gen_1530.1.gif
Главная
Новости
Социум
Бизнес и Финансы
Связь и IT
Кино, театр
Музыкальные истории
Медицина и экология
Транспорт
Строительство
Страхование
Сервис и торговля
Книги
Музеи и выставки
События и люди
Образование
Женская логика
Энергетика, нефтехимия
Спорт и отдых
Знакомство
Песни Б. Примочкина
Дом советов
Стихи и проза
Дневники Л.Волкова
Детская
Переходный возраст
СТОП-КАДР
Отзывы наших читателей
Написать отзыв

 

Музыкальные истории


 


ОПЕРА В МУЗЕЕ

 

     22 ноября 2016 года выдался Теплый вечер для тех, кто пришел
     в Московский Музей образования. 


На этот чудесный спектакль пригласили  Оперная студии "Созвездие" и Вокально-хоровая студия Народного коллектива хора учителей города Москвы.


Слушатели отметили высокий уровень исполнения вокальных партий. С интересом  наблюдали за трогательной романтической историей о дочери короля и её рыцаре!


«Иоланта» - опера в одном действии Петра Ильича Чайковского на либретто М.И. Чайковского по пьесе В.Р. Зотова, которая, в свою очередь, основана на драме Генриха Герца «Дочь короля Рене».

  История создания
     «Иоланта» — последняя опера П.И.Чайковского.
В 1884 г. композитор прочёл выполненный Ф.Миллером перевод одноактной драмы в стихах датского писателя Г.Герца «Дочь короля Рене».

К сочинению «Иоланты» Чайковский приступил в 1891 г. начав её 10 июля с финального дуэта. К 4 сентября вся музыка была написана, а в декабре закончена оркестровка.

В период создания «Иоланты» Чайковский был увлечен философией Спинозы.
Согласно Спинозе («Этика», часть 1 «О Боге»), Бог и природа — это единая, вечная и бесконечная субстанция. Качественная характеристика субстанции раскрывается, по Спинозе, в понятии атрибута как ее неотъемлемого свойства. Число атрибутов в принципе может быть бесконечно, хотя человеческому уму открываются только два из них - протяжение (res extensa, то есть материальное) и мышление (res cogitas, то есть идеальное). Иными словами, материальное и идеальное пребывают в нерасторжимом единстве, и условием — в случае с Иолантой — прозрения физического (материального) является прозрение духовное (идеальное).

     Краткое содержание
На юге Франции в горах расположен замок короля Прованса Рене. Здесь живёт дочь короля Иоланта. Она слепа от рождения. По требованию короля окружающие тщательно скрывают от неё тайну, никто из посторонних под страхом смерти не смеет проникнуть в замок.
Иоланта с Мартой и подругами в саду. Иоланта задумчива, печальна, она подозревает, что от неё что-то скрывают. Марта и подруги стараются успокоить Иоланту. Они просят музыкантов, чтобы те сыграли что-нибудь весёлое, но Иоланта останавливает их. Она просит девушек нарвать ей цветов, девушки уходят. Иоланта поёт ариозо «Отчего это прежде не знала».
Девушки приносят корзину с цветами. Звучит их хор «Вот тебе лютики, во
т васильки». Марта укладывает Иоланту, девушки поют колыбельную «Спи, пусть звуки колыбельной навевают сны», Иоланта засыпает.

Прибывает король и вместе с ним Эбн-Хакиа, мавританский врач. Врач осматривает Иоланту, пока она спит, король в волнении
ожидает вердикта: «Ужели роком осуждён страдать невинно ангел чистый?» Эбн-Хакиа говорит, что к Иоланте может вернуться зрение, если она будет знать о своей слепоте и страстно желать исцеления. Звучит монолог Эбн-Хакиа «Два мира». Король не хочет раскрывать тайну и разгневанный уходит.
 
Сбившись с пути, в сад попадают рыцари Роберт и Во
демон. Роберт влюблён в графиню Лотарингии Матильду, он едет к королю, чтобы просить расторгнуть помолвку с Иолантой. Рыцари видят надпись, запрещающую входить в сад, но бесстрашно заходят внутрь. Они говорят об Иоланте. Роберт утверждает, что она чопорна и горда, и поёт арию «Кто может сравниться с Матильдой моей». Водемон мечтает о светлом ангеле в ариозо «Чары ласк красы мятежной мне ничего не говорят».
     Рыцари идут по саду Вод
емон видит спящую Иоланту, он восхищён ею. Роберт пытается увести Водемона, Иоланта просыпается. Она приветливо встречает рыцарей, приносит им вина. Водемон остаётся наедине с Иолантой. Он просит её сорвать красную розу в память о её жарком румянце и, когда девушка срывает белую, а потом не может сосчитать розы, не потрогав их, уверяется, что Иоланта слепа. Охваченный состраданием, Водемон рассказывает ей о том, как прекрасен свет, вечный источник радости и счастья (ариозо «Чудный первенец творенья»).
     Появляются король, Эбн-Хакиа, Бертран и Альмерик. Становится ясно, что Иоланта знает о своей слепоте. Король в отчаянии, он пр
едлагает дочери начать лечение. Она отвечает, что не может пламенно желать того, о чём не знает, но послушает отца. Эбн-Хакиа тихо говорит королю, что тогда надежды на успех нет. Но тому приходит мысль, как помочь Иоланте. Он притворно угрожает Водемону смертной казнью, если лечение не поможет Иоланте. Иоланта готова перенести мучения, чтобы спасти Водемона, но врач говорит, что она должна только пламенно желать увидеть свет.
     Иоланта горячо и страстно поёт свою арию «Нет, назови мученья, страданья, боль: о , чтоб его спасти, безропотно могу я все снести». Водемон падает перед ней на колени: «Ангел светлый! Дорогая, пред тобой склоняюсь я!» Иоланта в сопровождении врача уходит. Король признаётся Водемону, что угрожал ему притворно
. Водемон сообщает, что он Готфрид Водемон, граф Иссодюна, Шампани, Клерво и Монтаржи, и просит руки Иоланты. Король отвечает, что дочь помолвлена с другим.
     В это время возвращается Роберт. Увидев короля Рене, он преклоняет перед ним колени, тогда Водемон понимает, что говорил с королём. Роберт признаётся, что любит Матильду, король возв
ращает данное им слово. Теперь король может отдать дочь Водемону. Входит Бертран с вестью, что Иоланта видит.

Этот спектакль надо играть и петь на сценах актовых залов школ.
Cсюжет этой оперы вполне доступен сегодняшним  школьникам.
Он ни в чем не уступает содержанием и музыкальным темам тем  «мюзиклам», афиши которых развешаны по Москве.   

И жаль, что в зале Музея не было молодежи! Да и слушателей-зрителей могло быть и больше, и было бы громче  «Браво», которым наградили всех, кто так порадовал исполнением этого оперного шедевра. А многие в зале – и я с ними – подпевали тем, кто вышел на сцену.   
 
К сожалению тех, кто собрался в зале, не было программки со списком исполнителей главных партий. И я просто получила «автографы» певцов и исполнительницы партии фортепиано.

  
Самое главное в спектакле – мастерство Людмилы Петруниной. Она смогла так исполнить партию Оркестра, что ей адресовано моё главное восхищение.
Вот в её мастерстве играть на пианино и заключается всё, что принесли замечательные и очень современные певцы, исполнившие 22.11.2016 оперу Чайковского «Иоланта».

      О тех, кто поет в Оперной студии расскажу позже Встречусь  с ними в декабре, и тогда будет рассказ об исполнителях-певцах, и даже интервью с теми, кто так щедро приносит радость встречи с Настоящей Музыкой.

Наталья Щербина


О  СТАТЬЕ.

Отклики


В очерке Натальи Щербиной о
спектакле по "Иоланте" в Московском музее образования слилось знание и понимание музыки автором с талантом журнаолиста-рассказчика и вдохновенного воспитателя.

С интересом и волнением ждёшь  обещанного продолжения повествования о спектакле. С благодарностью,

Борис Михайлович Бим-Бад
действительный член (академик) Российской академии образования. Доктор педагогических наук, профессор, член МФКО и телеведущий.

