Выразительный актер с ярко выраженным мужским началом Венсан Линдон сыграл роль отца и командира пожарной команды, безумно влюбленного в своего сына, в которого согласно воле сценаристов и превратилась Алексия...
По жанру «Титан» крутая смесь триллера, драмы и фантастики. Но в сюжете незримо присутствует еще один главный герой. Да тот самый технический уклад, который обнимает нас своими разнообразными частями тела. Это автомобили, метро, самолеты, корабли, телефоны, видеокамеры, пластик, металлы... И конечно титан, но он предстанет перед нами и скажет свое слово уже в самых последних кадрах. Когда на спине рожденного младенца проступит маленький титановый позвоночник. Это главный посыл фильма. Человечество вступило в полосу ленно-техногенных изменений. Приметы этих перемен все чаще встречаются в нашей жизни. Здесь и модифицированное питание, и микрочипы, имплантируемые под кожу, и эпидемия татуировок… Даже изменение климата, появление новых невиданных пандемий, нарастание напряженности на планете. Фильм в экстремальной форме пытается донести до нас жестокую правду возможного будущего.
Авторы взяли необычайно широкий экзистенциальный размах эмоционального осмысления нашей цивилизации. Рассказ о новом сделан намеренно новым, не засвеченным лицом малоизвестной актрисы. Потому что за каждым известным и опытным актером тянется свой шлейф образов и персонажей, который он уже сыграл. А здесь поставлена совершенно новая задача. Героиня должно стать жестокой богоматерью нового человека Агата Руссель на протяжении всего фильма во многих эпизодах предстает в обнаженном виде – ее тело постоянно меняется. По сюжету она превращает себя в мужчину, обматывая прорезиненными бинтами свою набухающую странным темным молоком грудь.
Роль командора режиссер писала специально для Венсана Линдона. В интервью журналистам она сказала: «Характер персонажа требовал целого ряда эмоций, на которые, на мой взгляд, способен только Венсан: одновременно пугающий и уязвимый, детский и темный, глубоко человеческий и в то же время чудовищный... Особенно с этой впечатляющей громадой тела. Готовясь к этой роли, он в течение года серьезно занимался тяжелой атлетикой.
Я хотела, чтобы он был мускулистым, как бык, напоминая зрителю о массивности Харви Кейтеля в "Плохом лейтенанте" Абеля Феррары».
В фильме много металла, огня, разных красок… И видна очень тщательная и выразительная работа оператора с выбором ракурсов, освещенности, вариациями скорости самой киносъёмки. Камера оператора Рубена Импенса ("Красивый мальчик", "Разомкнутый круг") ведет себя как живописная кисть художника, рисуя динамичные мазки каждого эпизода. Жюлия Дюкурно отмечала в общении с журналистами, что они больше сосредоточились на живописных отсылках, чем на отсылках к фильмам. В частности, это были картины Караваджо, "Летнюю ночь" Уинслоу Гомера и серию "ИМПЕРИЯ СВЕТА" Рене Магритта.
Композитор фильма Джим Утльямсон придумал особо тревожную музыку, куда включил по настоятельной просьбе режиссера ударные, колокольчики, звоны и звонки. Потому что это тоже голос металла, оставаясь при этом мелодичной. Авторы пытались показать музыкальный путь героини от животного к импульсивному и священному.
Чтобы помочь нам почувствовать эту прогрессию, музыка колебалась, скрещивалась, трансформировалась. От перкуссии к колокольчикам, к электрогитаре, а иногда и ко всему вместе взятому. Затем появляются голоса, привнося в фильм литургическое измерение. Иногда звуковой образ фильма походил на вспышки света в тени.
В любом случае фильм несет в себе яростный посыл вглядеться сквозь наше жестокое настоящее в наше тревожное и туманное завтра. Надеемся, что зрителю будет интересен этот необычный взгляд. Но смотреть «Титан» нужно в хорошем кинопрокатном качестве. Иначе многие важные живописные и звуковые оттенки пропадут.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева.

Наша справка
Выпускница LA FÉMIS по сценарному мастерству, Жюлия Дюкурно привлекла к себе внимание в 2011 году, когда ее короткометражный фильм Junior (2011) был отмечен на Неделе критиков в Каннах и получил приз зрительских симпатий на фестивале THE FESTIVAL PREMIERS PLANS IN ANGERS. Ее первый полнометражный фильм RAW вызвал шоковую волну, когда он был представлен в конкурсе на неделе критиков 2016 года и получил приз ФИПРЕССИ. Фильм вышел на экраны и получил награды на нескольких международных фестивалях (TORONTO, SUNDANCE, GERARDMER, SITGES) и был распространен по всему миру. Она получила премию фонда GAN 2019 года за свой второй полнометражный фильм "ТИТАН", который был выбран для официального конкурса на Каннском кинофестивале 2021 года, и где в итоге «ТИТАН» получил «Золотую пальмовую ветвь».


ПОДРОСТОК С РЕБЁНКОМ НА РУКАХ

 

Чтобы смотреть фильм «Ничья», нужно набраться морального мужества. Ведь это грустное повествование о вчерашней школьнице, 14-летней Вике, которая в глухой российской провинции собирает клюкву, бруснику, помогая матери торговать на продуктовом рынке. Посещает танцевальную студию. Нелепо подворовывает в магазине. Но самое главное - пытается скрыть, что у неё есть ребенок. Это драматургическая пружина всей ленты.
Режиссер Лена Ланских впервые сняла полнометражную ленту. Это её яркий дебют. По тому, как показана история, видно, что материал и тему автор знает и чувствует хорошо. Раньше она снимала короткометражные ленты про подростков. Отдельные эпизоды «Ничьей» тщательно выстроены и выразительно сняты. Например, конфликт и борьба с матерью, когда в результате прорыва водопроводной трубы пол в квартире покрывается водой, в которой плавают пеленки и одежда младенца. Или сцена в вечерней электричке, когда она оставляет ребенка и потом бегает по вагонам с криками, что у нее его украли. Мрачная атмосфера российской глубинки передается с выстраданным надрывом. Правда, несколько монотонно и гнетуще.
Впрочем, как может быть иначе. Тема определяет. Не всегда понятна логика событий, мешает хаотичность переходов от одной сюжетной линии к другой. Иногда, кажется, что огромный отснятый материал фильма просто подмял под себя автора.
Тем не мене работа молодой актрисы Анастасии Струковой (ей 20 лет) - одна из удач фильма. Она мужественно вынесла на своих плечах практически весь фильм. И сумела убедительно передать состояния молодой мамы. Весь ужас и тяжесть свалившихся на неё неожиданных проблем. Задача очень и очень непростая. Но она с ней, безусловно, справилась. С чем её можно поздравить. Она скупыми, но выразительными средствами убедительно передает смятенное состояние молодой мамы.
С самого начала взяты минорно-напряженные ноты. Крупные планы подросткового лица главной героини монтируются с личиком младенца. Полное ощущение, что это старшая сестра держит младшую сестрёнку - ребенок с ребенком на руках. Но на самом деле это - маленькая мама. Она то бережно держит, обнимает и тетёшкает своего ребёнка, то собирается… продать. К сожалению, подобное явление стало типичной ситуацией современной России. Неслучайно у нас появились бэби-боксы. Криминальная хроника сообщает о квартирах, где обнаружены новые младенцы для продажи за границу. Хорошо, что героиня одумалась и отказалась от продажи. Но, как выясняется, это ненадолго. Финал трагичен и отрыт. Ребёнок оставлен героиней в лесу и может погибнуть.
На этих качелях любви и ненависти к своему ребёнку и выстроен весь фильм. Впрочем, любви в ленте мало. Больше раздражения, обиды, непонимания и болезненного сознания от непомерности физической и моральной ноши, которые легли на плечи девочки-подростка.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


НЕДУГИ И ХВОРИ «ПЕТРОВЫХ В ГРИППЕ»

 

Новый фильм Кирилла Серебренникова «Петровы в гриппе», поставленный по роману екатеринбургского писателя Алексея Сальникова, вызывает противоречивые чувства.
При всем таланте авторов не покидает ощущение льющегося через край ужаса, где каждый персонаж несчастен по-своему. Главный герой — 27-летний автомеханик Петров — заболел гриппом и, желая излечиться, запил давно просроченный аспирин водкой. Что привело к разным приключениям, которые не всегда можно отличить на экране от видений в его сознании. По дороге с работы  он встречает приятеля, они заезжают к другому знакомому. Возлияние продолжается. Видения тоже.
Условность и прихотливость переходов от одного эпизода к другому заставляет недоумевать. Связать все концы сюжетных линий обычному зрителю, не читавшему роман, будет сложно. Не потому что он не дорос до высокого замысла и потаённого смысла, а потому что авторы и не хотели, видимо, разъяснять и более тщательно прописывать мотивы поступков и отношения между персонажами. На одной из встреч со зрителями, отвечая на вопросы про смысл ленты, сам Кирилл Серебренников заметил: «Нужно смотреть несколько раз, сразу все не увидишь», и бросил фразу: «К любому зрителю фильма "Петровы в гриппе" должна прилагаться книжка».
Сомневаюсь, что найдутся желающие пересматривать, мрачные кадры времен 90х годов распада великой державы. Он из серии чернухи, где нет ни одного героя, к которому можно испытывать добрые чувства или симпатию. Лента переполнена раздражением и ненавистью всех ко всем.
Фильм имеет рейтинг 18+ , но, по мнению режиссера, лучше этот фильм смотреть людям старше 21 года. «Мудакам этот фильм смотреть не надо, но это фильм для всех, у кого есть мозг. Я не хочу отсекать каких-то зрителей, фильм для широких масс». Продюсер Илья Стюарт заметил, что это кино «про русскую ДНК» и что фильм продан уже в более 30-ти стран. Если так, то жаль, что по этому фильму будут определять «русскую ДНК» в других странах. Хотя лента снималась в трудных, можно сказать нечеловеческих условиях (может, поэтому вышла такой нечеловеческой), но все равно беспросветность, царящую в ней, это не оправдывает.
Актриса Чулпан Хаматова играет жену Петрова, работающую в районной библиотеке. Конечно, она тоже в гриппе. И в своих фантазиях ведет себя как боец боев без правил. Лихо расправляется с разбушевавшимся поэтом-хулиганом. Совершает кровавое убийство и превращается в вампира. Отвечая на вопросы журналистов, Чулпан рассказала, что группа не могла приехать снимать на Урал, так как у Кирилла Серебренникова в это время шли судебные слушания в Москве. «Мы снимали по ночам. Когда его чуть пораньше отпускали (из суда), то мы успевали снять кусочек дневной сцены».
Тем не менее, автор романа Алексей Сальников считает: «Только увидев фильм, я понял, насколько чокнутый человек это написал. Я не думал, что это будет так визуально впечатлять и действовать шокирующе». На вопрос, принимал ли он участие в съемках, писатель ответил, что он киноязыком не владеет, а владеет более-менее русским языком. (Здесь писатель скромничает. Его книга удостоена премии «НОС» и «Национальный бестселлер»). Поэтому никаких советов по съемке писатель не имел права давать. «Мне Серебренников советов не давал, как книжку писать. Когда я смотрел фильм, я просто офигевал — там, где у меня был переход от безумия к лирике, там он случался и в фильме. У нас с Кириллом получилось совпадение». В свою очередь Серебренников заявил, что Сальников написал выдающийся роман, который войдет в историю отечественной литературы: «Это счастье, что наша земля выдала такое чудо».
Повествование фильма опирается на текст и на пафос книги, которая построена на чередовании глав о Петрове и Петровой, воспоминаний детства главного героя и рассказов о второстепенных персонажах. Один из них - друг Петрова Сергей — молодой и непризнанный писатель, чьи произведения не печатают в журналах. Чтобы пришло признание, он решается на самоубийство, в которое зрителю трудно поверить. Но исполнение самоубийства впечатляет. Написав предсмертные записки, он просит помочь Петрова. Вот он вставил дуло пистолета в рот. Положил палец на спусковой крючок, а Петров его же пальцем нажал на курок, ни минуты не колеблясь.
Смертей, избиений и драк в ленте много. А ведь это все происходит накануне Нового года. Жестокость этих подарков рассыпана щедрой рукой на протяжении двух с половиной часов. И каждый подарок по своему оригинален в своей зловещей красоте. Например, перевозка трупа в автокатафалке тоже имеет метафорический смысл, как лодка Харона, в которой перевозят мертвых. Недаром захмелевшего Петрова собутыльники хотели положить вместо мертвеца в гроб, чтобы он наутро проснулся в гробу и посмеялся над собой и их неожиданной для него шуткой.
При всех мрачных особенностях фильма, он сделан талантливыми авторами. В нем есть своя композиция, в которой трудно, но можно, сделав усилие, разобраться. Есть эпизоды, которые раскрываются с разных сторон из разных состояний персонажей. Что придает безусловную глубину происходящему. Но разбираться в этом болезненном миксте обычному зрителю будет тяжело. Похоже, что режиссер заразил ленту болезнями своего раздраженного на действительность видения, и смотреть её нужно основательно вакцинированным. Иначе заболеешь вместе с героями.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«ЯБЛОКИ» ЦИВИЛИЗАЦИИ

 