 

  О концерте 
в  Московском  музее образования


Как всегда   с большим  интересом просмотрела и прочитала статью Натальи Щербиной  о Московском  музее образования. Оказывается, в его стенах, проходят ещё и  спектакли. О замечательной постановке  оперы «Иоланта» оперной  студией «Созвездие»  и  коллективом  Вокально-хоровой студии народного   хора учителей  написала Наташа.  Далее в этой статье, с интересом  читаем, экскурс в историю создания  этой последней  оперы П.И.Чайковского. Сюжет,  обращает нас в рыцарские  времена, где так  ценится Любовь  и  Верность, способная творить чудеса! Иоланта прозревает, встретив свою  любовь. 

   Всё, что пишет о музыке Наталья Щербина   пронизано любовью  к  своему предмету  обожания – Музыке. Она сама прекрасная  пианистка  и теоретик  музыки, поэтому  так интересно и познавательно всё, что  она  говорит или пишет по  этой теме.
Буду  ждать с нетерпением продолжения этой  публикации  об исполнителях-певцах, с которыми автор  встретится в декабре и обещает  рассказать нам  о них. Спасибо за  эту статью, к а к всегда это была  встреча с Прекрасным!

Валентина Степанова

Преподаватель латинского,
античной литературы
      писатель



ЛЕГЕНДЫ, КОТОРЫЕ СВЯЗАНЫ С ПИФАГОРОМ И МУЗЫКОЙ

 

Пифагор был не только математиком и философом, он был и теоретиком музыки.
Однажды, проходя мимо кузницы, Пифагор услышал, как удары молотов создают вполне определенное созвучие, и после этого занялся экспериментами, пытаясь найти соотношения между высотой тона и числами.

Он увлекся идеей «Музыки  Сфер», стремясь связать гармонические  звуки с планетарными сферами.  
Он полагал, что различные небесные тела, совершая круговращенье, издают звуки невероятной силы, и что, совокупность этих звуков  рождает гармоническое созвучие – музыку.
В учении Пифагора  эта музыка  называется (Musica mundana), что означает Мировая музыка.
 По свидетельству Ямвлиха, философ «вонзал уши в воздушные симфонии мира» и слушал  музыку сфер, после чего, при помощи музыкального инструмента и голоса пытался  воспроизвести ее.
Структуру вселенной Пифагор уподоблял совершенному музыкальному инструменту, ибо все, происходящее в ней – движение планет, смена времен года – все это, по его мнению, подчинено законам  гармонических   пропорций,  которые и образуют единую, всеобщую гармонию мира. Именно так Пифагор представлял себе музыку, которая звучит во  Вселенной.
Пифагор утверждал, что «музыка очень благотворно действует на здоровье, если заниматься ею «подобающим образом». Поэтому пифагорейцы, «отходя ко сну».  очищали разум от дневного смятения и шума песнями и особого рода мелодиями,  и этим обеспечивали себе спокойный сон с немногими и приятными сновидениями».
Легенда гласит, что он  однажды прогуливался и услышал звуки молотов из кузницы, которые ковали железо; прислушавшись к ним, он понял, что их стук создает гармонию.
Позже, опытным путем Пифагор установил, что различие звуков зависит только от массы молотка, а не от других характеристик. Потом философ сделал из струн устройство с различным количеством гирек; струны крепились к гвоздю, который был вбит в стену его дома. Ударяя по струнам, он вывел понятие Октавы, и то, что её соотношение равно 2:1, открыл квинту и кварту.
Затем Пифагор сделал устройство с параллельными струнами, которые натягивались колками. С помощью этого инструмента он установил, что определенные созвучия и законы есть во многих инструментах: флейтах, цимбалах, лирах и других устройствах, с помощью которых можно производить ритм и мелодию.
Есть легенда, которая повествует о том, что однажды гуляя, Пифагор увидел неистовую  толпу, которая вела себя неподобающим образом, а впереди толпы шел  флейтист.
Философ приказал этому музыканту, сопровождавшему толпу, играть – тот заиграл, и вмиг все успокоились. Так с помощью музыки можно управлять людьми.


Н.Щербина
По материалам Интернет-сайтов о Музыке



КОНЦЕРТ В БОЛЬШОМ ЗАЛЕ "ДОМА УЧЕНЫХ"

 

На концерт 6 февраля 2016 шла, сомневаясь, что получу удовольствие от услышанного.  
Из материалов об оркестре в Интернете  узнала, что Симфонический оркестр имени А.П.Бородина в Центральном Доме ученых можно на
звать «Художественной самодеятельностью».
Я стараюсь не встречаться с та
ким явлением как «Самодеятельность».

Значение слова по Ожегову:
«Самодеятельность - Непрофессиональная театральная, исполнительская, художественная деятельность
Самодеятельность Самовольные действия».

И многие мои друзья сейчас вообще стараются держаться подальше от  «концертных залов». Динамики и микрофоны с «современной громкостью» просто пугают.


Пригласила на концерт  Любовь Шарнина. С её творчеством знакома, и её исполнение любого вокального репертуара всегда удовольствие, всегда открытие совсем новых оттенков большей частью Великих произведений. И шла слушать её.
Но вдруг…  

Оркестр под управлением профессора
Павла Ландо…


Уже давно музыка в современном изложении перестала радовать и удивлять. И вот…
Хорошее это дело получить вот такое «ВДРУГ».

Настоящий Вивальди! Нежность и чистота звучания  оркестра. Настоящая камерность и симфонизм.
Стиль Вивальди отличают мелодическая щедрость, динамичность и экспрессивность звучания, прозрачность, стройность в сочетании с эмоциональным богатством. И всё это привел в концертный зал Центрального Дома ученых оркестр под управлением П.Б.Ландо, и дал возможн
ость услышать настоящую Музыку  публике в зале.

Выступление учениц профессора Л.А Шарниной
доставило не только удовольствие, но и привело на сцену девушек-вокалисток, которые исполнили необычный сегодня репертуар. Редко можно услышать теперь Дж.Перголези, К.Дебюсси, Э.Грига. Можно, конечно, поискать в Интернете то, что обозначено в программе концерта. Но ведь это записи…  А на сцене в зале Дома ученых было «живое исполнение».  
Хорошие будут певицы!
     И еще многое получат совсем скоро  от своего
замечательного профессора
Любови Александровны Шарниной.
Доберут то, что отличает этого преподавателя от многих сегодняшних вокалистов.

Она – настоящий Музыкант.
Не довольствуется чисто «техническими» возможностями вокала. Ей удается донести смысл и драматургию исполняемого. Она не только мелодии воспроизводит.
Она создает новые образы, новые характеры персонажей, т.е. тех, о ком рассказывает произведение.

Пример?
 Хабанера из оперы Ж.Бизе «Кармен». Другая у неё Кармен, нежная и загадочная. И жаль, что не встретим сегодня мы запись её исполнения этой знаменитой арии.