Полнометражный дебют греческого режиссера Христоса Нику «Яблоки» - это своеобразное исследование и лекарство одновременно. Во время пандемии, охватившей весь мир, лента особенно актуальна своим внимательным и неторопливым взглядом на то, что с нами происходит во время стремительных и тревожных изменений в мире.
Премьера фильма прошла на открытии конкурсной программы «Горизонты» Венецианского кинофестиваля 2020 года. Возглавившая в прошлом году жюри фестиваля Кейт Бланшет была так потрясена картиной, что в итоге присоединилась к команде фильма в качестве исполнительного продюсера.
Сюжет очень прост и незатейлив. Жителей города накрывает странная болезнь беспамятства. Но как-то очень избирательно. Врачи пытаются вылечить главного героя и других людей. Применяя разные остроумные методики и психотехники. Очень удобный повод заглянуть во внутренний мир человека, понять, что он помнит, какую радость, боль. Так, например известный фрагмент из «Лебединого озера» с вопросом, что напоминает эта музыка. Герой вспоминает неправильно. Или известная песенка на новый год - Джингел бенгс. Тоже ничего не напоминает. Что остается у человека в глубинах памяти при такой амнезии? Вот это и показывает фильм.
«Когда впервые у меня появилась идея фильма, я пытался пережить потерю самого близкого мне человека. Все вопросы, касающиеся личности и потери, памяти и боли, очень сильно занимали меня. Может быть, в глубине души мы не хотим забывать болезненные переживания, потому что без них мы теряем свое существование? И я начал думать над сценарием», - рассказывает режиссер Нику. На экране разворачивается настоящее художественное исследование взаимосвязи эмоций, памяти и современных технологий. В 21 веке очень просто записать и хранить все, что нужно. Все эти технологические достижения сделали наш мозг в чем-то тупее и ленивее, и поэтому люди вспоминают и запоминают все меньше событий и эмоций.
«Жизнь современного человека вращается вокруг интернета. Я хотел, чтобы зритель подумал, передали ли мы свои воспоминания и эмоции чему-то внешнему? Технологии и социальные сети сделали все намного проще. Вам больше не нужно держать все в голове, вы храните свои воспоминания в компьютере или публично показываете в социальных сетях. Но может быть, мы стали жить более плоско и поверхностно?», - задает такие серьезные вопросы автор фильма.
На создание картины автора вдохновили такие сюрреалистичные фильмы, как «Она» (Her, 2013) Спайка Джонсона, «Корпорация «Святые моторы» (Holy Motors, 2012) Леоса Каракса и картины Чарли Кауфмана. В «Яблоках» автор хотел передать свой взгляд на мир под определенным углом, создавая эффект дистанцирования, опираясь на опыт режиссеров этих любимых фильмов. По словам Христоса, снимая историю под призмой притчи, условности, сказочности, главная задача была – сохранить ощущение реального мира. Лента создает знакомый мир в недавнем прошлом, в обществе, где технологии не так еще разрослись и распространились как сегодня. В руках из фотоаппаратов у персонажей поляроид. Нет никаких смартфонов и айфонов. Но ситуация предреволюционная… Общество одиноких людей, где амнезия распространяется как вирус.
Идея этого вируса неизвестного происхождения – перекликается с сюжетами произведений «Чума» Камю и «Слепота» Сарамаго, когда некая пандемия является большой и страшной метафорой. Где болезнь важна не сама по себе, а как влияние на общество и на человеческие качества.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Отзывы иностранной прессы:
«Это загадочная греческая медитация о самоотдаче, которая начинается как фильмы Лантимоса, а в итоге становится забавной, удивительно трогательной вещью».
- Variety.
«Яблоки – это интригующая история с собственным сердцем».
- The New York Times.
«Режиссерский дебют протеже Йоргоса Лантимоса — это удивительный взгляд на память и идентичность в мире, где существует пандемия. Его упрямый стиль подачи подпитывается красотой и уверенностью».
- Next Best Picture.
«Можно бесконечно смотреть на греческую невозмутимость и размышлять над действиями главного героя».
- Rolling Stone.


ТАЙНЫ ОЗЕРА БАЙКАЛ НА РОССИЙСКОМ ЭКРАНЕ

 

В прокат выходит очень необычная лента "Байкал. Удивительные приключения Юмы". Это один из удивительных экранных рассказов о природе вообще и байкальской природе в частности. Документальные съемки сочетаются с поэтическими и художественными кадрами. По сюжету фильм рассказывает о маленькой и отважной нерпе Юме, которая родилась в снежном домике, потом отправляется в одиночку плыть согласно своему древнему инстинкту к знаменитым Ушканьим островам.
Но на самом деле это прекрасный повод в сочетании с изящным сюжетный приемом сделать шаг к экологическому мышлению человека. Именно поэтому особое внимание в фильме уделено союзу человека с природой. Через легенды и мифы древних народов, населяющих берега Байкала - эвенков и бурятов, демонстрируется бережное и нравственное отношение человека к окружающей среде.
Каждый кадр фильма тщательно отобран и выверен. Ничего лишнего все, очень компактно. Ведь просмотр фильма идет один час. Съемки фильма продолжались более пяти лет. 14 экспедиций, современная технология съемки 4К HDR, макросъемка воды и льда и уникальные подводные съемки. Творческую команду консультировали представили Российской академии наук и Русского географического общества, а помогали кинематографистам местные проводники и байкальские старожилы.
Группа приезжала, снимала, возвращалась обратно. Был один земной оператор и целая группа подводных, которым приходилось погружаться в ледяную воду, под лед. Чтобы подстроиться под образ жизни артиста нерпы оператор, снимающий её, спал тут же рядом в спальном мешке, предварительно настроив камеру, а с пяти утра, по миллиметру начинал выбираться из этого мешка, включал камеру и потихоньку снимал. Нерпы чувствуют каждое движение, и очень важно было их не спугнуть. По способу создания – это был настоящий кинематографический подвиг.
В результате лента появилась в необычном жанровом сочетании научно-популярного, документального, игрового художественного кино. Артистами в нём выступают настоящие дикие животные. И благодаря тщательной проработке и усилиям авторов, все играют естественно и блестяще. Ни капли фальши. Если, как говорят герои фильма, вода – путь, лёд – мост, то по нему авторы прошли очень далеко в своем экранном достижении. Ведь снятое просто поражает, точнее завораживает необычностью и красотой съёмок, как под водой, так и на берегу. В фильме даже появляется одна из граней образа лирического героя-повествователя в облике квадрокоптера. Хотя сам образ проявляется и в отточенном тексте, и в музыкально-звуковой партитуре фильма.
Фильм озвучили народные артисты РФ Константин Хабенский и Чулпан Хаматова. Слово озвучка не совсем точное. Это настоящая высоко художественная мелодекламация полная выразительнейших интонаций, где в каждое слово вложена частичка души.
"Этот фильм поднимает все самые интересные пласты, отражающие реальную жизнь и природу Байкала. Именно так можно рассказать о чем-то важном и не потерять внимание зрителя – надеюсь, что он постоянно будет увлечен", - сказал Константин Хабенский. "Байкал. Удивительные приключения Юмы" - это кино-рассказ о великом озере и заповедном чуде природы. Все роли в фильме исполнили настоящие дикие животные. Главная же роль досталась юной байкальской нерпе Юме. Создателям проекта впервые удалось снять байкальских нерп - эндемиков Байкала - в естественной среде обитания. В конце фильма также звучит очень гармонично и выразительно оригинальный саундтрек Басты. Авторы по праву считают свой фильм первым российским документальным семейный блокбастером. На него можно и нужно идти даже с маленькими детьми.

Борис Примочкин


В МОСКВЕ ПРОЙДЕТ САМЫЙ КРУПНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ ТЕАТРАЛЬНЫХ МЕНЕДЖЕРОВ

 

С 27 по 31 мая состоится второй Вахтанговский фестиваль театральных менеджеров (ВФТМ) «Театр 2.1» на базе Государственного академического театра имени Е. Вахтангова, который в этом году отмечает большой юбилей — 100 лет. Вахтанговский фестиваль — самое масштабное просветительское событие в области театрального менеджмента, на котором можно познакомиться с современным, инновационным взглядом на управление процессами и встретить коллег-единомышленников. В нём примут участие 110 спикеров и 500 слушателей, которые представляют 300 театров из 58 регионов РФ, а также из Казахстана, Беларуси, Узбекистана. Руководитель ВФТМ — Кирилл Крок, директор театра имени Е. Вахтангова, один из выдающихся менеджеров в области культуры современной России. Фестиваль пройдет на знаковых площадках Москвы, среди них Театр им. Е. Вахтангова, ГУМ, инновационный центр «Сколково», институт «Strelka», при финансовой поддержке Фонда Президентских грантов, Министерства культуры РФ, Союза театральных деятелей РФ, генерального партнера  — «Ticketland», официального партнера  — компании «Panasonic» и др.
По мнению участников предыдущего фестиваля: «Этот пятидневный форум сродни учебе на пяти курсах университета». Помимо образовательной программы в рамках фестиваля пройдет Вахтанговская премия в области организации театрального дела для молодых специалистов, а также будет подведен итог ВФТМ лабораторий — нового амбициозного формата. В качестве спикеров на фестивале выступят директор Департамента государственной поддержки искусства и народного творчества Министерства культуры РФ Оксана Косарева, руководитель Департамента культуры городаМосквы Александр Кибовский, художественный руководитель Театра на Бронной Константин Богомолов, первый заместитель художественного руководителя — директора МХТ им. А.П.Чехова Марина Андрейкина и др. «Предыдущий год был для всех сложным, и мы старались поддерживать театральных менеджеров со всей страны, находя и разбирая успешные онлайн-кейсы и конкретные наработки. Но меня очень радует, что в этом году у нас появилась возможность живого — именно живого — общения.
Главная задача нашего форума — презентация и разбор успешно реализованных проектов, передача из рук в руки профессионального опыта», — говорит Кирилл Крок.
Спикеры фестиваля — это региональные и московские директора востребованных театров, бизнес-консультанты, талантливые продюсеры независимых проектов, специалисты узкого профиля (интернет-маркетологи, специалисты по инклюзии, фандрайзеры, гастрольные менеджеры) и  представители власти. Они создают заметные проекты и поделятся своими практическими наработками для их дальнейшего развития другими театрами.
Слушатели фестиваля узнают от коллег, как они находят финансирование, организуют фестивали, реализуют и продвигают свои идеи, с конкретными цифрам и последовательностью действий.
Фестиваль формирует основу для структурных изменений отрасли: театральные менеджеры со всей страны знакомятся друг с другом, определяют круг задач и общих проблем, придумывают совместные проекты, выступают с законодательными инициативами. Одной из главных задач фестиваля является выявление и поддержка молодых  талантливых менеджеров. Во второй раз в рамках фестиваля пройдет Вахтанговская премия в области организации театрального дела.
Финалисты премии представят свои проекты, а лучшие из них будут отмечены специальными призами и денежными наградами. В этом году среди номинантов: директор подмосковного театра ФЭСТ Андрей Соколов, коммерческий̆ директор Пермского академического Театра-Театра Егор Мухин, заместитель художественного руководителя Архангельского молодежного театра Анастасия Малевинская. ВФТМ — это площадка для передачи профессиональных знаний, навыков и компетенций. В марте 2021 года совместно с Союзом театральных деятелей России (СТД РФ — ВТО) фестиваль запустили новый поддерживающий формат лабораторий. В них приняли участие 13 театров со всей России. В течение двух месяцев с помощью опытных кураторов они улучшали свою работу в шести направлениях: маркетинг, продажи, юридические аспекты, социальные медиа, фандрайзинг и Tik-Tok.
ВФТМ призван сокращать разрыв между театральными менеджерами со всей страны: начинающими и опытными, столичными и региональными, независимыми и государственными, истеблишментом и новыми именами.
Фестиваль создает поддерживающую среду для театральных менеджеров, формирует пространство для диалога и мотивирует специалистов делать театр доступным, востребованным и прогрессивным явлением современной культуры.
Полная программа фестиваля: http://vftmfest.ru/prog21


«ТУВЕ» - ФИЛЬМ О ТВОРЧЕСТВЕ

 

Фильм «Туве» - необычный смелый фильм о творчестве. Внешне это биографическая драма о создательнице муми-троллей, легендарной художнице и писательнице Туве Янссон. Своеобразная экранизация из серии ЖЗЛ – жизнь замечательных людей. Но рассказанная и показанная художественными средствами кино ХХI века. Примечательно, что над созданием работала команда, в основном состоящая из женщин - режиссер Зайда Бергрот, сценарист Ээва Путро, оператор и художник-постановщик Линда Вассберг. И в нем безусловно есть какое-то безудержное и одновременно очень сдержанное женское начало.
Показывать талантливого человека кажется простым делом. Он светится. Но разглядеть, откуда идет этот свет, который от него исходит, бывает трудно. В фильме это сделано, прежде всего, через решительные поступки героини, её взгляды, телодвижения, придуманные слова… Всем широким арсеналом выразительной игры. Главную роль в фильме замечательно сыграла финская актриса Альма Пёвсти, которая изображает молодую Янссон, находящуюся еще в начале своего творческого пути. Ей удалось так естественно войти в очень неоднозначный характер художницы – упрямой, дерзкой, самостоятельной и одновременно беззащитной – что оторвать глаз от экрана просто невозможно.
Действие фильма «Туве» разворачивается в послевоенном Хельсинки 1945 года, в период становления уникального таланта Туве Янссон. Молодая художница окунается в атмосферу творческой и социальной свободы. Современное искусство, головокружительные вечеринки, открытые отношения с женатым политиком и социалистом Атосом Виртаненом (Шанти Рони) и страстный роман с театральным режиссером Вивикой Бэндлер (Криста Косонен) – яркая и бескомпромиссная жизнь, о которой она грезила в годы войны и которая, наконец, стала реальной. Отдавая всю себя серьезной живописи, Туве развлекается невинными рисунками и историями о лесных невиданных существах. Её знаменитый отец, признанный финский скульптор, не разделяет её увлечение. До такой степени, что ей приходится уйти из семьи, снимать комнату и верить в свой талант. Незаметно сказки о бесстрашных муми-троллях, которые она рассказывала напуганным детям в бомбоубежищах, начинают оживать. То, что начиналось как шалость, приносит Туве международную известность и желанную свободу.
Туве Янссон - Финско-шведская писательница и художница, родилась 9 августа 1914 года в Хельсинки в семье художников (мать иллюстратор, отец скульптор). Янссон достигла всемирной известности как создательница рассказов о Муми-троллях, написанных между 1945 и 1970 годами и до сих пор издающихся более чем на сорока языках. Рожденная в интеллигентной и даже богемной семье, Янссон с юных лет знала, что вырастет художницей. Но и литературный дар открылся в ней очень рано: свой первый рассказ «Сара, Пелле и осьминоги водяных духов» Янссон написала в 14 лет. Правда, опубликован он был только в 1933 году. Янссон получила художественное образование в Швеции и впоследствии выполнила несколько масштабных работ - среди них есть настенные росписи в зданиях мэрий нескольких городов, школе, больнице и даже алтарь церкви города Теува. Некоторое время она также занималась иллюстрацией произведений других авторов, среди них - книги Дж.Р.Р. Толкина и Льюиса Кэрролла. Туве была воспитана вне ограничений, наложенных на женщин в конце викторианской эры. В юности она путешествовала по европейским столицам, совершенствуя свои художественные техники и изучая новые. Когда война охватила континент, Янссон начала работу над написанием и иллюстрацией книги для детей, первой из любимой многими серии фантастических приключений с участием Муми-троллей.
В 1966 году Туве Янссон была награждена медалью Ганса Христиана Андерсена за вклад в развитие детской литературы, а в 1975 году стала кавалером ордена Улыбки.
Авторам картины удалось показать истоки создания персонажей, рассказать, из каких снов, обид, радостей и волнений они возникают. Отношения Туве с Атосом Виртаненом, ее первая любовь к женщине, балансирование между карьерой художницы и написанием книг о муми-троллях, непростые отношения с суровым отцом-скульптором – все это снято взволнованно и с большими любовью и вниманием к личности героини.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Постер https://drive.google.com/file/d/1A76Q15IbCMX6sWWxMbrqz0uG-5Nbiglw/view?usp


ВАХТАНГОВСКИЙ ГАЛОПАД

 

или
новая постановка «Мёртвых душ»

Московский Театр имени Евгения Вахтангова в свой юбилейный сотый сезон представил на Основной сцене новый, ни на что прежнее не похожий спектакль "Мертвые души" по мотивам поэмы Н.В. Гоголя в постановке режиссера Владимира Иванова. В постановке все необычно. Хотя на сцене всего два актёра, но играют они почти всех героев поэмы. Трудно поверить, что можно так стремительно перевоплощаться на протяжении двух с лишним часов и «оживлять» хорошо знакомых каждому с детства персонажей, показывая их так, как раньше не видели и не знали.
В спектакле заняты народная артистка России Мария Аронова и актер Владислав Гандрабура. Действие завораживает фейерверком фантастических костюмов, масок, декораций, колясок и каких-то неземных шумов и музыки. Одним словом, все переливается живописными актерско-режиссерскими красками. На глазах меняются маски, роли и образы, иногда становясь авторским голосом самого Гоголя. Текст писателя – это, по сути, главный герой спектакля. Он звучит не только из уст артистов, но и является главным элементом декорационного оформления. Рукопись знаменитой поэмы проступает на стенах и полу сцены. «Мертвые души» оживают, как никогда, живо, иронично, с какой-то удивительной внезапностью.
Образ Чичикова не только не стареет, но становится еще более современным, обогащаясь предсказанными Гоголем продолжениями. Чиновники все так же жадно берут взятки. И отдельные раскаты скандалов доносятся до нас телевизионными сюжетами. То один чиновник-министр на скамье подсудимых оказывается, то другой к ним примыкает, то один полковник ФСБ, то другой. Та же история с губернаторами…
Схемы мошенничества меняются. Но суть - работа по скупке мертвых душ (почивших крепостных, учтенных в качестве живых при последней ревизии) – остается той же. У всех рыльце в пушку. Помещики удивлены просьбами предприимчивого знакомца, но рады избавиться от обузы — ведь они платят налоги за учтенных в ревизских сказках крестьян, как за живых. Их не интересует, что в дальнейшем обаятельный Павел Иванович планирует совершить с купчими ряд махинаций и сказочно обогатиться. Фактически вступают с ним в сговор. При неповоротливости государства.
В постоянной сменяемости ролей есть свой глубокий смысл. То Мария Аронова становится Чичиковым. То Владислав Гандрабура играет Павла Ивановича. Такие же превращения происходят с Маниловым, Собакевичем, Плюшкиным, Коробочкой…
За волшебной легкостью игры актёров стоят фундаментальная школа и опыт. Творческие успехи Ароновой неразрывно связаны с именем ее педагога по Щукинскому училищу - профессора кафедры мастерства актера Владимира Иванова. Лучшие ее роли созданы, как раз, в его спектаклях. "Когда Бог дарит тебе таких педагогов, это фантастический лотерейный билет! Я не стану говорить о том, что в своем возрасте, при двух детях, будучи уже бабкой, встаю, когда он входит ко мне в гримерку. Он продолжает оставаться для меня учителем", - считает актриса.
В подзаголовке программы есть своеобразное уточнение жанра: «Галопад в двух действиях». Это определение связано с одним очень символичным фрагментом в гоголевском тексте. Он, как бы, прописан в проброс, как случайно подвернувшееся словцо: «Галопад летел во всю пропалую: почтмейстерша, капитан-исправник, дама с голубым пером, дама с белым пером, грузинский князь Чипхайхилидзев, чиновник из Петербурга, чиновник из Москвы, француз Куку, Перхуновский, Беребендовский — всё поднялось и понеслось». И, действительно, это некое летящее в стремительном темпе представление, которое нам предлагают авторы, просто завораживает. В нём прячется метафора странного веселого и грустного танца. Такого мы еще не видели.
Галопад (от французского galopade) — бальный танец в быстром темпе, впервые в России упомянут в «Правилах для благородных общественных танцев» в 1825 году. Описание галопада в поэме Гоголя создает ощущение несущейся в невероятном вихре жизни, потерявшей надёжную точку опоры.
Первоначально, по словам режиссера, спектакль проходил под этим рабочим названием «Галопад», но потом остановились на более традиционном и всем хорошо знакомом «Мертвые души». Тем не менее, галопад — особая пляска, в которой кавалер с дамой, обняв друг друга, скачут галопом оба вместе в радостном экстазе. В этой фразе, в этом определении смысл и квинтэссенция идеи, и нерв спектакля, который безусловно стал максимальным гимном актёрству при минимуме исполнителей.
В своей истории Вахтанговский театр шесть раз обращался к произведениям Н.В. Гоголя. В 1924 году Ю.А. Завадский поставил «Женитьбу», в 1939 г. Б.Е. Захава обратился к «Ревизору», в 1978 г. А.И. Ремизова выпустила «Дела давно минувших дней» (композицию по произведениям Гоголя «Игроки» и «Театральный разъезд»). В 2002 году был выпущен первый спектакль Римаса Туминаса на Вахтанговской сцене – «Ревизор». В 2009 г. появился моноспектакль Юрия Краскова «Записки сумасшедшего» (руководитель постановки – Римас Туминас). В Малом зале в 2013 году состоялась премьера «Женитьбы» в постановке Сергея Кутасова. Таким образом, «Мёртвые души» – седьмая гоголевская постановка в Театре имени Евгения Вахтангова – достойное продолжение его славных традиций, идущих от прошлых вахтанговских достижений... Да и само слово галопад удачно рифмуется с бурным весенним водопадом, осенним листопадом и, конечно, звездопадом и каскадом находок, где счастливо сочетаются жанры комедии, буффонады, драмы с виртуозной актёрской игрой, фантастических костюмов, восхитительной музыки, явно идущих от традиции и новаторства спектакля «Принцесса Турандот».

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


«ГНЕВ ЧЕЛОВЕЧЕСКИЙ» - НОВЫЙ БОЕВИК ГАЯ РИЧИ

 

У главного героя нового фильма Гая Ричи, роль которого со сдержанной яростью исполняет Джейсон Стэйтем, гневное лицо. И название боевика - «Гнев человеческий» соответствует теме фильма. Сценарий опирается на криминальную драму французского режиссера Николя Бухрифа 2004 года «Инкассатор». Кстати, это название больше подошло бы по сравнению с тем, что идет в прокате.
Фильм намерено снят в мрачной тональности. Хотя он цветной, но остается ощущение, что он черно-белый. Разговоры и шутки героев пронизаны скрытым тревожным напряжением и недоверием, готовым выплеснуться в любой момент кулачной дракой. Вместо драки начинаются перестрелки, где кровь льётся рекой. Одна банда сменяет другую. Однообразное нападение на инкассаторские машины просто удручает.
При этом технология перевозок показана достаточно детально. А сам фильм порой переходит в инструкцию по ограблению бронированных машин. Обычно дорога перекрывается. В салон броневика бросается граната со слезоточивым газом, инкассаторы вынуждены открыть дверь, их кладут лицом вниз на асфальт, перегружаются мешки. грабители уезжают… Вот такой взрывной триллер. Эта нехитрая схема усложнена мотивом мести отца, который выясняет, кто и как убил его сына.
Конечно, жанр боевика не предполагает особенно тонких психологических мотивировок в действиях персонажей. Но в «Гневе человеческом» этого нет даже в помине. Отношения отца и сына просто не показаны. Трудно поверить, что суровый герой способен кого-то любить. Он может только ненавидеть и выразительно мстить. Этому и подчинено всё динамичное развитию сюжета. Где главные герои – перестрелка и ожидание того, кто, как, кого и когда убьёт. К сожалению, это слишком скучно.

Борис Примочкин


КОМЕДИЯ ЛОПЕ ДЕ ВЕГА «ДУРОЧКА»

 

В театре Вахтангова с успехом прошла премьера одной из лучших комедий испанского драматурга.
«Дурочка», созданная в период наивысшего расцвета таланта Лопе де Веги, одна из немногих пьес драматурга, дошедших до нас в авторской рукописи. Датированная 28 апреля 1613 г., она впервые была опубликована в 1617 году. Внимание к ней неоднократно привлекало многие театры. И до сих пор пьеса смотрится актуально и современно.
Феликс Лопе де Вега и Карпио, современник Шекспира, родился 25 октября 1562 года в Мадриде. Его литературное дарование проявилось чрезвычайно рано — уже в 13 лет он написал свою первую пьесу «Истинный любовник». По собственному свидетельству драматурга количество созданных им пьес превышает 800 (по подсчётам исследователей – и того больше), до нас дошло более 400. Самые знаменитые его пьесы – «Учитель танцев», «Собака на сене», «Валенсианская вдова», «Девушка с кувшином», «Фуэнте Овехуна», «Дурочка» и многие другие – обошли театральные подмостки всего мира.
В 1934 году её поставил в Буэнос-Айресе Федерико Гарсиа Лорка, он так сказал о пьесе: «Дурочка — это зеркала и золотые скрипки. И девочка, которая, стоя на цыпочках, хочет дотянуться до самой высокой розы».
И вот теперь спектакль продолжился в проекте режиссёрской Мастерской Римаса Туминаса «Театральные параллели.
Путешествие в четырёх частях».
Анатолий Шульев, режиссёр-постановщик спектакля «Дурочка», считает, что тайна молодости пьесы в ней самой. Потому что она о молодости, любви, о противоречивых чувствах и поступках так свойственных юности. Но не только. Ещё она про столкновение поколений и разных взглядов на жизнь. Одинокий отец Октавьо – это старый патриархальный мир, в котором «наука женщины – рожать детей и молчаливой быть», и он сталкивается с миром своих юных дочерей, каждая из которых по-своему отстаивает свои права на личность: одна совершенствует ум, другая прячется под маской наивности в своих мечтах. Отец в ужасе перед абсолютным непониманием женской природы. И, конечно, он только и думает о том, как поскорее выдать дочерей замуж. В создании спектакля вместе с режиссёром-постановщиком Анатолием Шульевым приняли участие: Мариус Яцовскис (сценография), Мария Данилова (костюмы), Полина Шульева (композитор), Руслан Майоров (художник по свету), Евдокия Прошакова (помощник режиссёра).
В ролях: Екатерина Крамзина, Олег Форостенко, Ксения Кубасова, Александр Галочкин, Константин Белошапка, Рубен Симонов, Ольга Боровская, Евгения Ивашова, Владислав Гандрабура, Денис Самойлов, Евгений Пилюгин.
Спектакль продолжает каскад интересных постановок вслед за «Легендой о Хромоножке» Б. Бьёрнсона в постановке Владимира Бельдияна и «Войцеком» Г. Бюхнера в постановке Хуго Эрикссена. «Дурочка» стала третьей частью театрального цикла, приуроченного к 100-летию Вахтанговского театра. Завершит цикл «Саломея» О. Уайльда в постановке Гульназ Балпеисовой.

Борис Примочкин

Наша справка. Анатолий Шульев – выпускник актёрско-режиссёрского курса Н.И. Дворжецкой и Р.В. Туминаса в Театральном институте имени Бориса Щукина (2016 г.). Его дипломный спектакль «Король умирает» по пьесе Э. Ионеско был показан на Новой сцене Вахтанговского театра, а также стал участником фестивалей «Tylos» в Вильнюсе (Литва) и «M.art.контакт» в Могилёве (Белоруссия). В декабре 2017 на Симоновской сцене Театра Вахтангова поставил новеллу «Принуждение» в спектакле «Стефан Цвейг. Новеллы».
Осуществил постановки спектаклей: «Я была в доме и ждала…» по пьесе Ж.-Л. Лагарса, «Бешеные деньги» А.Н. Островского, «ДонЖуан» по пьесе Ж.-Б. Мольера, «Старший сын» А. Вампилова, «Как важно быть серьёзным» О. Уайлда — в Театре имени Маяковского; «Гедда Габлер» по пьесе Г. Ибсена — в Театре им. Пушкина; «Кто убил Фёдора Павловича» (по мотивам одиннадцатой книги «Братьев Карамазовых» Ф.М. Достоевского) — ГИТИС, мастерская Миндаугаса Карбаускиса.


ЖЕРНОВА ЧЕРНОБЫЛЬСКОЙ ТРАГЕДИИ НА ЭКРАНЕ

 