Из истории русской Музыки
В середине ХIХ в. положение профессиональных музыкантов в России было сложным.
Часть их продолжали быть крепостными помещиков; музыкальная деятельность как профессия не была легализована, и закон признавал лишь тех музыкантов, которые состояли на службе в казенных учреждениях. Лицам дворянского звания закон косвенно запрещал заниматься профессиональной музыкально-сценической деятельностью (открыто занимаясь ею, они обязаны были отказаться от дворянского звания).
Концертная жизнь также была скудной, особенно в Москве. В Петербурге с 1802 г. существовало Филармоническое общество, которое, хотя и нерегулярно, все же знакомило слушателей с музыкальными новинками. А в Москве не было специальной концертной организации, и серьезная музыка звучала редко.  
Основным источником распространения музыки было камерное музицирование, которое, хотя и было распространено в дворянских и богатых купеческих семьях, все же охватывало узкий круг людей. Вместе с тем в обществе возрастала потребность в хорошей музыке.
В России уже существовала композиторская школа; создавались произведения, обессмертившие отечественное искусство.  В.В.Стасов и композиторы «Могучей кучки» во главе с М.А.Балакиревым, справедливо полагали, что необходимо прекратить подражать Западу и начать  способствовать развитию
русского  искусства. Во всех отношениях музыкальная культура России переживала обновление. Начиналась Эра русской музыки.
И это естественно, ведь изменения происходили в это время в общественной жизни, науке, литературе, живописи России.  
Не осталась в стороне и музыка. И во многом это было связано с деятельностью композиторов, вошедших в «Могучую кучку». Так называлось творческое содружество композиторов, возникшее на рубеже 50 —60-х годов Х1Х века.
Оно было известно также под названием «Балакиревский кружок», или «Новая русская музыкальная школа». На Западе кружок называли «Пятеркой» по количеству входящих в него музыкантов. Название «Могучая кучка» дал содружеству В. В. Стасов. В одной статье он писал: «Сколько поэзии, чувства, таланта и умения есть у маленькой, но уже могучей кучки русских музыкантов».
Кружок складывался в течение нескольких лет (1856 —1862) вокруг Балакирева.
Раньше других с Балакиревым сблизился военный инженер по профессии, композитор и музыкальный критик Цезарь Кюи. Это было в 1856 году.
Спустя год к ним присоединился офицер Преображенского полка Модест Мусоргский. В ноябре 1961 года в содружество влился 17-летний выпускник Морского офицерского корпуса Николай Римский-Корсаков. Осенью 1862 года в доме профессора Боткина состоялось знакомство Б
алакирева с молодым ученым, профессором Медико-хирургической академии Александром Бородиным. С осени 1865 года после возвращения Римского-Корсакова из кругосветного путешествия собрания кружка стали проходить в полном составе.
На собраниях «Могучей кучки» молодые музыканты изучали лучшие произведения классического наследия и современной музыки. Причем эти встречи были не только школой профессионального мастерства. Здесь складывались их эстетические взгляды. «Кучкисты» читали произведения Мировой классической литературы, обсуждали политические, исторические события. Идеологом кружка был Стасов.  Нередко он подсказывал им замыслы будущих творений: предложил Бородину написать оперу по «Слову о полку Игореве», подал Мусоргскому мысль о «Хованщине».
Удивительно теплая дружеская атмосфера царила внутри «Могучей кучки». Члены кружка всегда были друг для друга надежной опорой, готовы были поделиться идеями, сюжетами, прийти на помощь.
Например, Балакирев и Мусоргский подсказали Римскому-Корсакову сюжеты симфонии «Антар» и оперы «Псковитянка». Сборник алжирских мелодий, из которого композитор взял основные темы для симфонии, ему подарил Бородин. Мусоргский передал Римскому-Корсакову план музыкальной картины «Садко». А Римский-Корсаков после смерти своих друзей проделал титаническую работу по завершению или
оркестровке опер Мусоргского «Хованщина», «Борис Годунов», «Женитьба», оперы Бородина «Князь Игорь».
Всех членов содружества объединяло стремление продолжить дело Глинки во славу и процветание Отечественной музыки. Члены «Могучей кучки» продолжили дело собирания русских народных песен, чьей красотой они восхищались. 40 русских народных песен собрал и обработал Балакирев, 100-Римский-Корсаков.
Они не просто восхищались фольклором. Любовь к русской песне наложила отпечаток на стиль произведений самих композиторов, отличающийся национальным колоритом.
В 1860 г. в Петербурге, в помещении Михайловского дворца (ныне «Русского музея»), по инициативе А.Г.Рубинштейна открылись общедоступные Музыкальные классы. Их программа преследовала цель привлечь широкий круг любителей музыки к профессиональному образованию и предусматривала обучение теории музыки и пению.
Осенью 1862 г. состоялось торжественное открытие Петербургской консерватории – первой русской консерватории. Именно Консерватория стала готовить профессионалов-музыкантов.



А теперь о том, почему оркестр Дома ученых  должен быть популярен и любим публикой.  И почему телеканалы должны соревноваться за то, чтоб с экранов звучала всё-таки не только очень современная, но такая надоевшая попса.
С одной стороны, музыка – это развлечение. В нашем распоряжении радио и телевидение, диски – объем музыкального материала огромен. Но в то же время музыка может выполнять воспитательные и даже идеологические задачи.
Основной особенностью симфонического оркестра имени А.П.Бородина является его «любительский» состав.  Музыканты оркестра – люди самых разных профессий – отдают свое свободное время служению искусству.  Именно это и является поводом говорить о том, что традиции русской классической музыки не ушли в историческое прошлое. Оркестр имени Бородина ЦДУ РАН о них помнит и не потеряет, пока будет жить и радовать выступлениями.


С 1981 года бессменным художественным руководителем и дирижером оркестра является профессор Московской государственной Консерватории Павел Борисович Ландо.  Музыка для него это не только один из видов искусства, но и особый язык общения. С ее помощью он делится мыслями, чувствами и эмоциями.
Дирижер — это мастер убеждения и внушения, знаток психологии отношений, который может найти нужный подход и правильные слова для каждого исполнителя.  Движением дирижерской палочки, жестами, мимикой дирижер передает оркестру  свое понимание, свое толкование музыкального произведения. Оркестр — это инструмент, на котором он «играет».

Павел  Ландо о себе:

«Дирижерская профессия очень трудна. Помимо хорошего развитого музыкального слуха требуются большие специальные знания по всем разделам разветвленной музыкальной науки, специальная дирижерская одаренность, способность передавать коллективу людей свои представления о характере и оттенках исполняемого произведения, воля и многие другие качества. Но главным, на мой взгляд, в дирижерской профессии является беспредельная любовь к музыке, вера в ее главную миссию — объединять людей, делать их добрее, чище, наполнять жизнь человека высокой поэзией музыкального творчества гениальных представителей человечества — творцов музыки. Я полагаю, что,
если человек знает и любит народное творчество, знает и любит музыкальную классику русских и зарубежных композиторов, он и работать будет иначе — творчески активно».


В апреле 1994 года газета «Вечерняя Москва» напечатала заметку «Учёные и не на такое способны». В ней кратко приводится история жизнедеятельности оркестра Дома учёных и рассказывается о его успехах.

Участники оркестра считают, что игра в оркестре способствует раскрытию в них совершенно новых качеств.
Оркестр имеет сложившиеся традиции, среди которых –
выступления с художественными коллективами Дома Ученых, музыкальное воспитание московской молодежи и студенчества, музыкально-литературные салоны, сотрудничество с известными исполнителями.

Наталья  Щербина





МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА

 

Огромная сеть образовательных учреждений, не относящихся к Министерству образования. Система воспитания музыкальных навыков, основанная знаменитыми сестрами Гнесиными еще в позапрошлом веке, благополучно пережившая кровавых безбожников и — удивительно — не пошатнувшаяся от того, что из нее вышла всякая там диссидентствующая интеллигенция.
Ничего практически не изменилось и с наступлением новой российской независимости. Стали жить музыкальные школы еще более бедно, но, поскольку дело все равно держалось главным образом на почти религиозном отношении, лучшие кадры остались. «Жизнь, отданная музыке и детям» — именно в таком, конечно, порядке. Теперь что же? Бюджет у нас, масштабные задачи, поважнее музыкального воспитания и энтузиастов-преподавателей. Баха всякого с Бетховеном.
И будет сделано вот что. Из нынешнего количества музыкальных школ в культурном обороте останется примерно шестая часть. Для Москвы, скажем, из 120 — 20. И учиться в этих оставшихся школах будут только музыкально перспективные дети. Оставшиеся музыкальные школы будут переведены или в разряд филиалов, или в разряд просто кружков. И проходить они будут, по всей видимости, по ведомству Министерства образования, то есть подчиняться учителя скрипки и даже баяна начнут директорам обычных школ. Много ему дела до баяна, директору. В Москве еще, может, он на этом как-то придумает заработать, а где-нибудь в глубокой провинции?
Еще будет интересный вопрос с помещениями. Музыкальным-то школам подавай обычно какую-нибудь хорошую недвижимость, со множеством кабинетов да со звукоизоляцией; ну для шестой части нынешних школ все это останется.
А остальное перейдет в ведение новых хозяев, и нельзя не предположить, что заниматься фортепиано, скажем, будет сочтено выгодным и удобным в тех же общеобразовательных школах — для экономии. Просто в класс биологии, к скелету, туда, в уголок, еще рояль поставят. Что от него останется, от этого рояля, что на нем будут исполнять общеобразовательные ученики — вопрос, скажем так, технический.
Но не в рояле дело! Подавляющее большинство учеников музыкальных школ в музыканты не стремятся — это родители хотели бы привить им разные навыки. Учеба музыке воспитывает — в нынешней старорежимной традиции — определенную регулярность, умение ежедневно работать, умение слушать себя и исправлять самому свои ошибки; да чисто с физиологической точки зрения мелкая моторика очень улучшает производительность головного мозга.
Теперь все это станет уделом избранных, а для прочих, для черни и плебса, останется или суррогат — потому что не верю я в настоящую кропотливую музыкальную работу вне специального учебного заведения, — или те же музыкальные школы, но частные, то есть за большие деньги.
Хочется, конечно, чтобы вся эта реформа оказалась слухом. Скверным музыкальным слухом.


Источник:  http://www.vedomosti.ru/newsline/news/1726486/kirill_haratyan_skvernyj_sluh



ЖИЗНЕННЫЕ ПРАВИЛА ДЛЯ МУЗЫКАНТОВ

 


Развитие слуха - это самое важное. Старайся с юных лет распознавать тональности и отдельные звуки. Колокол, оконное стекло, кукушка - прислушайся, какие звуки они издают.
 
Играй усердно гаммы и другие упражнения для пальцев. Но есть много людей, которые полагают, что этим все и достигается, которые до глубокой старости ежедневно проводят многие часы за техническими упражнениями. Это приблизительно то же самое, что ежедневно произносить азбуку и стараться делать это все быстрее и быстрее. Употребляй свое время с большей пользой.
 
Изобрели так называемую "немую клавиатуру"; попробуй немного поиграть на ней, чтобы убедиться в ее полной непригодности. У немых нельзя научиться говорить.
 
Играй ритмично! Игра некоторых виртуозов похожа на походку пьяного. Не бери с них примера! Изучи как можно раньше основные законы гармонии.
 
Не бойся слов: теория, генерал-бас, контрапункт и т.п.; они встретят тебя приветливо, если ты поступишь так же.
 
Никогда не бренчи! Всегда бодро играй пьесу до конца и никогда не бросай на половине.
 
Тянуть и спешить - одинаково большие ошибки.
 
Старайся играть легкие пьесы хорошо и красиво; это лучше, чем посредственно играть трудные.
 
Всегда проявляй заботу о чистоте настройки своего инструмента.
 
Необходимо, чтобы пьесой овладели не только пальцы, ты должен уметь также напевать ее про себя без инструмента. Обостряй свое воображение настолько, чтобы ты мог удержать в памяти не одну лишь мелодию, но и относящуюся к ней гармонию.
 

Старайся, даже если у тебя не большой голос, петь с листа без помощи инструмента; тонкость твоего слуха будет от этого все время возрастать. Если же у тебя хороший голос, не медли ни минуты и развивай его; рассматривай это как прекраснейший дар, которым тебя наделило небо.
 
Ты должен настолько себя развить, чтобы понимать музыку, читая ее глазами.
 
Когда ты играешь, не беспокойся о том, кто тебя слушает.
 
Играй всегда так, словно тебя слушает мастер.
 
Если тебе предложат сыграть с листа незнакомое сочинение, то сначала пробеги его глазами.
 
Если ты выполнил свою повседневную музыкальную работу и чувствуешь усталость, не насилуй себя больше. Лучше отдыхать, чем работать без охоты и бодрости.
 
Когда будешь постарше, не играй ничего модного. Время дорого. Надо иметь сто человеческих жизней, чтобы познакомиться только со всем хорошим, что существует на свете.
 
На сладостях, печенье и конфетах из ребенка никогда не вырастить здорового человека. Духовная пища так же, как и телесная, должна быть простой и здоровой. Великие мастера достаточно позаботились о такой пище; ее и придерживайтесь.
 
Весь хлам пассажей имеет преходящее значение; техника обладает ценностью только там, где она служит высшим целям.
 
Ты не должен распространять плохие сочинения: наоборот, должен всеми силами препятствовать их распространению.
 
Ты не должен ни играть плохие сочинения, ни слушать их, если только тебя к этому не принуждают. Никогда не ищи спасения в технике, в так называемой бравурности. Старайся, чтобы музыка произвела то впечатление, которое имел в виду автор; большего не
надо; все, что сверх этого - искажение. Считай безобразием что-либо менять в сочинениях хороших композиторов, пропускать или, чего доброго, присочинять к ним новомодные украшения. Это величайшее оскорбление, какое ты можешь нанести искусству.
 
Выбирая пьесы для работы, советуйся со старшими; ты этим сбережешь себе много времени. Постепенно знакомься со всеми самыми значительными произведениями всех значительных мастеров.
 
Не обольщайся успехом, который часто завоевывают так называемые большие виртуозы. Одобрение художников пусть будет для тебя ценнее признания целой толпы.
 
Все модное становится со временем немодным, и если ты до старости будешь модничать, из тебя получится фат, которого никто не уважает.
 
Частая игра в обществе приносит больше вреда, чем пользы. Присматривайся к людям, но никогда не играй того, чего ты должен был бы внутренне стыдиться.
 
Но никогда не упускай возможности участвовать в совместной игре в дуэтах, трио и т.п. Это придаст твоей игре свободу и живость. Почаще аккомпанируй певцам.
 
Если бы все хотели играть первую скрипку, нельзя было бы составить оркестра. Уважай поэтому каждого музыканта на его месте.
 
Люби свой инструмент, но в своем тщеславии не считай его высшим и единственным. Помни, что существуют другие и столь же прекрасные. Помни и о существовании певцов; не забудь, что самое высокое в музыке находит свое выражение в хоре и оркестре.
 
Когда подрастешь, общайся больше с партитурами, чем с виртуозами.
 
Играй усердно фуги больших мастеров, особенно Иог. Себ. Баха. "Хорошо темперированный клавир" должен быть твоим хлебом насущным. Тогда ты, безусловно,  станешь основательным музыкантом.
 
Ищи среди своих товарищей таких, которые знают больше, чем ты.
 
Отдыхай от своих музыкальных занятий, усердно читая поэтов. Чаще бывай на лоне природы.
 
У певцов и певиц можно многому научиться, но и не во всем доверяй им.
 
За горами тоже живут люди. Будь скромен! Ты еще не изобрел и не придумал ничего такого, чего до тебя не придумали и не изобрели другие. А если бы тебе это и удалось, то рассматривай это как дар свыше, который ты должен разделить с другими.
 
Изучение истории музыки, подкрепляемой живым слушанием образцовых произведений различных эпох, скорее всего , излечит тебя от самомнения и тщеславия.
 
Прекрасная книга о музыке - "О чистоте музыкального искусства" Тибо. Читай ее почаще,  когда повзрослеешь.*
 
Если ты проходишь мимо церкви и слышишь, что в ней играют на органе, войди и послушай. Если тебе посчастливится самому сесть на органную скамью, то испытай свои маленькие пальцы и подивись этому всемогуществу музыки.
 
Не упускай случая поупражняться на органе; нет инструмента, который так же быстро мстил бы за неряшливость и грязь в сочинении и в исполнении.
 
Пой усердно в хоре, особенно средние голоса. Это разовьет в тебе музыкальность.
 
Но что значит быть музыкальным? Ты немузыкален, если, боязливо уставившись глазами в ноты, с трудом доигрываешь свою пьесу; ты немузыкален, если в случае, когда кто-нибудь нечаянно перевернет тебе сразу две страницы,- остановишься и не сможешь продолжать. Но ты музыкален, если в новой пьесе приблизительно догадываешься, что будет дальше, а в знакомой уже знаешь это наизусть,- словом, когда музыка у тебя не только в пальцах, но и в голове и в сердце.
 
Но как стать музыкальным? Милое дитя, главное - острый слух, быстрая восприимчивость дается, как и все, свыше. Но способности можно развивать и совершенствовать. Ты не станешь музыкальным, если, отшельнически уединяясь,  целыми днями будешь заниматься техническими упражнениями; ты приблизишься к цели, если будешь поддерживать живое, многостороннее общение с музыкантами и, в частности, если будешь постоянно иметь дело с хором и с оркестром.
 