Первые кадры фильма-катастрофы «Чернобыль» сразу захватывают своей стремительной и тревожной живописностью. Оторваться от экрана невозможно. Алексей Карпушин в исполнение Даниила Козловского (он же режиссер) играет выразительными яркими мазками того человека, который войдет в ядерное пекло. Алексей – пожарник. Уже собирается жениться на своей девушке Ольге (Оксана Акиншина). В прошлом у них уже были отношения, но тогда Алексей упустил свой шанс. Теперь все должно получится… Мирная будничная и хорошо знакомая до мельчайших деталей жизнь. Теплый и ласковый апрель 1986 года. Люди, одежда, машины, атмосфера на улицах… Все хорошо узнаваемо. И вдруг авария на Чернобыльской АЭС.
Взрыв реактора грозит смертью не только тысячам людей, оказавшихся в зоне радиационного поражения. Возможен и второй взрыв, чудовищные последствия которого могут быть несоизмеримо больше и для России, и для других стран. Чтобы предотвратить катастрофу, надо спуститься под ядерный реактор, открыть заглушку трубы. Ведь вода нагревается с каждым днем все больше. Технические помещения затоплены, повсюду радиация. Алексей оказывается одним из тех немногих, кто знает другой путь под ядерный реактор.
После взрыва активная зона четвертого реактора продолжала плавиться. Под тоннами расплавленного радиоактивного материала находился огромный резервуар с водой. Активная зона реактора медленно прожигает отделяющую ее от воды плиту, спускаясь к ней в тлеющем потоке расплавленного металла. Коснись она воды, произойдёт массивный, загрязненный радиацией паровой взрыв невероятной мощности, который разошелся бы по всей Европе. Было решено, что в затопленные камеры четвертого реактора отправятся три добровольца, чтобы открыть запорные клапаны и выпустить воду. В каждом кадре чувствуется тщательная инженерная проработка.
Продюсер фильма Александр Роднянский был реальным свидетелем, разворачивающейся катастрофы. Впервые приехал туда на пятый день после случившегося, как режиссер-документалист, у него даже есть удостоверение ликвидатора. Поэтому хорошо знакомый с деталями чернобыльских событий он несколько раз пытался подступиться к большому игровому фильму о трагедии, последствия которой оказали влияние на судьбу огромной страны. Создатели фильма сфокусировались не на попытке исследовать причины аварии - они более или менее очевидны - но прежде всего воссоздать эмоциональную картину состояния тех людей, судьбы которых эта авария либо сломала, либо круто изменила.
Главные герои фильма - люди разных профессий, они живут рутинной, привычной жизнью. Столкнувшись с аварией, они оказались в положении, которое требовало от них удивительного самопожертвования, они оказались в обстоятельствах, когда человеческие характеры проявлялись очень по-разному: Авторы показали, что заставляет обычных людей, которым в повседневной жизни не всегда хватает порядочности и смелости, идти на подвиг, жертвовать своим здоровьем и жизнью. О событиях на Чернобыльской АЭС есть огромное количество воспоминаний и свидетельств – тысячи статей, книг, архивных кадров. Чтобы как-то упорядочить такой объем информации, авторы фильма создали специальный онлайн-ресурс, куда складывали документы, способные вдохновить команду проекта: фотографии, документальные и художественные фильмы, книги, воспоминания.
Создатели картины лично общались с ликвидаторами и очевидцами аварии, в том числе пожарными, врачами, инженерами. И каждая такая встреча, каждый изученный документ, по словам Данилы Козловского, были по-своему запоминающимися: “Есть душераздирающее интервью врача клинической больницы №6 в Москве, которая вспоминает, как к ним привезли первых пожарных, особенно сильно пострадавших во время тушения взорвавшегося энергоблока. Она рассказывала, что приехали веселые и смешные молодых ребята, которые все время шутили – но «мы-то понимали, что они скоро умрут”.
Создатели картины обращались за консультациями ко множеству самых разных специалистов, включая инженеров атомных станций, а также сами посещали действующие АЭС, чтобы своими глазами увидеть функционал различных подразделений станции, узнать, кто именно там работает и за что отвечает.
Значительная часть съемок прошла на территории Курской атомной электростанции. Чтобы еще глубже вовлечь зрителя в происходящее на экране и сделать изображение эффектнее и ярче, при создании сцены пожара активно использовалась съемка ручной камерой. “Было непросто, так как важно было показать не только масштаб происходящего, но и то, что чувствуют в этот момент находящиеся на пожаре люди – требовалось все время держать во внимании развитие линий персонажей, следить за их эмоциями. Но, конечно, это и очень интересно – я вообще очень люблю ручную камеру”, - рассказывает оператор-постановщик Ксения Середа. Работа над подводными сценами, которые занимают около 15 минут действия фильма, началась с серьезной подготовки. Все участники съемок, включая и оператора-постановщика, прошли теоретический и практический курс подводного плавания, который длился несколько месяцев, и получили соответствующие сертификаты.
Как и в любой серьезной и масштабной исторической картине много усилий съемочной группы было направлено на то, чтобы в точности воссоздать атмосферу эпохи. Разработка проекта с художниками началась за полтора года до съемок, а непосредственная подготовка к съемкам и подбор костюмов и реквизита – за полгода. Художникам удалось собрать тысячи единиц подлинных исторических артефактов: часов, очков, ручек, сигарет, бутылок, пепельниц, чертежей, фотографий, печатных машинок, телевизоров, видеомагнитофонов и дозиметров разных размеров. Приметы эпохи можно увидеть в фильме везде – от кухни до штаба ликвидаторов.
Особое место в фильме занимает ярко написанная и необычная музыка. Чтобы сконцентрировать внимание зрителя на истории “маленького человека”, оказавшегося в самом пекле масштабной катастрофы, композитор Олег Карпачев при работе над музыкой выделял один солирующий инструмент на фоне гремящего оркестра. Более того, в манере исполнения музыкантов было нечто необычное, призванное еще ярче подчеркнуть нерв картины. Рассказывая о своей работе Олег использовал различные приёмы. «Во время сцены пожара было важно, чтобы музыка не звучала «рафинированно», чтобы условная скрипка не звучала так, как будто на ней играет мастер. Чтобы добиться такого эффекта, я использовал разные приемы: быстрые пассажи, недостаток чистоты, исполнение, при котором скрипка “плавает” в тоне и специально где-то не попадает в ноты, создавая ощущение дополнительного напряжения. Ведь в этот момент у героя нет ни секунды передышки, он сам – как натянутая струна. Я просил музыкантов исполнять оркестровые партии с очень странными артикуляциями, представлять, что у них болезнь Паркинсона, чтобы дрожала рука. Когда все это набирается в сумме, то получается удивительная структура разрушающегося аккорда, который сам по себе достаточно красив, но за счет того, что тембры ограничены до крайности, до безумия, то создается ощущение, что мы находимся на пределе эмоционального накала. А еще среди авангардных музыкантов существует забавная техника, когда они меняют руки местами, и в результате структура исполнения получается рваной. Когда так играет целый оркестр, рождается удивительно красивая и интересная фактура».
Для создания музыки к подводным сценам Олег Карпачев также использовал необычный подход. Чтобы добиться нужного “звучания” воды и затопленной атомной станции, он собственными руками создал не имеющие аналогов необычные музыкальные инструменты, которые издавали странные звуки в духе экспериментального музыкального направления “индастриал”.
Весь этот оркестр выразительных художественных средств позволил эмоционально ярко показать как жернова трагедии втягивают в себя человеческие жизни. И как важно не допускать этого никогда впредь. Иначе бездны нашей технической увы не столь совершенной цивилизации могут опять распахнуться перед нами.

Борис Примочкин

ФАКТЫ О ФИЛЬМЕ
● Авария на Чернобыльской атомной электростанции произошла 26 апреля 1986 года. Взрыв, прогремевший на 4-м энергоблоке, полностью разрушил ядерный реактор, после чего из расположенной вокруг станции 30-километровой «зоны отчуждения» было срочно эвакуировано более 100 тысяч человек. Эта территория до сих пор считается непригодной для проживания. Причиной взрыва стало сочетание нескольких факторов, связанных с обеспечением безопасности работы станции.
● В ликвидации аварии приняло участие свыше 600 тысяч человек. Точное количество непосредственных жертв подсчитать невозможно: оно варьируется от 50 до 4000. Авария на Чернобыльской АЭС до сих пор считается крупнейшей в истории атомной энергетики. После нее строительство новых АЭС во всем мире было надолго прекращено.
● Продюсер фильма «Чернобыль» Александр Роднянский видел последствия взрыва и эвакуацию своими глазами, так как работал в Припяти и снимал происходящее на документальную камеру.
● Николай Козак, исполнитель одной из главных ролей, в 1986 году проходил службу в армии и вызывался ехать в Киев, но отправлен туда не был. Тех сослуживцев, кого все-таки направили на место событий, Николай больше никогда не видел.
● Съемки фильма проходили летом 2019 года на закрытых объектах АЭС в Курчатове (Курская область), в студийных павильонах в Москве, на территории знаменитой венгерской киностудии Origo Studios в Будапеште, а также в Хорватии.
● В создании “Чернобыля” участвовало свыше 300 членов съемочной группы, не считая многочисленных консультантов.
● В некоторых эпизодах было задействовано до 500 актеров массовых сцен.
● При работе над сценой пожара на станции, снимавшейся на действующей АЭС, использовали около 400 газовых горелок.
● Чтобы участвовать в подводных съемках без дублеров, актеры прошли курсы дайвинга и получили соответствующие сертификаты. Оператор-постановщик Ксения Середа и ее команда также прошли подготовку и лично совершали погружения.
● Во время летних съемок в Венгрии температура воздуха в павильоне, дополнительно нагретого осветительными приборами, достигала +52°C.
● Все герои в кадре носят только аутентичную одежду 1980-х годов. Яркая рубашка героя Данилы Козловского – ровесница актера.
● Художник по пластическому гриму Алексей Ивченко создал для работы над “Чернобылем” альбом, в котором отразил все стадии поражения героев лучевой болезнью. Всего существует порядка 100 видов лучевых ожогов.


 

«ВЕЛИКИЙ»
Духоподъемная драма
от продюсера «ДЖОБС: ИМПЕРИЯ СОБЛАЗНА» и «ХАТИКО. САМЫЙ ВЕРНЫЙ ДРУГ»



Джонни Депп в роли знаменитого фотографа Юджина Смита и Билл Найи в роли редактора журнала Life


Основано на реальном событии, которое потрясло мир

Гала-премьера состоялась на Берлинском кинофестивале 2020 г.


В основе фильма – реальная история фотографа Юджина Смита, который отправился делать репортаж из японского городка Минамата. Но это не просто рассказ о невероятно яркой жизни знаменитого фотографа.
Это картина затрагивает сразу несколько актуальных для каждого человека проблемах экологии и защите окружающей среды, которые сегодня волнуют все человечество. Фильм демонстрирует к каким катастрофическим последствиям приводит безответственность и жадность корпораций, готовых использовать любые средства для достижения своих прибылей. Также эта история остро ставит вопросы социальной несправедливости, классового неравенства, незащищенности простых людей перед лицом всемогущих бизнесменов и чиновников.
И, конечно, это фильм о действенности «теории малых дел». Когда старания одного человека способны изменить мир. А благодаря объединению усилий разных людей против «темных сил», добро и правда могут победить.


«Я пытаюсь отдать тот голос, который у меня есть, тем, у кого голоса нет»

Уильям Юджин Смит


«Фотография – это, казалось бы, тихий и незаметный голос, но иногда один кадр может сделать громкое заявление, взволновать людей, обострить их чувства и привести к осознанию реального масштаба трагедии».

Джонни Депп


ЦИТАТЫ ИЗ ФИЛЬМА

«Когда делаешь снимок, концентрируйся на том, какую фотографию ты хочешь сделать, на том, что ты хочешь сказать». Юджин Смит в исполнении Джонни Деппа

«Коренные американцы верили, что фотография в буквальном смысле забирает часть души у человека. Но они также забирают часть души фотографа». Юджин Смит в исполнении Джонни Деппа

«15 лет они знали….знали, что отравляют людей каждый день». Айлин (будущая жена Юджина Смита) в исполнении Минами

«Сегодня мы победили. Но война продолжается. Мы должны продолжать бороться, наши дети должны продолжать бороться, чтобы у их детей было то, за что они смогут бороться. Наберитесь сил, ведь нас ждут великие дела, мы будем сражаться за тех, кто противостоять злу не в силах». Лидер протестующих Митсуо Ямазаки в исполнении Хироюки Санада

«Мне нужны эти фотографии, мне нужна эта история. Ты должен рассказать ее так, как никто другой. Я ставлю на карту репутацию самого могущественного журнала в мире». Редактор журнала Life Роберт Хейс в исполнении Билла Найи

«В нашем мире так много тех, кто нуждается в лекарствах, одежде и удобрениях, которые мы производим. И у вас есть выбор, поверить нескольким рыбакам, утверждающим, что они пострадали от наших методов, или нет». Глава Chisso Company Дзюничи Нодзима в исполнении Дзюна Кунимуры

ЖАНР: Духоподъемная драма

РЕЖИССЕР: Эндрю Левитас

В ГЛАВНЫХ РОЛЯХ: Джонни Депп («ПИРАТЫ КАРИБСКОГО МОРЯ», «МЕРТВЕЦ») играет знаменитого фотографа Юджина Смита, а Билл Найи («РЕАЛЬНАЯ ЛЮБОВЬ», «РОК-ВОЛНА») – редактора журнала Life


ЗОЖ – НА ЭКРАНЕ И В ЖИЗНИ

 

Новые технологии открыли новые профессии. Одна из наиболее популярных – блогер. Необычная смесь журналиста, рекламщика и любимца публики. Точнее сказать, подписчиков в интернете. А у из фильма «ЗОЖ» (здоровый образ жизни) подписчиков больше 600 000. Она выглядит идеально, ведет регулярно фитнес-тренинги. В сети ее боготворят, но в жизни девушка одинока. Нет понимания с близкими, даже с матерью. Однажды в порыве чувств она записывает очень личный ролик, где со слезами на глазах признается, что у нее нет парня. Видео становится вирусным, и вскоре у Сильвии парень появляется …
Авторы ленты вышли на очень востребованную тему. Попытались рассказать правдиво и честно о современной молодой девушке на волне её успеха. На ее месте вполне могла быть, например, популярная в нашей стране Бузова (7 000 000 подписчиков), которая ненадолго вышла замуж и быстро развелась.
Выворачивать свою личную жизнь наизнанку - занятие непростое. Писатель, артист, художник прячутся за своими персонажами. А тут с утра и до вечера идет прямой репортаж о каждом шаге. Что поела, что купила и почему, куда пошла и кого встретила… Из её поступков перед зрителем складывается весь её мир и характер. Прагматичный, жесткий, избалованный вниманием, очень гордый, знающий себе цену. И очень беспомощный, когда у нее появляется фанат-преследователь, караулящий её перед домом, по-своему влюбленный в неё… И тут крепко выстроенный остов судьбы начинает качаться, уверенность и апломб тают. Происходит самое интересное. Появляется правда человеческого сердца. Смотреть на это нельзя без сочувствия и содрогания. И за это обнажение души нужно поблагодарить авторов.
Во второй половине фильма появляется как бы эпизодический персонаж. Одинокий мужчина, который очень своеобразно влюбляется в героиню и начинает маниакально следить за ней. Кстати, этот персонаж был вдохновлен реальным преследователем известной актрисы и звезды Бьорк. Любовь его граничила с патологическим желанием убить актрису. Он тоже получал удовольствие от показа и рассказа о своих эмоциях. И здесь как бы одно обнажение притянуло другое. Что из этого вышло - лучше посмотреть своими глазами. Но это потребует внимания и мужества. В любом случае Сильвия (её роль блестяще сыграла актриса Магдалена Колесник) – это метафора всех знаменитостей социальных сетей. А новые технологии в сочетании с пытливым взглядом художника открывают новые стороны очень непростой жизни в ХХI веке.
Режиссёр и автор сценария фильма Магнус фон Хорн создал свою ленту из обычных наблюдений, когда начал следить за страничкой одной девушки, известного фитнес-мотиватора. Это был непрерывный личностный стриптиз. Фотографии, видео, комментарии, которые она выкладывала каждый день, лились непрерывным потоком. Вся жизнь в мельчайших подробностях ложилась в сеть - начиная от поездки домой с работы, разговоров о головной боли, эмоциональных проблемах, заканчивая съемкой ужина и своего тела в зеркале.
Публиковать свою личную жизнью – стало новой профессией. А чем это может кончиться? Куда ведет такой образ жизни? Есть ли в нем опасность? Вот на эти серьезные вопросы пытается ответить фильм.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


СТО ПРИЧИН ПОЛЮБИТЬ «РОЗОВОЕ ОБЛАКО»

 