Как можно раньше уясни себе объем человеческого голоса в его главных четырех видах; особенно прислушивайся к голосам в хоре; выясни, в каких регистрах они обладают наибольшей силой, в каких им доступны выражения мягкости и нежности.
 
Прислушайся внимательно ко всем народным песням; это целая сокровищница прекраснейших мелодий, они откроют тебе глаза на характер различных народов.
 
Практикуйся с раннего возраста в чтении старых ключей. Иначе для тебя останутся недоступными многие сокровища прошлого.
 
Как можно раньше примечай звук и характер различных инструментов, старайся запечатлеть в своем слухе их своеобразную звуковую окраску.
 
Никогда не упускай случая послушать хорошую оперу.
 
Высоко чти старое, но и новое встречай с открытым, горячим сердцем. Не относись с предубеждением к незнакомым тебе именам.
 
Не суди о сочинении, прослушав его один раз; то, что тебе понравится в первый момент, не всегда самое лучшее. Мастера требуют изучения. Многое станет тебе ясным лишь в глубокой старости.
 
В суждениях о музыке различай, принадлежит ли произведение к области профессионального искусства или создано только для дилетантского развлечения; первые отстаивай, по поводу других не гневайся!
 
"Мелодия" - боевой клич дилетантов. И действительно, музыка без мелодии - не музыка. Пойми, однако, что они имеют в виду: они признают лишь мелодию легко воспринимаемую, ритмически привлекательную. Но ведь есть и другие, иного склада; и где бы ты не раскрыл  Баха, Моцарта, Бетховена, на тебя глядит тысяча мелодий различных видов; убогое же однообразие, особенно типичное для новых итальянских оперных мелодий, тебе, надо надеяться, скоро наскучит.
 
Если ты подбираешь на фортепиано маленькие мелодии, это, конечно, очень мило, но если они являются сами, а не за инструментом, то радуйся еще больше - значит, в тебе пробуждается внутреннее музыкальное сознание. Пальцы должны делать то, чего хочет голова, но не наоборот.
 
Начиная сочинять, проделай все мысленно. Только когда пьеса совершенно готова, попробуй сыграть ее. Если твоя музыка вылилась из души, если ты ее прочувствовал - она также подействует и на других.
 
Если небо одарило тебя живой фантазией, то в часы уединения ты будешь, как зачарованный, сидеть за инструментом, пытаясь в гармониях излить свое внутреннее я; и тем таинственнее ты будешь чувствовать себя как бы вовлеченным в магический круг, чем менее ясным будет для тебя еще в это время царство гармонии. Это самые счастливые часы юности. Берегись, однако, слишком часто отдаваться влечению таланта, который соблазняет тебя тратить силы и время на создание как бы призрачных образов. Овладение формой, сила ясного воплощения придут к тебе только вместе с нотными знаками. Итак, больше пиши, чем фантазируй.
 
Как можно раньше познакомься с дирижированием.  Почаще наблюдай хороших дирижеров; вместе с ними можешь потихоньку дирижировать. Это принесет тебе ясность.
 
Внимательно наблюдай жизнь, а также знакомься с другими искусствами и науками.
 
Законы морали те же, что и законы искусства.
 
Старанием и выдержкой ты всегда достигнешь более высокого.
 
Из фунта металла, стоящего гроши, можно сделать тысячи часовых пружин, ценность которых увеличится в сотни раз. Фунт, полученный тобой от Бога, используй добросовестно.
 
Без энтузиазма в искусстве не создается ничего настоящего.
 
Искусство не предназначено для того, чтобы наживать богатство. Становись все более крупным художником, остальное придет само собою.
 
Лишь тогда, когда станет тебе вполне ясной форма, тебе ясным станет и содержание (der Geist)*
 
Быть может, только гений понимает гения до конца.
 
Некто утверждал, что законченный музыкант должен уметь представить себе впервые услышанное даже сложное оркестровое произведение в виде партитуры.
Это высшее, о чем можно помыслить.

 Ученью нет конца.

Перевод с немецкого А.Г.Габричевского и Л.С.Товалевой


ПОДАРОК ИЗ ДОМА КОМПОЗИТОРОВ

 

Сюда я снова попала в конце января   И подарки на день моего рождения состоялись! Вот только сразу написать об этом не получилось  Музыкальные впечатления оказались такими большими, что справляться с ними и складывать их по порядку оказалось не так просто.
Что же было?
На афише -
Дом композиторов
31 января 2013 года
Четверг
18:30    Московский музыкальный клуб Григория Фрида. Вечер музыки  Сезара Франка (1822-1890), посвященный памяти Григория Самуиловича Фрида. Исполнители: заслуженный артист РФ А.Покидченко (фортепиано), Н. Ригтер (сопрано), К.Родин (виолончель)
Комментарий к программе – Александр Покидченко.
Открытие первое.
Оказывается и сегодня с роялем может на сцене исполнитель дружить. Не стукать с бешеной скоростью по клавишам, а извлекать  точные музыкальные образы. Нет задачи «догнать и перегнать». А ведь поэтому не пошла слушать  пианистов на Конкурс Чайковского. Во время конкурса открыла страницу в Интернете  – испугалась, что  придется сбегать во время игры.
Уж говорила, что в последнее время везло на измерение «Мастерства» пианистов  секундомером.
Об Александре Покидченко в интернете самые восторженные записи.
«Александр Покидченко – один из талантливейших музыкантов и композиторов своего поколения. Яркая самобытность, неповторимая артистическая индивидуальность А.Покидченко – в сплетении в его творческом облике множества граней, в каждой из которых масштабно и цельно развивается талант музыканта. В природе его дара – яркая театральность, безошибочное чувство стиля и жанра. В композиторской работе (он окончил композиторский факультет МГК им. П
.И.Чайковского) тому примером сочинение, прозвучавшее в Большом зале Московской консерватории на вечере к 100-летию М.Цветаевой – драматическая сцена «Лабиринт» для солистов, органа и симфонического оркестра по трагедии «Ариадна». Автор показал зрелое владение средствами воссоздания поэтики трагедии, их строгий отбор, знание непреложных законов сцены, природы голоса, владение драматическим темпо-ритмом. На другом стилевом полюсе его работы в музыкальном театре – музыкальные сказки «Морозко», «Снежная королева», «Сон в зимнюю ночь» ( поставлены в «Геликон-Опера»), мюзикл «Леди Акулина» по «Барышне-крестьянке» А.Пушкина ( ныне идущий в Театре на Басманной). В них яркий талант автора – прекрасного мелодиста, владеющего палитрой джазовой ритмики и гармонии, оркестровщика, мастера музыкальной драматургии».
С первого произведения, сыгранного А.Покидченко 31 января услышала настоящее – мудрое и глубокое понимание того, что он  принес слушателям . И с каждым новым произведением это впечатление только усиливалось.
http://my.mail.ru/mail/twonn /audiotrack?file=c061621b692379d0c83a0310d061252e&uid=37548465
А дома сразу стала искать словарное определение слова «ПАФОС».
Почему-то именно это слово подставлялось к тому, что услышала?
Значение слова "Пафос" по Ожегову:
Пафос - Воодушевление, подъем, энтузиазм
"Пафос" в Энциклопедическом словаре:
(от греч. «pathos» - страдание - страсть, возбуждение, воодушевление),
1) в античной эстетике - страсть, душевное переживание, связанное состраданием.
2) ""Субстанциональное""(Гегель), всеобщее и существенное содержание, которое присутствует в человеческом ""я"", наполняя и проникая собою всю душу.
3)Идейно-эмоциональная настроенность художественного произведения или всего творчества.

4) В общеупотребительном смысле - приподнятое и восторженное состояние человеческого духа.
Вот именно такое определение я и хотела найти. И так определила для себя то, что услышала.
СЕЗАР ФРАНК. Многие слышали имя этого композитора. Но сказать, что его сочинения знакомы  даже искушенным любителям посещать концерты вряд ли удастся. Рассказываю очень коротко о том, кто он такой
. «Нет имени чище, чем имя этой великой, чистосердечной души. Почти все, кто приближались к Франку, испытывали на себе его неотразимое обаяние, и это личное обаяние играет, быть может, большую роль в том воздействии, которое продолжают и ныне оказывать его произведения на французскую музыку», — писал о нем Ромен Роллан.
Сезар Огюст Франк родился 10 декабря 1822 в Льеже (ныне Бельгия).
В 1837 он в порядке исключения был принят в Парижскую консерваторию.  Известно, что  в 1823 директор консерватории Л.Керубини отказал в приеме Ф.Листу как иностранцу, а Франк к моменту поступления тоже не имел французского гражданства.
Первыми значительными сочинениями Франка стали органные «Шесть пьес» («Six pi ces pour grande orgue» , 1860 – 1862). К этому времени он перебрался в церковь Сен-Жан-Сен-Франциск в Маре, а оттуда в церковь Сен-Клотильд, где и исполнял обязанности органиста до конца своих дней. Среди других произведений этого периода – симфоническая поэма «Что слышно на горах» («Ce q u'on entend sur la montagne» ) по В.Гюго (около 1846), комическая опера «Батрак с фермы» («La valet de ferme» , 1851 – 1852) и оратория «Вавилонская башня» («La tour de Babel» , 1865). Все они остались в рукописях, но «Что слышно на горах» – несомненно, хронологически первый образец жанра симфонической поэмы (любопытно, что позже Лист написал поэму на тот же сюжет).
В 1869 Франк создал произведение, которое часто считают лучшим в его творчестве – ораторию в восьми частях для солистов, хора и оркестра «Заповеди блаженства» («Les Beatitudes» , 1869–1879).
В 1872 Франк получил место профессора органа в Парижской консерватории. Так было положено основ
ание тому, что позднее получило название «великой традиции». Консерватория ориентировалась, прежде всего,  на оперный жанр; органный класс Франка стал по существу композиторским классом, который посещали те, кто готов был воспринять новые принципы обучения, основанные на изучении творчества Баха и Бетховена.
Он был очень талантливым педагогом, и среди учеников Франка немало выдающихся музыкантов – В. д'Энди, Э.Шоссон, П. де Бревиль, Г.Ропарц, А.Дюпарк; мнение Франка много значило для таких разных композиторов, как Ж.Бизе, Э.Шабрие, П.Дюка.
С огромным уважением к личности и творчеству Франка относился Дебюсси.
«Я хотел бы лучше запечатлеть образ С. Франка, чтобы каждый читатель смог унести в своей памяти точное воспоминание о нем... Этот человек, который был несчастным, непризнанным, обладал детской душой, настолько неистребимо доброй, что он мог созерцать всегда без горечи недоброжелательность людей и противоречивость событий», — пишет Дебюсси в одной из статей, посвященных своему учителю.
П. Дюка, не бывший учеником Франка, но испытавший на себе его влияние, говорил: «Не было и не будет профессора менее деспотичного и более уважаемого».
Из интервью А.Покидченко
«Раз в три года с Франком сражаюсь. Он  у меня не получается, но я его люблю».
Вот этой любовью поделился А.Покидченко и его друзья со зрителями в зале.
Я впервые услышала Александра со сцены. Теперь уж точно не пропущу его выступления.
Интересно всё.
Наталья Щербина


НА ТОМ ЖЕ МЕСТЕ, В ТОТ ЖЕ ЧАС

 

"Ослепительный  Александр  Цфасман"

У каждого из нас в жизни случались неудачные свидания: предположим, вы ждали ее у аптеки, а она в кино искала вас... Крылатую строку из песни неподражаемого пианиста, дирижера, композитора Александра Цфасмана каждый из нас сумеет узнать и подхватить с первой ноты. Но Цфасман - это не только "Неудачное свидание", не только "Три вальса" в блистательном актерском исполнении Клавдии Шульженко, не только музыка к "Тарапуньке и Штепселю". Александр Наумович оставил потомкам богатейшую коллекцию ни на что не похожего уникального "советского джаза", который тайком, тщательно скрывая свои "буржуазные пристрастия", изучало впоследствии не одно поколение музыкантов.


 
Ансамбль под управлением композитора и пианиста Александра Покидченко в этот вечер подарит вам встречу с ослепительной, красочной, в чем-то лиричной, где-то ироничной музыкой Александра  Цфасмана. Нежная история, которую в музыке, песнях и танцах расскажут солисты инструментального ансамбля и их приглашенные гости, покажется вам трогательной, милой, наивной - но можете не сомневаться, в этот вечер вас ждет непременно удачное свидание! Свидание с музыкой состоится на том же месте, в тот же час - 25 марта 2014 года в 19:00. Не ищите нас в кино или у аптеки - приходите в театральный зал Московского международного Дома Музыки!
 
В этот вечер на сцене
Инструментальный ансамбль п/у засл.арт.РФ, композитора Александра ПОКИДЧЕНКО
в составе:
Артем БЕЛЯЕВ, саксофон
Василий ПЕХОВ, скрипка
Николай МИРОШНИК, аккордеон
Марк ГАЙДАР, контрабас

Алексей МАКСИМОВ, бас-гитара
Антон ДАШКИН, барабаны
Солисты:
Сергей ШИТОВ, кларнет
Анатолий МАЧУЛЕНКО, гитара

 Светлана Александрова


ВОТ ТАКАЯ МУЗЫКА!

 

 

«В том, что я композитор, заслуг моих нет. Это природа. И моя задача – справиться с тем внезапно пришедшим волшебством, которое провидение милостиво мне предоставило. К этому каждый художник должен относится с большой бережностью, я бы даже сказал, со страхом, чтобы суметь осуществить данное ему свыше».
Я  отправилась на авторский  концерт А.Эшпая, чтобы «вернуть детство»...
         Получилось!
И детство как бы отозвалось звуками музыки, и прибавилось удивление, которое теперь не часто испытываешь, потому что  кажется, что всё уже было и всё состоялось.
С  А.Я.Эшпаем я встретилась еще тогда, когда он был студентом консерватории. А одна его только что сочиненная песня, ставшая потом, как оказалось, «застольным шлягером» была впервые им сыграна и спета  мне.  Горжусь. И в музыкальную школу учиться он меня еще дошкольницу лично отвел  за руку.
Но лучше о концерте.  На сцене музыкант-флейтист.
Если честно, то солирующую (без аккомпанемента)   флейту я слышала впервые.  В  оркестре флейта часто  становится главным голосом. Недаром она в оркестровой партитуре -  самый первый инструмент.  Вспомните хотя бы «Мелодию» из оперы Глюка «Орфей и Эвридика»! Но там флейта не одинока. Ей помогает весь оркестр! А у Эшпая и  В.Шариданова она на сцене запела чистым и сильным голосом. И тем мощнее  впечатление.  Музыка яркая,   мелодичная, «эшпаевская».  Не знаю  что и сказать. Не уверена, что композиторы -  даже классики – способны были сделать  исполнителям  Такой подарок. В выигрыше музыкант и слушатели.  Узнали. Поняли. Приняли.
И снова в программе концерта  солирующий инструмент,  более привычный.
Классики не поскупились на сочинения для скрипки.  Но для Леоноры  Дмитерко только популярного скрипичного всегда мало. Она репертуар для себя собирает сама. Понравилось – сделает для скрипки всё, что ей по душе.
 А.Эшпай сказал о ней: «Скрипачка, обладающая изумительным талантом. Высочайший профессионализм, феноменальная память, огненный темперамент и природный артистизм присущи  ей. Она живет музыкой…»
 А.Эшпай,  как признавалась она сама, ее любимый композитор. Что она играет из его сочинений?  Мне кажется, что нет  такого, чтобы она не играла. А уж в дуэте с самим Андреем Яковлевичем удовольствие исполнителей от общения друг с другом полностью передалось и залу.

Дыханье зала! - Океан идей!
Мгновения насыщенней столетий! -
Искусством просветления людей
Творец скрипачку, возлюбя, отметил.
Ей, солнечной, все голоса Земли
Раскрылись музыкой! Таланту уступая,
Кристалла совершенство обрели
Огонь и Космос в музыке Эшпая!