Научно-фантастический фильм Юли Жербази «Розовое облако» пытается предупредить человечество о нависшей над ним угрозе. После пандемии опасного вируса это предупреждение выглядит более чем актуально.
Когда молодая пара только познакомилась на вечеринке, на Бразилию опустились с виду очень милые розовые облака. Люди, вышедшие на улицу ранним утром, падают от них замертво. На малых и больших экранах тревожные надписи: «Покинув свое жилище, вы умрете через десять секунд». Правительство настоятельно рекомендует оставаться в своих квартирах. Люди по всему миру вынуждены уединиться с теми, с кем оказались в компании накануне вечером. Кто-то проведет ближайшее время с семьей. Кто-то — с друзьями, невольно оставшись в гостях. Кто-то — в одиночестве.
Джованна (Рената де Лелис) просыпается в одном доме с Яго (Эдуардо Мендонса). Первое знакомство прошло неудачно: пьяный флирт, праздное веселье, отношения, в лучшем случае, на одну ночь. После пробуждения они расстались бы навсегда, позабыв про эту встречу, но Джованну и Яго лишают выбора, — обстоятельства диктуют условия. Неловкие предположения, что взаперти человечество останется до зимы, сменяются другими сезонными надеждами. Вскоре будет организована доставка еды и лекарств по специальным трубам, подведенным к окнам квартир. Появится первое поколение, рожденное и выросшее «в домашних условиях», дети не будут знать, каково оказаться на природе, замещая все впечатления от реального мира экраном своего ноутбука.
«Розовое облако» было задумано задолго до пандемии. Сценарий был написан в 2017-ом году, съемки прошли в 2019-ом. Многие критики впоследствии напишут, что фильм Жербази, очевидно, станет одним из этапных в экранном осмыслении мотива самоизоляции в кинематографе «эпохи ковида». Авторы рассказывают горькую притчу о женщине, стесненной и ограниченной навязанными реалиями, вынужденной завести семью, смириться и полюбить розовое облако. Её ребенок, рожденный в квартирной ванне, пишет ей школьное сочинение. Сто причин – почему я полюбил облако. Заточения — лишь сюжетная условность. Режиссер увлечена исследованием характеров и поведенческих моделей людей, столкнувшихся лицом к лицу с грядущим одиночеством. Зритель наблюдает полноценную историю спонтанных отношений, все основные стадии от зарождения до кризиса и последующих попыток начать все сначала.
Общение с родными и близкими по видеосвязи, вязкое течение времени, уклад, ориентированный на службу доставки, освоение удаленных работ и, наконец, точка невозврата, когда Джованна перестает, вместе со зрителем, понимать, сколько на самом деле прошло недель с начала изоляции, ориентируясь только на то, как сильно изменилась она сама и риторика в сводках новостей. Все это хорошо узнается после проведения режима изоляции. который был и остается во многих странах.
Картина уже получила более четырех десятков положительных отзывов критиков со всего мира, многочисленные упоминания в списках лучших премьер прошедшего в январе кинофестиваля «Сандэнс» и статус одного из наиболее заметных дебютов этого года. Рассказанная в картине фантастическая история самоизоляции молодой пары, случайно познакомившейся на вечеринке накануне вечером, способна взволновать и отозваться в сердце каждого человека. Во время работы над сценарием режиссер вспоминал «Ангел-истребитель» Бунюэля и «За закрытыми дверями» Сартра. Мягкий розовый цвет, интуитивно кажущийся безобидным, душит героев. В 2019 году новая реальность пандемии позволила съемочной группе ощутить себя героями не фантастического, а вполне реалистического фильма. Но все же происходящее в Облаке много жестче и опаснее того, что было с нашей изоляцией. И поэтому фильм становится настоящим предупреждением, заглянув без сантиментов в правду завтрашнего дня. Если человечество все же хочет продолжать свое существование на планете, ему стоит задуматься, как жить дальше.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

ОТЗЫВЫ ПРЕССЫ
«В кадре огромное значение приобретают виртуальные средства связи и службы доставки. И доставка эта бесконтактная — тут вообще без комментариев. Все это — не о смертельном облаке, а о монотонности существования, к которой оно привело человечество». Марина Латышева, Forbes
«Зритель проходит вместе с этими людьми все нюансы их отношений - от любви до ненависти и обратно, от нежелания понять друг друга до примирения, от компромиссов до разделений. В картине очень сильные диалоги, и ее хочется пересматривать снова и снова». Сусанна Альперина, Российская газета
«То, что предстает на экране, с удивительной точностью перекликается с особенностями жизни и массовой психологии в условиях пандемии коронавируса».
«Наступит ли у героев этой грустной драмы осознание полной бессмысленности суррогатной жизни?» Олег Сулькин, Голос Америки


ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ПРАВДА «МИФИЧЕСКОГО МУЖА И ЕГО СОБАКИ»

 

Рассказать о творческой лаборатории гениального драматурга - задача художественно крайне дерзкая и сложная. Но МХАТ им. М. Горького в своем 123-ем сезоне решил её совершенно блестяще. Пьесы Чехова идут во всем мире вот уже более века. Но сам он и его близкое окружение на сцене появляются редко. И вот неожиданное знакомство. Новый спектакль «Мифический муж и его собака» в год своего восьмидесятилетия поставил заслуженный артист РСФСР, театральный режиссер и педагог Сергей Десницкий. Несмотря на возраст, поставил молодо, тонко и очень по-чеховски.
Потолок сцены сделан в форме раскрытой книги. Так зрители сразу оказываются под книжным небом чеховских страниц. Обстановка на сцене скромная. Стул, письменный стол. Сам Чехов также скромно одет и выглядит нетрадиционно: без привычного пенсне, шляпы, бородки. Сидит молодой красивый мужчина (Юрий Ракович) и штопает дырку на своем носке. Хотя жена посоветовала - надевать носок на другую ногу, где дырка не так заметна. Действие пронизано такими бытовыми, но значимыми для понимания характеров персонажей мелочами. При этом ведется живой разговор. На другой стороне сцены Ольга (Наталья Медведева) в красивом платье, с букетом цветов от поклонников.
Личная жизнь гения всегда интересна. Особенно моменты рождения его необыкновенных творений. С чего они начинаются, как продолжаются и понимаются современной публикой. Сплетение личного и творческого в драме раскрывается деликатными, но откровенными прикосновениями к биографии писателя. Мы как бы погружаемся из внешнего поверхностного знания в глубину, под воду реальных чувств персонажей. У каждого есть своя логика интересов, чувств, пониманий происходящего.
Когда-то мы видели спектакль вахтанговского театра «Насмешливое мое счастье». О взаимоотношениях Чехова и Лики Мизиновой. По сравнению с ним новая постановка выглядит интересней и драматичней по своим режиссерским решениям. Например, очень эффектно смотрится включение фрагментов из специально снятых для спектакля небольших киноисторий, выполненных в стилистике немых фильмов того времени. И манерная игра киногероев на экране значительно усиливает реальность и правдивость происходящего на сцене.
Был ли брак гениального писателя и талантливой актрисы основан на любви? Была ли у Чехова и Ольги Книппер семья в обычном смысле этого слова? После спектакля знакомый критик высказал версию, что, якобы, руководством художественного театра Ольге было дано чуть ли не задание вдохновлять и вытягивать из Чехова новые пьесы для МХТ. Глядя на искренность и трагичность отношений, происходящих на сцене, в это трудно поверить.
Поток обстоятельств просто несет героев, словно бурная река. Не верится, что в два часа спрессованы все главные события отношений актрисы и драматурга. Текст пьесы основан на реальной переписке героев и рассказывает об эпохе создания «Трех сестер», «Вишневого сада» и взаимоотношениях Чехова с Московским Художественным театром. Зритель узнает, кому мир обязан появлением на свет самых известных шедевров драматурга.
В ряду театральной чеховианы «Мифический муж» занимает особый ряд художественных исследований личности творца, историй взаимоотношений одаренных людей, каждый из которых любит по-своему: один прощает и ждет, другая – жена великого писателя и артистка - живет страстями, но «хорошо воспитана» и привязана к супругу, влияет на его работу.
При этом ставятся глубокие философские вопросы жизни и творчества гениев и просто очень одаренных людей. Насколько и кто был счастливым? Что и как может создавать человек, находясь на качелях печали и радости?

Борис Примочкин, Наталья Ковалева


КОМЕДИЯ НАПРЯЖЕННОГО ВРЕМЕНИ

 

В романтической комедии "ЛЮБОВЬ, СВАДЬБЫ И ПРОЧИЕ КАТАСТРОФЫ" герои занимаются организацией идеальных свадеб. Несмотря на то, что они делают людей счастливыми, их собственная жизнь далека от совершенства. Тот самый случай, когда сапожник без сапог. В ленте искусно сплетается веселый романтический узор из изящно придуманных сценарием разнообразных случайностей, симпатий и антипатий в судьбах влюбленных пар разных возрастов, характеров и профессий.
Фильм режиссера Денниса Дугана - типичная голливудская комедия с несколькими сюжетными линиями, которые сплетаются и расплетаются, чтобы зрители улыбнулись и посмотрели на свою жизнь в предлагаемых комических обстоятельствах. Вскоре после того, как владелицу цветочного магазина Джесси Инглиш бросает парень, одна из ее покупательниц, Лиз Рафферти, просит подготовить ее свадьбу за восемь дней. Чтобы устроить идеальную свадьбу для Лиз и ее будущего мужа Роберта, кандидата в мэры, Джесси работает вместе с известным организатором свадеб Лоуренсом Филлипсом. Во время свадебной подготовки один из друзей Лоуренса неожиданно устраивает ему свидание вслепую с женщиной по имени Сара, которая оказывается действительно слепой. Это одна из самых трогательных линий фильма. Зарождение любви в пожилом возрасте. Да еще один из них слепая женщина с собакой поводырем.
Для свадебного торжества Джесси находит идеальную, по ее мнению, рок-группу. Кстати песни, как своеобразные музыкальные комментарии, делают фильм еще и интересным мюзиклом. Пока Роберт готовится к свадьбе с Лиз, его брат Джимми принимает участие в реалити-шоу знакомств. Это еще один комедийный ход, придуманный авторами. Для шоу Джимми должен оставаться привязанным цепью к своей новой партнерше, русской девушке Светлане, как можно дольше. Это можно считать скрытым призывом к дружбе США и России. Если Джимми и Светлана смогут продержаться в конкурсе дольше остальных пар, они выиграют один миллион долларов.
Тем временем капитан прогулочного корабля Ричи по уши влюбляется в одну из своих пассажирок, но есть проблема - он не знает, кто она и где ее найти. Единственное, что знает Ричи - у девушки на шее татуировка в виде стеклянной туфельки. Капитан Ричи записывает видеообращение на местном телеканале в надежде найти свою Золушку. Все герои ищут свое счастье и мечтают об идеальных отношениях, но любовь на экране также непредсказуема, запутанна и прекрасна, как и в жизни. И по всему настроению фильма уже с самого начала просматривается благополучный финал.
В фильме снялись известные актёры Дайан Китон и Джереми Айронс, которые являются лауреатами премии «Оскар». Их появление в ленте было достаточно неожиданно. Съёмочный период начался в сентябре 2019 года и занял 26 дней. На создание фильма режиссера Денниса Дугана вдохновила жена, попросившая его написать сценарий свадебного фильма. Пятнадцать лет назад он начал писать сценарий как оду своей жене. Удивительным совпадением было и то, что это произошло во время семейной поездки в Лондон, где его жена и дети встретили Джереми Айронса, который несколько лет спустя снялся в фильме. Женщина, которая помогала Дайан Китон при подготовке к роли слабовидящей, имеет ту же историю, что и сам персонаж. Она также потеряла зрение в 20 лет.
Готовясь к роли организатора свадеб, Мэгги Грейс уже имела опыт планирования одной свадьбы: своей собственной. Эндрю Бачелор импровизировал диалог в парке с сотней женщин с татуировками стеклянных туфелек. Сцена с «разрушителем свадеб», как и фильм, снималась в октябре. Вместе с Мэгги Грейс был инструктор по прыжкам с парашютом, который делал необычные снимки, во время самого прыжка. Ранее у нее уже был опыт прыжков с парашютом.
Стоит обратить внимание, что фильм насыщен многими технологическими приметами нашего времени. Здесь и электросамокаты, которые наезжают на персонажей также внезапно, как и на улицах наших городов. И экскурсионные туры по реке и по городским магистралям на автомобиле-амфибии. И, конечно, популярные телевизионные шоу, пронизывающие жизнь современной земной цивилизации.
В начале фильма было трудновато привыкнуть к самопародийной игре актеров, когда они часто хлопочут лицами, делают широкими глаза, пережимают с веселостью и жизнерадостностью. Одним словом ведут себя, как в комедии. Но ведь это и есть комедия. И когда это осознаёшь, то все встает на свои места. А расслабиться в наше болезненно напряженное время и получить заряд улыбки очень даже полезно.

Борис Примочкин


ТЁМНАЯ СТОРОНА ИНТЕРНЕТА

 

Можно ли снять остросюжетный криминальный фильм, взяв за основу текст журналистского статьи-расследования. Можно, если тема настолько горячая и важная, что промолчать о ней никак нельзя. Триллер «Асоциальная сеть» как раз о малоизученной стороне нашей цифровой парадигмы ХХ1 века. Интернет накрыл планету. Его светлая сторона известна сегодня всем. Но у него есть и темная теневая часть.
В 2011 году 26-летний Росс Ульбрихт, физик по образованию, создал Silk Road — анонимный теневой интернет-рынок, где пользователи со всего мира могли торговать и покупать огромное количество запрещенных товаров, в большинстве своем наркотики, оружие, порнографию и пиратские издания книг.
После провалившегося бизнеса по продаже подержанных книг, Росс (Ник Робинсон) стал изучать различные маркетплейсы, создание интернет-платформ и финансовый рынок даркнета.
В своем дневнике Ульбрихт писал, что его идея - создать место, где люди анонимно и в режиме он-лайн могут покупать все, что угодно. Сделать их свободными и независимыми от власти государства. Silk Road существовала с 2011 по 2013 год, став в итоге одной из самых больших площадок по продаже незаконных товаров, где Ульбрихт был известен под псевдонимом «Ужасный Пират Робертс» (Dread Pirate Roberts). За два с половиной года своего существования на сайте зарегистрировался миллион человек, а общая прибыль превысила один миллиард долларов.
Режиссер и автор сценария Тиллер Расселл сразу влюбился в свою тему и вскоре очень реально почувствовал её острую актуальность.
«Этот фильм, - писал он, - начался для меня на следующий день после того, как Росса Ульбрихта поймали в научно-фантастическом отделе библиотеки Глен-Парка в Сан-Франциско. Шесть лет спустя я шел по библиотеке Глен-Парка со съемочной группой, прикидывая локацию для съемок. В тот день у нас украли три ноутбука, пару камер и всю остальную технику, которую мы по неосторожности оставили в машине. И, хотя мы чувствовали себя удрученными и растерянными, было в этом что-то символичное и очень реалистичное. Мы сразу окунулись в нужное настроение, где проходит тонкая грань между жизнью и кино. В какой-то момент в процессе создания фильма люди начали спрашивать меня, что в этой истории было правдой, а что я выдумал для художественного сценария. Но на этот вопрос трудно ответить, и я постараюсь объяснить почему. Росс Ульбрихт был парнем из Техаса с грандиозной мечтой и мелкими незаконными махинациями за плечами. Когда-то давным-давно я был таким же. В свое время я участвовал в нескольких несерьезных криминальных аферах и был пойман. Тогда я поклялся, что когда-нибудь стану кинорежиссером и перенесу свой опыт в художественный материал.
Я подошел к созданию «Асоциальной сети» как к съемкам своих документальных фильмов. Я раскопал все, что смог найти в архивах и открытых источниках — каждую журналистскую статью, каждую судебную картотеку, каждый слух или сплетню о Silk Road. Я все это прочел, изучил, пропитался этим. А потом все выбросил и вернулся к своему сценарию с открытым сердцем, полным вдохновения»
Сказать, что авторскому коллективу все удалось, было бы преувеличением. Экран перегружен многословием, текстовыми сообщениями эсэмесок, не всегда продуманными мизансценами. Тем не менее в ленте есть попытка создания нового отрицательного героя цифровизации. Его портрет составлен из множества противоречивых образов. Он - мечтатель, любовник, провидец, инженер, фанатик, мошенник, чудак, вор в законе и вдохновитель.
Цифровые следы, что он оставил на своем пути до поимки ФБР дали немало информации о его личности: журналы чата, публичные посты в качестве «Ужасного пирата Робертса» (один из ников), а также дневниковые записи, отобранные из его ноутбука после его ареста. В них было нечто вроде авторской подписи. Например, его пост в одной социальной сети от 2011 года: «Я представляю, что однажды будет история, написанная о моей жизни, и было бы неплохо иметь подробный отчет о ней».
Если персонаж Росса Ульбрихта в основном простроен на реальном человеке, то агент Рик Боуден (Джейсон Кларк) – собирательный образ нескольких полицейских, поймавших тёмного интернетчика. Несмотря на большую огласку этого дела, сведения о том, кем были эти реальные сотрудники ФБР, остаются обрывочными. Поэтому режиссер опирался на собственные представления, а также личные знакомства с некоторыми служащими закона. Агент человек пожилой и с трудом осваивающий компьютерную грамотность. Но именно он переиграл главного злодея, хотя и заплатил за это ужасную цену.
Одно из несомненных достоинств фильма – внимательное рассмотрение серьезнейшей проблемы. Человечество получает в руки все больше и больше могущественных технологий. Но, как выясняется, не может преодолеть соблазн, использовать их совершенно аморально. Дальнейшие реальные события только потверждают это печальное наблюдение.