Это стихотворение Ольги Левшиной

Машенька Эшпай замечательная пианистка. А подарок деда  «токката из сонатины»  помог всем оценить ее немалый виртуозный дар.  Что сказать о пьесе? Это опять «эшпаевсое» знание возможностей фортепиано и  умение передать своё понимание  тонкого и интеллигентного подхода к его звучанию.
Второе отделение стало еще более ярким. Андрей Эшпай – автор более чем 100 романсов и песен.
На сцене профессор РАМ им. Гнесиных Евгения Шевелева . Романсы и песни – самое популярное у композитора А.Я.Эшпая.  Очаровательный романс «Я вас любил…», написанный композитором к 200-летию Пушкина, отозвался светлой грустью.  
А затем прозвучали песни. И зал запел вместе с исполнителями.
И вот уже музыка для редкого в своем роде коллектива.  Памяти Д. Шостаковича Эшпай посвятил Струнный квартет "Concordia discordans" (согласие несогласного). "Тот не умер, кто не позабыт". Вся интонационная сфера квартета в каждом его разделе оттеняет образ того, чьей памяти посвящено сочинение.
Андрей Эшпай : «Квартет имени Глинки — феноменальный ансамбль — один из лучших квартетов в мире. Исполнение  поражает глубокой интерпретацией и редким умением добиться стройности формы. Счастлив композитор, чьё произведение попадает в руки квартета им. Глинки».
А затем музыка громкая. «Брасс-квинтет» для двух труб, валторны, тромбона и тубы. И снова удивление.  Эшпай – пианист. Ученик Владимира Софроницкого.  И откуда же он знает так много о том, как будут  звучать  такие вот духовые?  
И в финале концерта, конечно, джазовые композиции в исполнении Андрея Яковлевича. И снова говорит он сам: «Я убежден: джаз, как и фольклор, выполняет в наши дни охранительную функцию — в том смысле, что он позволяет прикоснуться к музыке в ее почти стихийном проявлении, возвращая нас к природным, вечным ее началам… В джазе есть своя тайна. Магическая импульсивность музыки влечет нас, и мы внимаем джазу зачарованно, с детским простодушием».
 А.Я.Эшпай - музыкант-созидатель, он по праву считается классиком отечественной музыки. Концертные залы переполнены при одном лишь упоминании его имени на афише. Это потому, что он умеет  щедро дарить  свет и радость людям, дает им пищу для ума и сердца
 Каков Эшпай - такова и его музыка.

8 ноября 2015 года композитор А.Эшпай скончался





СЛУШАЕМ МУЗЫКУ

 

«Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает».
А.С..Пушкин.

Зачем и почему мы слушаем музыку?

Музыка это:
1. Развлечение

Когда мы не знаем, чем себя занять, музыка приходит на помощь.
2. Средство борьбы с плохим настроением
Музыка, определенно, помогает нам бороться с жизненными невзгодами.
3. Музыка отличная тема для разговора. Это способ установить контакт.
4. Мы сами узнаём себя через музыку: музыка показывает нам, кто мы такие и каково наше место в этом мире.
5. Музыка, которую мы слушаем, несет определенную информацию другим людям о нас.

Как сказал один из героев фильма «Ямакаси»: «Слушай музыку. В ней всё золото мира».

Значение слова Музыка в Википедии.
«МУ́ЗЫКА  (прилагательное от греч. μούσα — муза) — искусство, средством воплощения художественных образов для которого являются звук и тишина, особым образом устроенные во времени».

Значение слова Музыка в словаре Даля
«Искусство  стройного и согласного сочетания звуков, как последовательных (мелодия, напев, голос), так и совместных (гармония, созвучие)».

Музыка в словаре Ожегова
«Искусство, в котором переживания, настроения, идеи выражаются в сочетаниях ритмически-организованных звуков и тонов.
Искусство, отражающее действительность в звуковых художественных образах, а также сами произведения этого искусства».

* * *

Жанры музыки


Большинство людей слушают музыку определённого жанра. При этом, ни в коем случае не нужно одни жанры хвалить, а другие ругать.

Классическая музыка
Если мы заглянем в Музыкальную энциклопедию, то найдем там несколько определений классической музыки.
- образцовые музыкальные произведения выдающихся композиторов прошлых лет, выдержавшие испытание временем;
- музыкальные произведения, написанные в определенный исторический период в искусстве (от Барокко до Модернизма);
- музыкальные произведения, написанные по определенным правилам и канонам с соблюдением необходимых пропорций и предназначенные для исполнения симфоническим оркестром, ансамблем или солистами.
Эта музыка постоянна и неизменна. Есть только один способ исполнять ее, и этот способ указан автором.  В нотах он дал пояснения, чтобы сообщить исполнителю, как играть: быстро или медленно, громко или тихо.  
Конечно, ни одному музыканту не удается сыграть то, что хотел услышать композитор. Нет объяснений его замысла. И оттого работа исполнителя так увлекательна. Каждый музыкант играет произведение по-другому.

Классическая музыка сопровождает нас на протяжении столетий. Ее загадочная сила заключается в том, что, слушая ее сегодня, мы испытываем те же чувства, что и первые слушатели.
Классическая музыка – это  история,  современность, и обязательно будущее.
 
По данным социологического опроса, проводившегося в Социальных сетях среди подростков,  выяснилось, что:
— 60% подростков нейтрально относятся к классической музыке;
— 30%   не слушают классическую музыку;
— в меньшинстве оказались любители классической музыки – всего 10%.
Но лучше сходите на концерт или послушайте диск классической музыки и пусть каждый для себя решит сам, что для него значит это словосочетание!

Народная музыка


У каждой народности есть своя музыка, свои способы и свой стиль исполнения.
На конференции Международного совета народной музыки (начало 1950-х годов) народная музыка была определена как продукт музыкальной традиции, формируемой в процессе устной передачи тремя факторами:
 – непрерывностью (преемственностью),
- вариантностью (изменчивостью)
- избирательностью (отбором среды).
Народная музыка существует на определённой территории и в конкретное историческое время, то есть ограничена пространством и временем, что создаёт систему музыкально-фольклорных диалектов в каждой народной музыкальной культуре.

Джаз

Любую популярную песню может сыграть джаз-оркестр. Сыграет он её быстро или медленно, громко или тихо, высоко или низко.
Это не имеет значения. Ни один из этих способов исполнения не будет неправильным. Музыканты импровизируют, то есть сочиняют музыку в тот момент, когда играют ее. Импровизации каждый раз новые!
Данный жанр появился, когда африканская и европейская музыка объединились. Классический пример исполнителя джаза  Луи Армстронг.

Что такое джаз?
Джаз – это особая разновидность музыки, которая приобрела особенно большую популярность в США. Изначально джаз являлся музыкой чернокожих граждан Соединенных Штатов, но позже это направление вобрало в себя совершенно разные музыкальные стили, которые развивались во многих странах.
Самая главная особенность джаза, как изначально, так и сейчас, это ритм.
Вторым основополагающим элементом джаза и по сей день, является импровизация. Джаз зачастую играется без заранее заготовленной мелодии: лишь во время игры музыкант выбирает то или иное направление, поддаваясь своему вдохновению. Прямо во время игры рождается музыка.
С годами джаз менялся, но все же ему удалось сохранить свои основные черты.  
Позже появился Свинг (еще он носит название джаз в стиле «биг-бэнд»), который также получил широкое развитие.
В 40-х и 50-х годах большую популярность приобретает «Современный джаз», который представляет собой более сложное взаимодействие мелодий и гармоний, нежели ранний джаз. Появился новый подход к ритму. Музыканты старались придумывать новые произведения, используя другие ритмы, и потому техника игры на барабанах усложнялась.
Блюз  внес огромный вклад в развитие джаза;
Блюз относится к импровизационным жанрам музыки, то есть композиция уже имеет какую-то основу, которая обыгрывается солирующими инструментами, как бы ведущими друг с другом диалог, спорящими, соревнующимися.
Данный жанр придумали афроамериканцы. В Блюзе очень важен текст. Блюз был придуман в ответ на дискриминацию и притеснение, и большинство песен именно про свободу, любовь и дружбу.