Борис Примочкин


ВСТРЕЧА С САМИМ СОБОЙ ЧЕРЕЗ 20 ЛЕТ

 

Искусство всегда умело посмотреть с необычного ракурса на главные проблемы человеческой жизни. Да так, что невольно и улыбнешься, и задумаешься. Вот и необычная научно-фантастическая комедия «Пара из будущего» искрит восхительными актерскими работами, виртуозно продуманным сценарием, и, конечно, выверенной до последнего кадра режиссурой.
Идет 2040 год. Евгений и Александра 20 лет в браке, их отношения пронизаны типичным раздражением и скандалами. Развестись трудно. В будущем расторжение брака – очень дорогая услуга. Но вот тут включается сила научно-фантастического жанра. Евгений и Александра попадают в прошлое, в тот самый день 20 лет назад, когда влюбленный и юный Женя сделал предложение прелестной Саше. Теперь пара из будущего хочет разлучить самих себя в молодости. Но молодые из прошлого времени будут сражаться за свою любовь.
Режиссер Алексей Нужный после блокбастера «Огонь» вернулся к своему любимому жанру – комедии. А точнее драмой, по его словам, без сильной драмы нет хорошей комедии. Он вырос на фильмах Рязанова и Данелии, и, все по-настоящему смешное на самом деле очень трогательное. За юмором скрывается наша человеческая боль, наше желание жить в любви и делиться этой любовью. И все смешное - всего лишь маска, за которой мы прячем наши чувства.
Создатели нашли очень сильную сценарную идею - показать одну и ту же пару на разных этапах отношений. У молодых влюбленных за пеленой романтики скрываются и свои тайны, и свои недостатки, которые они не видят друг в друге. Сыграть реалистично в таких фантастических обстоятельствах могли только фантастически сильные актеры. Еще на этапе написания сценария создатели видели в ролях взрослых главных героев популярных актеров Сергея Бурунова и Марию Аронову, но заполучить их оказалось не так просто. «Алексей Нужный прислал мне первую версию сценария еще до пандемии, - вспоминает Сергей Бурунов. - Я прочел, увидел хороший сюжетный поворот с перемещением во времени, но чего-то не хватало! Не была мне понятна, так сказать, сверхидея фильма. И я отказался. Прошло какое-то время, Леша присылает сценарий снова. Я даже немножко скептически скривился, когда открывал его вновь. А оказалось, карантин пошел Леше и сценарию на пользу. Все персонажи стали объемными, у всех появились истории. Я люблю повторять цитату Гари Олдмана, что хорошие сценарии надо не читать, а считывать. Мы познакомились с Алексеем, долго и как-то хорошо и обстоятельно поговорили. Он мне рассказал, какую задачу вкладывает в это кино. И сценарий мне откликнулся».
Участие Марии Ароновой в проекте поначалу тоже казалось невозможным из-за несовпадения графиков. Режиссер отправился искать замену и никак не мог найти. Актёра стали последнее время необычайно требовательны к уровню сценариев. После переработки Аронова согласилась и ни разу не пожалела. «Я люблю подниматься на борт корабля, где есть капитан, - говорит актриса. - Вот Леша – это капитан. Мы с ним многое обсуждали в процессе работы, и он был включен на 100%. Я говорю: «Леша, вот это место в сценарии во мне не отзывается», мы встречаемся на следующий день, а Леша уже переписал финал или начало этой сцены. Так и работали, и это было просто потрясающе!» Режиссер и актриса облекли работу над фильмом в азартную игры. Они ставили на кон сто долларов. Если она предлагала идеи, и предложение нравилось, она говорила: «С тебя 100 баксов». Потом, давая свои пожелания к актерской игре, и она соглашалась. Сто баксов были с неё. Сергей Бурунов признается, что зачастую ему везет на актерские работы, которые помогают многое осознать и отвечают на его собственные внутренние вопросы. И хотя герой «Пары из будущего» совсем не похож на Сергея, актер смог найти много ответов по проблеме взаимоотношений мужчины и женщины. Его герой практически на дне. Он спивается, он нигде не работает и сидит днями за компьютером. За 20 лет отношений он превратился в почти ничто. Полное обнуление. Он не вкладывался в отношения – не заботился о жене, врал, не уважал. И совсем другим Евгений предстает перед зрителями в 2020 году, когда его играет молодой актер Денис Парамонов. Это возвращение к самому себе очень дорогого стоит.
Такое можно увидеть только во сне и еще очень редко в кино. Денису, чтобы попасть на одну волну с Буруновым, помог интернет: он пересмотрел все видео, все фильмы и сериалы с Буруновым. Времени, к счастью, было достаточно, и он, можно сказать, снял с него голосовой и мимический слепок. Серьезную работу провела и Дарья Коныжева, создавая образ молодой Александры с ориентиром, что во взрослом воплощении ее сыграет Мария Аронова. «Моя героиня – целеустремленная, внутренне сильная, в то же время ранимая, импульсивная, романтичная, идеализирующая все вокруг, - говорит Дарья. - Со временем многие эти качества у нее просто спрячутся, ведь естественно, что с течением времени романтический пыл угасает, жизнь сбивает градус восторженности и идеализма». Марии Ароновой пришлось сделать правку и своей игры. Роль у нее на двоих с Дарьей. «Она очень нежная и женственная, и я старалась вытащить эти нотки и из себя, - вспоминает Мария. - На протяжении всего съемочного периода сдерживала свой темперамент, свою громкость, свою активность». Аронова и Коныжева тоже присматривались и наблюдали друг за другом, придумывали общие повадки для своей героини. «Я смотрела, как Маша ходит, например, а она подсматривала мои жесты, чтобы мы были больше друг на друга похожи, - рассказывает Дарья. - Она достаточно сильный человек, и я попыталась выразить эту силу, которая уже есть в молодости, но, возможно, не настолько явно выражена. И мы придумали один на двоих так называемый психологический жест, по которому было бы понятно, что это – один человек: мы грызли заусенец на пальце правой руки. Маша очень мне помогала и поддерживала: подыгрывала на моих крупных планах, подсказывала что-то, советовала. Она – очень честная актриса и замечательный человек».
Кстати, сам Нужный тоже появляется в кадре в небольшой роли, тем самым продолжая традиции легендарных режиссеров Альфреда Хичкока, Эльдара Рязанова и других. Алексей по сути играет самого себя, кинорежиссера, приехавшего в провинциальный город выбрать актрису на роль в своем фильме. «Это уже мое третье появление в собственном кино, - говорит Нужный. - До этого я снялся в фильме «Я худею» и сериале «Толя-робот». А в «Паре из будущего» я хотел, чтобы сыграл Никита Михалков, но у нас не получилось по времени, поэтому я сам сыграл Никиту Сергеевича». Кроме главных героев в фильме есть еще один главный персонаж Это тот наш мир, который будет через 20 лет с новыми гаджетами, интернетом шестого поколения, светящимися одеждами и кроссовками, с обновленными технологиями и совершенно новой системой социальных взаимоотношений. Хотя авторы не акцентируют внимание на внешних приметах будущего, дают его как бы вскользь. Но это очень ярко подчеркивает неизменность природы самого человека. Лента будет актуальна через десятка два лет или нет – покажет время. Эмоционально наша жизнь вряд ли изменится и будет облеплена теми же гроздьями чувств. Любви, ненависти, радостями и обидами, вниманием и безразличием, жадностью и добротой...
Съемки для каждого участника стали вызовом. Многое пришлось осваивать и многому учиться. Денису Парамонову на площадке впервые пришлось сесть за руль автомобиля. «В кадре я вожу, но в жизни водить не умею, - признается Денис. – И это несколько подпортило мне съемки, честно говоря: руки трясутся, голова кругом, а нужно рулить, газовать, вот это все. Тем более на «пятерке» с механикой – это был кошмар! То чуть не сбил кого-то, то чуть не врезался, вся группа смеялась. А ведь параллельно нужно было играть… В общем, это было ужасно». Дарья Коныжева в образе своей героини, актрисы Саши, впервые в одной из сцен произносит монолог Ассоль из романа одного из ее любимых писателей Александра Грина «Алые паруса». «Я готовилась к одной работе в театре и увлеклась Грином, много всего перечитала у него, - вспоминает Дарья. - И удивительно, но вслед за тем, как я перелопатила всего Грина, пришел этот проект, где одной из параллельных линий была роль Ассоль. Все в жизни взаимосвязано!»
У Сергея Бурунова с Марией Ароновой в фильме несколько сцен, в которых им помогали каскадеры. Сцены, в которых Бурунов ездит на самокате и автомобиле, не потребовала помощников. «Я же в свои молодые годы был очень спортивным парнем, занимался восточными единоборствами, танцевал, садился на шпагат, не хуже Ван Дамма, - смеется актер. - Так что, как говорится, тело и мозг помнят. Я и сейчас вожу мотоцикл, машины, поэтому готов к разным поворотам сюжета». А вот подводные съемки в карьере Сергея происходили впервые. В одном из эпизодов герои Бурунова и Ароновой падают в машине с моста. Эта сцена снималась полностью под водой. Сергею и Марии приходилось играть очень эмоциональную сцену, находясь два дня на дне специального бассейна. И технически подготовились: каждый дубль поднимали и опускали машину на дно бассейна, предварительно завесив все вокруг черной тканью, чтобы создать ощущение реки и скрыть всю плитку в бассейне. Изменили цвет воды, добавили в воду листву... Десять аквалангистов сопровождали артистов, камеры, свет, технику – и все это под водой! «Аватар-2» почти!». И, если Сергей Бурунов справился с подводными съемками на 5 баллов, то для Марии Ароновой они стали настоящим испытанием. «Я училась дайвингу, плавала с баллоном, и я очень хороша собой в костюме дайвера, - улыбается Аронова. - Но, если без шуток, я и представить себе не могла, какой это вызов для артиста - сниматься под водой. В какой-то момент у меня началась паническая атака. Я вылезла и сказала: «Ребята, стоп, я больше не могу». Удивительно, но у меня началась какая-то клаустрофобия, хотя я очень хорошо плаваю и ныряю. И вот я в ужасе вылезла, а Сережа Бурунов остался в воде с загубником и ждал, когда я вернусь. Преодолеть страх мне помог наш режиссер. Он - абсолютный волшебник! Молодой мужчина, но с колоссальным жизненным опытом: Леша занимается йогой, очень много читает какой-то недосягаемой для меня литературы. И он взял меня за руку, посадил на борт нашего бассейна, и мы с ним молились. Я сначала отнеслась с недоверием, но пошла на это. Потом он спросил, готова ли я, и я ответила, что попробую. И верьте не верьте, но у меня было ощущение, что Леша забрал все мои страхи, всю мою панику! Меня снова погрузили под воду, и началась работа. Я потом извинялась перед Буруновым, что он так долго меня ждал. Он сказал: «Даже не говори об этом! Что ты, что ты!..». Эти съемки в воде - это был какой-то удивительный для меня опыт».
Фильм выходит к 8 марта. Это изящный подарок не только женщинам, но и мужчинам, всем парам. При всей улыбчивости в этой комедии много мудрого и прозорливого. Потому что позволяет посмотреть на самих себя через удивительно талантливую призму под названием «Пара из будущего».

Борис Примочкин

Наша справка
Россия, 2021 Жанр: драма, комедия, фантастика
Производство: Студия «ТРИТЭ» Никиты Михалкова, телеканал «Россия 1» и кинокомпания «Централ Партнершип», при поддержке Фонда кино
Режиссер: Алексей Нужный
Сценаристы: Евгений Кулик, Дмитрий Балуев, Алексей Нужный
Оператор: Юрий Коробейников
Продюсеры: Леонид Верещагин, Антон Златопольский, Рафаел Минасбекян, Никита Михалков, Алексей Нужный
В ролях: Сергей Бурунов, Мария Аронова, Денис Парамонов, Дарья Коныжева, Сергей Степин, Павел Мисаилов и др.
Выход в прокат: 4 марта 2021 года
Дистрибьютор: «Централ Партнершип»
Возрастной рейтинг: 12+


САМАЯ ТРАГЕДИЙНАЯ ДРАМА ПУЧЧИНИ НА СЦЕНЕ

 

9 февраля в театре «Геликон-опера» перед началом первого премьерного показа одной из самых популярных опер Дж. Пуччини «Тоска» состоялась пресс-конференция создателей этого удивительного спектакля. Премьеру «Тоски» «Геликон-опера» посвящает памяти выдающегося режиссера друга театра Андрейса Жагарса. В пресс-конференции кроме руководителя театра и постановщика «Тоски» народного артиста России Дмитрия Бертмана приняли участие дирижер-постановщик Валерий Кирьянов, художник-постановщик заслуженный художник России Игорь Нежный и художник по костюмам заслуженный художник России Татьяна Тулубьева.
С каждой новой постановкой этого знаменитого творения итальянского гения появляется и новое прочтение сюжета, казалось бы, исхоженной вдоль и поперек одноименной пьесы французского писателя Викторьена Сарду. Не обошлось без этого и в постановке Дмитрия Бертмана, о чем тот и поведал журналистам в ходе пресс-конференции. В понимании Бертмана история, описанная в пьесе Сарду, не только драма классического любовного треугольника, но и действие, стремительно развивающееся в течение 24 часов в революционно настроенном Риме и лихо закрученное в детектив, способное с помощью роскошной музыки Пуччини, красивых и мощных голосов солистов и удивительных декораций и костюмов художников держать в напряжении зрителей все три действия оперы.
Как метко, на мой взгляд, сказано в пресс-релизе конференции, "над созданием спектакля также колдуют" дирижер Валерий Кирьянов, художник-сценограф Игорь Нежный, художник по костюмам Татьяна Тулубьева, художник по свету Дамир Исмагилов, хормейстер Евгений Ильин. В ходе пресс-конференции Дмитрий Бертман рассказал: "Я увидел в итальянском тексте, что Тоска почему-то переходит со Скарпиа на "ты". Почему? От невоспитанности? Я стал фантазировать на эту тему и подумал, а что если не делать Скарпиа злодеем? И вообще, посмотреть на драматургию под другим углом меня заставил сам композитор. С Пуччини не нужен режиссер, он сам - режиссер. Всё, как саундтрек в фильме."
После пресс-конференции журналисты смогли посмотреть предпремьерный показ спектакля и насладиться прекрасным звучанием оркестра, чудесными пением солистов и хора и, главное, потрясающей музыкой Джакомо Пуччини.

Геннадий Мишин

Наша справка
Премьерные показы продлятся с 10 по 14 февраля 2021 года.


«ВОЙЦЕК» - НОВЫЙ ВАХТАНГОВСКИЙ СПЕКТАКЛЬ

 

В репертуаре Вахтанговского театра появился новый интересный спектакль с коротким названием «Войцек» по пьесе Георга Бюхнера (1813–1837) в переводе Елены Михелевич.
Что могло привлечь современных режиссеров и актёров к далекой по времени написания работе? Казалось, прошло так много лет, появились автомобили, поезда, самолеты, смартфоны. По сравнению с жителями начала 19 века мы смотримся почти богами, окруженными высокими технологиями. Но изменилось ли что-нибудь с тех пор в природе человека, его морали? Таким вопросом в своем художественном исследовании и задались авторы спектакля.
Почти двести лет назад молодой писатель Бюхнер обратил внимание на реальное трагическое происшествие. Лейпцигский цирюльник, бывший солдат Иоганн Христиан Войцек в припадке ревности убивает свою возлюбленную Христиану Вуст. Его казнят публично в Лейпциге 27 августа 1824 года. После его казни в немецкой печати развернулась бурная полемика авторитетных врачей, продолжавшаяся не один месяц, о том, можно ли было признать Войцека вменяемым. Так что дело Войцека стало одним из первых громких судебных случаев в Европе, когда к душевному состоянию подсудимого стали относиться с повышенной серьёзностью и призвали учитывать его в судебном решении.
В каждом произведении так или иначе отражается личность, взгляды и биография автора. Для широкого читателя они почти неизвестны. Но без этих знаний понять пафос произведения бывает не так просто.
После окончания гимназии в Дармштадте Георг Бюхнер пошёл в профессии по стопам отца: в 1831 году поступил на медицинский факультет в Страсбургский университет, затем продолжил обучение в университете Гисена. В Гисене Бюхнер – студент, которому едва исполнился 21 год, основал тайное революционное общество, написал прокламацию «Гессенский вестник», в которой содержался призыв к германскому народному восстанию против властей по примеру Великой Французской революции. Сразу после начала распространения этой прокламации в июле 1834 года общество было раскрыто, большинство его участников было заключено в тюрьмы. Бюхнеру удалось бежать через границу в Страсбург, где он продолжил учебу в университете и в октябре 1836 года получил магистерскую степень по медицине. Одновременно с написанием диссертации он работал над первой своей драмой на материале истории Французской революции: «Смерть Дантона» (1835).
По иронии судьбы, репутация Бюхнера-учёного обогнала репутацию Бюхнера-драматурга: его магистерское исследование по биологии сразу же было издано в Страсбурге и Париже. Много десятилетий спустя его работа использовалась в качестве учебника на медицинских факультетах Европы. В октябре 1836 года он получил пост лектора и практику в университете Цюриха, но его преподавательской деятельности было отмеряно всего четыре месяца. И ранее в Гисене, и в Страсбурге, и в Цюрихе, большинство его ночных часов неизменно было посвящено литературной работе; Бюхнер писал своему брату за три месяца до кончины: «Просиживаю полные дни со скальпелем в руках, а ночи за книгой».
После долгого периода забвения, после первого полного издания его трудов (1870), поместившегося в один маленький том, с течением времени сочинения Бюхнера становились всё более заметными в искусстве. К моменту первого издания рукописи Бюхнера настолько поблекли, что потребовалась их почти медицинская «реанимация»: их обработали специальным химическим раствором, заставившим потемнеть старые чернила. После обработки стало возможным издание, но о некоторых словах, написанных и без того неразборчивым почерком врача, пришлось только догадываться: так, название драмы «Войцек» долгое время читали как «Воццек». В его сочинениях стали черпать свое вдохновение новейшие течения, пришедшие на смену романтизму – натурализм и экспрессионизм: это относится и к «Смерти Дантона», и особенно к «Войцеку». Это последнее, незаконченное произведение Бюхнера обошло сегодня, пожалуй, все ведущие сцены мира – не только драматические, но и музыкальные, благодаря оперной адаптации композитора Альбана Берга «Воццек» (премьера в 1925), с которой ведут отсчет экспрессионизма в музыке. И вот теперь новый взгляд на текст из ХХI века. В стилистике повествования сочетание точно найденных деталей и манеры поведения каждого персонажа. Армейский цирюльник Войцек в исполнении Максима Севринского чем-то похож на ёжика в тумане и на Башмачкина из гоголевской «Шинели». Его антипод Тамбурмажор в исполнении Павла Юдина ведет себя как накаченный боец смешанных единоборств, что ходит по сцене шагом победителя. Доктор в исполнении Евгения Князева – воплощение полоумного экспериментаторства над естественными потребностями человека. Реплики и поступки персонажей происходят эмоционально, лаконично и ёмко. Все начинается с представления главного персонажа - бедного солдата, пытающегося заработать парикмахерским искусством, чтобы прокормить свою невенчанную жену и её ребенка. Сочетание символизма и реализма. Своеобразный символический реализм.
Авторы спектакля перенесли действие «Войцека» на 100 лет вперёд, в 1920-е годы после Первой мировой войны. Всеобщее настроение послевоенной депрессии, разрухи, бедности, потери нравственных ориентиров в эти годы было, по существу, близким к тому, что царило в 1820-е, после наполеоновских войн. Усугублялось оно тем, что Первая мировая война, в ходе которой было впервые в истории применено оружие массового уничтожения, явила особенно отчётливо всю уродливость облика войны, заслонившую собой всякий героизм и патриотический подъём.
Параллелей между 1820-ми и 1920-ми довольно много. Австрия и Германия проникнуты настроением проигравших государств, имеющих великую историю в прошлом. В обществе формируется оппозиция между людьми, проигравшими войну, нравственно больными – и молодым поколением, называющим себя «здоровыми» и желающими «оздоровить» собою нацию. Отсюда происходит конфликт замордованного Войцека и бравурного победоносного Тамбурмажора, в котором проступает прообраз Гитлера. В выборе Марии в пользу Тамбурмажора отражается вся драма Германии первой половины XX века, приведшая к страшным последствиям: к нацизму. В этой перспективе иначе читается и образ Доктора: от его экспериментов над человеком всего один шаг до нацистской «евгеники» – теории и практики человеческой селекции.
По мнению режиссёра-постановщика спектакля Хуго Эрикссена (ученика мастерской Римаса Туманиса «Театральные параллели») очень важно, что драма Бюхнера пропитана мощным христианским символизмом: это история о богооставленности человека. Есть устойчивый «штамп» в интерпретации Войцека, как неврастеника; есть также давняя линия прочтения этой пьесы как социальной драмы: преступление Войцека социально обусловлено. Но галлюцинациям Войцека есть не только физиологическое объяснение (истощение), но и духовное: его посещают видения с мотивами из Откровения Иоанна Богослова. Войцек рождён в день Благовещения; его сына зовут Христиан; у Войцека есть прочные моральные основы – по сути христианские, унаследованные не из книг, а из векового жизненного уклада: семья, дети как главная ценность, представление о непорочности жены, связанной таинством брака. Весь мир Войцека рушится, когда Мария оказывается не той, кем он себе представлял: она оказывается Марией-блудницей. Перед зрителями разворачивается история об изначально чистой духовной сущности человека, которая, попав в реальный мир, реализуется противоположно своей чистоте – не в жертве, а в преступлении; недаром Войцек после убийства Марии всё повторяет: «Удалось ли мне тебя очистить?» Главное достоинство этой пьесы в её многозначности – прекрасной двусмысленности, свойственной романтизму.
Весь спектакль смотрится на одном дыхании. Хотя идет полтора часа без перерыва. За это время в нем можно увидеть в поведении персонажей переплетение национального и общечеловеческого, любви и ненависти, примитивности и высоких прозрений. Например, сцена в балагане, куда счастливый и влюбленный Войцек приводит свою жену Марию. Там выступают человеческие животные с головами обезьяны и лошади. Одна сцена сменяет другую. Но ни одна не оставляет зрителя равнодушным к происходящему. Например, оргия в пивной напоминает и фрагменты зарождения фашизма в мюнхенских пивных и одновременно шабаши с драками в наших современных ночных клубах. Кто-то подумает, что спектакль слишком мрачный. И будет неправ. Он просто серьезный и глубокий. И приглашает эмоционально задуматься о прошедшем и происходящим с нами сегодня через призму событий, происходивших 200 лет назад.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева

Наша справка
Вместе с режиссером Хуго Эрикссеном спектакль выпустили: художник – Ютта Ротте, композитор – Андрей Бесогонов, художник по свету – Антон Поморев, художник–гример – Ольга Калявина, звукорежиссер – Матвей Родионов. В спектакле играют: Максим Севриновский, Евгений Князев, Ася Домская, Евгений Косырев, Павел Юдин, Василий Цыганцов, Александр Галочкин, Оксана Суркова, Евгений Пилюгин, Алексей Петров, Евгений Кравченко, Ольга Боровская. Спектакль Хуго Эрикссен выпускает в рамках проекта «Театральные параллели. Путешествие в четырёх частях». Это цикл постановок режиссеров Мастерской Римаса Туминаса «Театральные параллели. Путешествие в четырёх частях» в основе которого - произведения драматургов зарубежных стран, оказавших прямое или косвенное влияние на мировоззрение Евгения Багратионовича Вахтангова. Первым спектаклем проекта, посвященного столетию Вахтанговского театра, стала «Легенда о Хромоножке» по пьесе норвежского писателя и драматурга Бьёрнстьерне Бьёрнсона, написанной по мотивам древнеисландских саг, в постановке Владимира Бельдияна.


ВЗРОСЛЕНИЕ ЧУКОТСКОГО КИТОБОЯ

 

Вроде, обычная тема, много раз виденная в кино - взрослении подростка, но, если снято талантливо, то сразу запоминается. Как в дебютном фильме режиссера Филиппа Юрьева «Китобой» Премьера его состоялась в сентябре 2020 года на 77-м Венецианском кинофестивале. Там фильм получил приз в программе «Дни авторов» от молодежного жюри. На 31-м кинофестивале «Кинотавр» картина получила приз за лучшую режиссуру и диплом Гильдии киноведов и кинокритиков, а исполнитель главной роли Владимир Онохов получил награду за лучшую мужскую роль.
В молодом и трепетном возрасте шестнадцатилетний герой с первого взгляда влюбляется в девушку… из порносайта. Да так страстно, что ворует моторку и через Берингов пролив мчит в США. Благо 86 км по нынешним масштабам на исправном моторе не так далеко…
Авторы разнообразно и выразительно показывают мотивы необычного поступка главного героя. Опыт у Лёшки, так его зовут, есть. Ведь он не раз выходил на ловлю китов со взрослыми рыбаками. И знает, как бросать гарпун, стрелять из карабина, разделывать туши, которые окрашивают алой кровью воду на берегу.
Но в 16 лет азарт китовой охоты отдвигается на второй план. А на первый выходит кое-что поинтересней. Например, гипнотическое воздействие полураздетой красавицы, которая с экрана показывает, что она всем телом любит оплатившего чат пользователя. Небольшая, но впечатляющая роль Кристины Асмус. Но как ответить взаимностью, если есть языковый барьер. Влюбленность может сдвинуть горы. Герой начинает изучать английский язык, взяв звуковой самоучитель в местной библиотеке. Можно воочию убедиться какое сильнейшее влияние оказывают сегодня на юношеское сознание современные интернет и высокие технологии. При этом видно как из чукотской неприхотливой жизни прорастают вечные инстинкты бытия, на которых держится и продолжается жизнь. Чтобы показать это режиссеру потребовалось десять упорных лет (закончить ВГИК мастерская Алексея Учителя, написать и отработать сценарий, найти актеров, снять…).
В российское кино начинает все чаще приходить взгляд регионов. Представители их знают и хорошо чувствуют то, о чем они говорят. И это ощущение места и времени придает российскому кинопроцессу объемное видение и звучание. Если эта тенденция продолжится, то можно надеяться и на другие победы на международных и отечественных кинофестивалях.

Борис Примочкин


СПЕКТАКЛЬ НА РАССТОЯНИИ ВЫТЯНУТОЙ РУКИ

 

Можно ли о рождении Иисуса рассказать так просто и зримо, что в течении спектакля все будут сидеть не шелохнувшись, ловя каждое слово, жест, звук? В Театре кукол Образцова на спектакле «Звезда по пути в Вифлеем» это получилось.
На глазах зрителей произошло настоящее чудо – загорелась путеводная звезда и родился младенец Иисус, которому мудрые волхвы принесли свои дары. Настоящий театр не перескажешь словом. Надо видеть. Как вылетает из посоха голубица, как пролетает над Богородицей белокрылый ангел, как путешествуют по пустыне волхвы…Известная каждому история Рождества была рассказана новым и свежим языком, – понятным детям и неожиданно образным для взрослых. Вероисповедание человека в этом действии не имело значение. Интересно было всем православным, католикам, мусульманам, хасидам… Спектакль создан в традициях рождественского вертепа – праздничного домашнего представления для самых близких. Это воспроизведение сцены рождения Иисуса Христа с помощью кукол. Традиция вертепных представлений в нашей стране имеет долгую историю. В старину вертеп играли для родственников и соседей, переходя из дома в дом и принося с собой ощущение праздника. Как и традиционные вертепы, спектакль Звезда по пути в Вифлеем» получился необычайно домашним, уютным и очень камерным. В этом зрителям талантливо помогли молодые артисты Театра Образцова – Максим Кустов и Екатерина Малетина, а также художник Анастасия Подпорина.
«Чтобы почувствовать ощущение рождественского чуда, не обязательно ждать Рождество, - сказал Максим Кустов. – Эта мудрая праздничная история актуальна независимо от времени года и всегда подарит радость, любовь и красоту, даст повод задуматься о смысле бытия. А ещё тут исполняются желания…».
Реквизит трепетно создавался самими исполнителями. Они тщательно подбирали музыку и песни – в постановке звучат духовные песнопения. Актеры несколько месяцев специально занимались вокалом с педагогом Еленой Кривенко и регентом Аллой Зеленковой, чтобы освоить манеру пения в соответствии с церковными канонами.
«Вифлеемская звезда, возвестившая волхвам о рождении Иисуса Христа, — не только самый популярный, но и самый загадочный символ Рождества, - сказала актриса Екатерина Малетина. - Рождение Сына Божьего сопровождалось удивительным небесным явлением – возникновением на небе яркой и необычной звезды. Она шла перед волхвами, указывая им путь к месту, где был младенец Христос».
Создатели спектакля наши удивительно теплую и выразительную манеру повествования, где очень симпатично чередуется женский и мужской голос. По времени все действие умещается в 40 минут. Что тоже важно в эпоху нашего стремительного времени, где под влиянием высоких технологий больше и больше занимают место короткие эсэмэс и сообщения.
Все действие происходило на третьей сцене театра. Очень небольшой комнаты в ней всего 47 мест. Фактически спектакль шел на расстоянии вытянутой руки. Физическая близость удивительным образом перетекала в душевно-духовную.

Борис Примочкин


АПРЕЛЬСКОЕ ПРОДОЛЖЕНИЕ 41-ЫЙ ММКФ

 

Апрельская традиция проведения Московского международного кинофестиваля (ММКФ) становится постоянной. В 2018 году из-за чемпионата по футболу фестиваль, традиционно проходивший летом, перенесли на весенний месяц. Новый график решили сохранить. «Нам все же было тяжело. Я понимаю, яркая солнечная погода, но большая часть людей разъезжается и это не очень удобно», - объяснил решение президент фестиваля Никита Михалков.
Церемония открытия, задержавшаяся на 45 минут, началась с выхода на сцену Елизаветы Боярской, которая на правах ведущей передала слово министру культуры Владимиру Мединскому. После его речи началось представление жюри всех трех конкурсов ММКФ-2019. Председатель жюри основного конкурса — корейский кинорежиссер Ким Ки Дук — пообещал, что каждой картине будет уделено максимум внимания. Вслед за ним, с палочкой в руке, на сцену поднялся Никита Михалков (после операции на тазобедренном суставе), чтобы вручить золотую цепь председателя жюри Ким Ки Дуку. Помимо корейского мэтра, фильмы участников фестиваля в этом году оценивали российская актриса Ирина Апексимова, турецкий режиссер Семих Капланоглу и итальянский сценарист Валия Сантелла. Если открытие было холодным, ветреным и сдержанным (многие актеры были одеты в красивые, но легкие наряды), то завершение уже было теплым и улыбчивым.
 Лучшим фильмом жюри выбрало драму «Тренинг личностного роста» казахского режиссера Фархата Шарипова. Принимая «Золотого Георгия», Шарипов, который у себя на родине является культовым режиссером, сказал, что он не считает себя в России иностранцем — «мы все живем в какой-то большой непонятной стране». Несмотря на четкие приметы места и времени (например, постоянные обсуждения переименования столицы Казахстана, которые приобрели неожиданную актуальность, хотя фильм был снят еще в 2018 году), «Тренинг» был близок и понятен любому жителю постсоветского пространства. Знакомы не только интерьеры офисов, квартир и ресторанов, где происходит действие, но и проблемы, которые мучают главного героя Каната — типичного представителя «офисного планктона», постепенно, шаг за шагом, отказывающегося от самого себя в обмен на высокий кабинет с красивым видом на столичный пейзаж. Фактически фильм показал с какой-то чеховской сдержанной интонацией, как продается совесть не только в новой экономической формации, но и во все времена. Резкое появление русского мата в картине можно считать художественно оправданным и очень в меру выдержанным.
Награду за лучшую режиссерскую работу получил итальянец Валерио Мастандреа, известный российскому зрителю как актер. Фильм «Она смеется» — его режиссерский дебют, так что сам постановщик назвал свой приз щедрым авансом. Картина рассказывает об одном дне из жизни женщины, муж которой погиб в результате несчастного случая. Она готовится к похоронам и сама удивляется своей неспособности отреагировать на потерю «правильно» — вместо положенных слез она смеется. Одновременно по-своему переживают скорбь другие близкие люди — сын и отец погибшего. Это камерная, даже интимная лента, в которой постановщику удалось пройти по тонкой грани смешного и грустного, не пережимая ни с тем, ни с другим.
«Серебряный Георгий» за лучшее исполнение мужской роли достался финскому актеру Томми Корпела, сыгравшему писателя-неудачника, переживающего творческий и личностный кризис, в картине «Пустота» Алекси Салменперя.
 В центре картины когда-то успешный писатель Ээро. Но теперь он никак не может побороть страх чистого листа. Его девушка, профессиональная актриса Пихла, напротив, находится на пороге большого международного успеха. Несмотря на то, что их отношения день ото дня становятся все хуже, никто из них не готов жертвовать своими амбициями в пользу другого. «Пустота» – это трагикомедия о цене успеха и муках поражения, и о том, как жить рядом с человеком, который просто тебя не понимает. При минимуме средств авторам удалось передать максимум содержания в такой сложной теме, как творческий кризис писателя.  Над картиной группа начала работать четыре года назад, денег на производство практически не было, в группе работало всего три человека, свет использовали естественный и поэтому решили в итоге остановиться на черно-белой гамме изображений. Работа над музыкой шла уже во время монтажа.
 «Мы собирали фильм кусочек за кусочком, как мозаику, сначала он был более авангардным, а уже на монтаже стал немного другим. Фильм получился многослойным, чем я очень горжусь. Рассказывается в нем и обо мне, и о других актерах, людях творческой профессии», – подчеркнул Салменперя.
В картину вошли в том числе реальные диалоги, подслушанные в жизни. По мнению режиссера, это нормальная практика, «здоровое отношение к творчеству». Так же, как и заимствования из «книг, других фильмов, рассказов друзей, жен и мужей». В этом фильме метафора всего творческого мира, где есть жажда успеха, поддаваясь которой, ты забываешь о своей исходной идее, с которой ты пришел в этот мир», – отметил режиссер.
Специальный приз жюри получил еще один почти дебютант — китайский режиссер Чжан Чи. Фильм «Жизнь морских обитателей» — его первая полнометражная работа, хотя кино он занимается уже десять лет, и, получая награду, поблагодарил свою жену за то, что все это время она его поддерживает, несмотря на отсутствие «нормальной работы». Его лента — это типичный образчик «фестивального кино», нелинейное повествование о человеке, который ищет то ли свою потерянную жену, то ли самого себя, наполненное интересными экранными символами и метафорами, в которых при желании можно разглядеть что угодно — хоть глубокие смыслы, хоть абсолютную пустоту.
Лучшим короткометражным фильмом отдельное жюри во главе с Алисой Хазановой назвало ленту «Тигр» Дельфин Деложе. Это вторая награда для французского кино на ММКФ: режиссерский дебют Элиз Отценбергер «Медовый месяц в Згеже» получил приз жюри ФИПРЕССИ. «Серебряный Георгий» за лучший документальный фильм достался картине «Потому что мы мужики» Петера Соммера и Ю Вемунна Свендсена. Они запечатлели сложный момент в жизни хора, состоящего из совершенно обыкновенных мужчин средних лет, когда накануне ответственного выступления стало известно, что один из них неизлечимо болен. По словам председателя жюри документального конкурса Кевина Сима, этот фильм одновременно согревает сердце и разбивает его.
Российское кино, которое триумфально выступило на прошлом ММКФ, в этом году осталось без наград. Утешением может послужить только приз зрительских симпатий, который совершенно объяснимо и заслуженно получил якутский фильм «Надо мною солнце не садится».
Турецкий фильм «Капкан» Сейида Чолака - очень необычная картина, которую можно отнести к жанру мистического реализма. В нем рассказано о пяти рыбаках, проживающих с женами и детьми на острове, отделенном от большой земли широким проливом. Однажды ночью один из них исчезает, а взамен на острове появляется волк, на которого остальные ставят капкан, но попадают в него только их же овцы. Под внешним видом бытовой зарисовки развивается изящная иносказательная притча, и капкан здесь — метафора самого острова, который наказывает за зло одних и одаривает добром других. Когда авторы писали сценарий, они в первую очередь думали о человеческих страстях, которые обуревают человека во все времена. Персонажи получились неоднозначно плохими или хорошими. В фильме происходит хорошо переданная трансформация от физического к метафизическому.
Не менее любопытен иранский фильм «Моя жизнь на втором курсе», который рассказывает о двух студентках, отправившихся со своими однокурсницами в короткую поездку. Одна внезапно теряет сознание и впадает в кому, и на вторую обрушивается ответственность — врать полиции, преподавателям и родителям подруги, разбираться с ее женихом, а потом и со своими чувствами к нему, которые сильно осложняют исполнение товарищеского долга. Повседневные реалии иранской жизни (хиджабы, запрет на общение с противоположным полом, необходимость быть все время на виду) подаются тут вскользь, как привычные бытовые детали, и оттого пугают еще сильнее.
«Отец Ночь» Дависа Симаниса — первый фильм о холокосте, снятый в Латвии. Он основан на реальной истории праведника мира Жаниса Липке, спасшего более 50 евреев из Рижского гетто. И это тоже в первую очередь история морального выбора, только тут альтернативой жизни по совести становится не материальное благо, а просто жизнь. В картине есть несколько страшных сцен, однако режиссер сосредоточен в первую очередь не на них, а на внутренних переживаниях своего героя. Но это не стандартный байопик, лента построена не столько на фактах, сколько на ощущениях и впечатлениях. Смотреть ее тяжело и некомфортно, но ценен уже тот факт, что эта история рассказана — и прозвучала на родном языке.
Нельзя не сказать о фильме зрительских симпатий «Надо мною солнце не садится», который снимался в самой северной точке Якутии. Фильм рассказывает о подростке Алтане, который, поссорившись с отцом, приезжает работать на Крайний Север. Ему предстоит провести целый месяц в одиночестве на безлюдном острове. Но вскоре у Алтана появляется сосед – старик Байбал. Он приехал сюда доживать свои последние дни и просит Алтана похоронить его рядом с могилой жены. Но парень узнает, что у старика в молодости пропала без вести дочь. Он уговаривает старика создать развлекательный видеоблог, чтобы найти его дочь, а заодно оттянуть день смерти старика. Каждый день Алтан делает всё, чтобы старик захотел прожить еще один прекрасный день.
Этот полнометражный режиссерский дебют Любови Борисовой вызвал немало добрых улыбок у зрительского зала. Фильм «Надо мною солнце не садится» – уже вторая якутская картина в конкурсе Московского кинофестиваля. В прошлом году именно лента из Якутии «Царь-птица» получила главный приз смотра.
Фильм «День субботний» представил во всей полноте острейшую для всего мира проблему терроризма. Сюжет основан на реальных событиях. Начиная с 2015 года в Бангладеш произошли более 30 исламистских террористических нападений на религиозные меньшинства, независимых писателей и блогеров, борцов за права ЛГБТ и либеральных мусульман. Теракт в бангладешском кафе Holey Artisan Bakery 1 июля 2016 года оказался самым кровавым в истории Бангладеш. Режиссер фильма Мостофа Сарвар Фаруки сказал на пресс-конференции: «В нашем фильме мы хотели передать ощущение невыносимости происходящего вокруг». Картина рассказывает, как в тихий субботний вечер в центре столицы Бангладеш раздается взрыв. Посетители кафе, в котором произошел теракт, оказываются в заложниках. Террористы-радикалы используют религию, чтобы оправдать необходимость насилия. Заложники – также правоверные мусульмане – пытаются защитить свои гуманистические ценности. Фильм рассказывает о столкновении и глубинных противоречиях между религией, идеологией и цивилизацией.
Фильм «День субботний» подвергается резкой критике как со стороны госчиновников в Бангладеш, так и со стороны радикальных исламистов. Несколько недель назад картина была запрещена государственными органами цензуры в Бангладеш и не получила прокатного удостоверения. Одновременно с этим исламистские организации объявили режиссера фильма врагом ислама и начали массивную кампанию в интернете против него и актрисы Нусрат Имроз Тиша, сыгравшей главную роль.
Фильмом закрытия ММКФ стала документальная лента Вернера Херцога и Андре Сингера «Встреча с Горбачевым», которая выйдет в российский прокат, а потом будет показана и по ТВ. В его основу легли три интервью с экс-президентом СССР, которые были сняты в течение полугода. Ни Херцог, ни Горбачев на премьере не присутствовали. Фильм получился поверхностным и не глубоким. Своеобразная биография и рассказ о жизни Горбачева. В десятом классе вступил в партию, еще в школе был награжден медалью за уборку урожая зерна на Ставрополье…, с золотой медалью окончил школу, поступил без экзаменов в МГУ на юридический факультет. Вернулся в родной край, стал заниматься сельским хозяйством. Особенно удалось ему провести автоматизацию стрижки овец. И как горько пошутил рядом со мной сидящий зритель, вот он и постриг как овец всех советских людей своей политикой. В результате СССР развалился и, отдав все и разоружившись, получил максимальное приближение войск НАТО к своим границам.
Кроме рассказа о себе главного героя авторы приводят интервью экс-президента Польши Леха Валенсы, премьер-министра Венгерской Народной Республики Миклоша Немета, государственного секретаря США при Рейгане Джорджа Шульца, советника Гельмута Коля Хорста Тельчика. Все они, кроме, пожалуй, Валенсы, отозвались о Горбачеве и его роли в политических процессах с большим уважением.
Московский кинофестиваль - один из старейших в мире с аккредитацией класса А Международной федерации ассоциаций кинопродюсеров. Соответствующие киносмотры имеют ряд формальных признаков: проводят неспециализированный конкурс не менее чем из 12 полнометражных картин из разных стран (как правило, это должны быть мировые премьеры), имеют международное жюри и официальную поддержку на государственном уровне. Не секрет, однако, что ММКФ давно выступает в совершенно другой «весовой категории», нежели Берлин, Венеция или Канн, поэтому соблюдать условие премьерности приходится, отбирая в конкурс либо фильмы из стран с развивающейся кинематографией, либо произведения дебютантов или авторов, скажем, не самых очевидных. Несмотря на все эти трудности фестиваль продолжается и открывает новые неожиданные смыслы, привлекая к себе как молодых, начинающих авторов, так и хорошо известных, уважаемых мастеров.

Борис Примочкин, Наталья Ковалева