Рок
(англ. Rock music) — обобщающее название многих направлений музыки, существующих с середины 1950-х годов. Слово «rock» — качать — в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения, связанные с определённой формой движения, по аналогии с «roll», «twist», «swing», «shake» и т. п.
Рок-музыка имеет большое количество направлений: от лёгких жанров, таких как танцевальный рок-н-ролл, поп-рок, брит-поп до брутальных и агрессивных жанров – дэт-метала и грайнда.
Содержание песен варьируется – от лёгкого и непринуждённого до мрачного, глубокого и философского. Часто рок-музыка противопоставляется поп-музыке, хотя чёткой границы между понятиями «рок» и «поп» не существует, и немало музыкальных явлений балансируют на грани между ними.
Основные центры развития рок-музыки — США и западная Европа (особенно Великобритания). Большинство текстов песен — на английском языке. Однако, хотя и с некоторым запозданием, национальная рок-музыка появилась практически во всех странах.
Русскоязычная рок-музыка появилась в СССР уже в 1960—1970-х гг. и достигла пика развития в 1980-х гг., продолжив развиваться в 1990-х.
Принято считать, что рок появился в результате смешения блюза, джаза и других стилей.
Однако, наибольшее распространение рок получил с приходом электрических музыкальных инструментов.


Поп-музыка 
(Она же «Попса»).
Направление современной музыки, вид современной массовой культуры. В широком значении, это любая массовая м
узыка.
Основная музыкальная единица в поп-музыке – песня. Песни строятся по схеме куплет+припев.
От поп-песни требуются простые, легкие для восприятия мелодии.

Основной инструмент в поп-музыке – человеческий голос. Аккомпанементу уделяется второстепенная роль: аккомпанирующие поп-музыканты не играют соло и чаще всего не являются ни авторами песен, ни лидерами групп. Важную роль играет ритмическая структура: многие поп-песни пишутся для танцев и имеют чёткий, неизменный бит.
В большинстве своём, попса – это незатейливая музыка, из-за чего иногда она принимается негативно.


РЭП
Это речитатив (ритмичное произношение текста).
Часто вместо слова «рэп», мы слы
шим «хип – хоп». Но стоит отметить, что рэп, это достаточно широкое понятие, он может быть  в разных стилях и жанрах.
Слово «рэп» - от английского «raр» - что обозначает в переводе – ритмическая поэзия (rhythmic american poetry). Рэп начал свое существование в «черных кварталах»  Нью – Йорка, а именно из Бронкса.
Сейчас рэп в его натуральном виде, когда незамысловатый бит, просто стучит, а рэпер повествует, уже практически не существует. Сейчас есть только коммерческий продукт, очень мало
исполнителей делают рэп, похожий на тот, который был в истоках


* * *

Человечество придумало множество жанров и стилей музыки. Однако это не значит, что список вариантов строго ограничен. Ничто не мешает вам придумать свой собственный стиль.
Дмитрий Кабалевский — композитор, педагог писал: «Я убежден в том, что без лёгкой музыки (поп, рок, рэп) жизнь была бы немыслима
, как без улыбки, без шутки, без всякого отдыха.
Худо, очень худо другое —  когда лёгкая музыка исчерпывает  все музыкальные запросы человека, когда человек бывает глух к большому искусству  или  даже, в лучшем случае,  полагает,  что большое искусство хоть и заслуживает уважения, но существует для немногих, для особых знатоков, и ценителей-профессионалов, а для широких кругов, мол, вполне достаточно и одной лёгкой музыки».


Часто взрослые стоят на жестко обозначенной позиции: «поп» и «рок» — негативные  явления, поэтому им не должно быть места в жизни ребят. И этим только подталкивают молодежь к этой музыке.
Многие подростки любят жесткие ритмы. Звук на дискотеке взрослым кажется оглушительным, а многие ребята явно чувствуют себя там в своей среде. Но немало юношей и девушек страдают от децибел на танцевальных вечерах и хотели бы, чтобы музыка играла потише, но они подчиняются мнению других.


***

Музыка всегда дарила людям хорошее настроение, хотя очень долго слушать её можно было только на концертах, или самому исполнять то, что нравится.
Современный мир уже невозможно представить себе без магнитофонов и плееров, а наушники, кажется, были всегда. На улице, в магазине, в метро везде можно встретить многих с этим замечательным устройством.

Плохой музыки не бывает!
Однако некоторая музыка может причинить вред нашему организму (от  ухудшения слуха, до постоянного плохого настроения, депрессии).
С музыкой, тоже, нужно знать меру.
Длительное воздействие громкой музыки просто убивает слух. Громкая музыка поражает клетки, отвечающие за восприятие звука, особенно если атака идет из наушников. Модное увлечение слушать музыку через наушники в скором будущем может обернуться тугоухостью или даже  глухотой. И в свои родные ушки придется вставить не любимые «затычки», а слуховой аппарат.

Материалы с  Интернет-сайтов




ДЕТСКАЯ ОПЕРА

 

     В репертуар Камерного музыкального театра им. Покровского возвращается детская опера.
К  Новому году театр приготовил подарок для своих юных зрителей — оперу-игру английского композитора Бенджамина Бриттена "Маленький трубочист", премьера которой состоится 5 декабря, сообщили РИА Новости в пресс-службе театра.
     Над новой постановкой работает главный режиссер Камерного Музыкального театра Михаил Кисляров вместе с дирижером Алексеем Верещагиным и художницей Марией Кононовой.
     Впервые эта опера Бриттена была поставлена в Камерном музыкальном театре под названием "Давайте создадим оперу!" в 1979 году эстонским режиссером Арне Микк. Именно тогда в театре появилась постоянная детская группа, основателем и бессменным руководителем которой стала известный хормейстер Елена Озерова.
     Спектакль с участием этой группы прожил в театре долгую счастливую жизнь. Его посмотрели несколько поколений зрителей, и многие до сих пор вспоминают об этом замечательном событии в своей жизни.

"Но прошло время, и сейчас надо делать новый спектакль, — сказал РИА Новости Михаил Кисляров.
— Тогда была другая эстетика, другие темы, другие дети. А спектакль должен быть созвучен сегодняшнему дню. Мы создавали новый современный спектакль. Главная тема не изменилась — это соучастие в судьбе другого человека, спасение детьми маленького несчастного трубочиста.
По словам режиссера, была сделана новая редакция текста (Ирина Масленникова), который немного сократили. Назвали спектакль "Маленький трубочист" — это вторая часть названия, данного самим композитором.

 "Но главное, что в нашем спектакле участвуют дети, отметил Кисляров, — Они работали замечательно и так увлеченно, что каждый раз было трудно закончить репетицию — ребята не хотели уходить. И откровенно говоря, независимо от того, каков будет результат, а это будет ясно только на показе зрителю, я уже счастлив от того, что дети, участвующие в спектакле, получили большое удовольствие и внутренне как-то повзрослели".

Опера Бриттена пользуется большой любовью во всем мире. Первая часть необычного представления задумана, как интерактивная игра, где взрослые и маленькие артисты вместе со зрителями сочиняют спектакль: придумывают историю, разучивают ансамбли и хоры, а в антракте рисуют эскизы костюмов и декораций. Второе действие — это и есть собственно опера, где исполнители не только солисты, а и участники детской группы театра, юные таланты, способные своей энергией увлечь зрителей в волшебный мир оперы.





МУЗЫКАЛЬНЫМ РУКОВОДИТЕЛЕМ БОЛЬШОГО ТЕАТРА СТАЛ ТУГАН СОХИЕВ

 

Контракт с ним будет подписан с 1 февраля на четыре года, а к работе дирижер приступит в начале следующего сезона, сообщил журналистам в понедельник гендиректор ГАБТа Владимир Урин.
Урин отметил, что у дирижера очень плотный график, и есть другие контрактные обязательства. "Мы договорились о том, что Туган будет входить постепенно в дела театра, — сказал директор ГАБТа. — Сейчас он улетает в Филадельфию, его контракты будут выполняться. До конца сезона он будет появляться в Москве. Реально он начнет работать и встанет за пульт в следующем сезоне.  В следующем сезоне он осуществит два проекта".
Урин подчеркнул, что новый музыкальный руководитель очень молод, и у него нет опыта работы в таком театре, как Большой. "Но я счел это не самым главным. Валерий Гергиев возглавил Мариинский театр в 33 года", — сказал он.
"Важно было понять, что наши взгляды очень похожи, мы совпадаем с тем, как понимаем Большой театр. Что очень важно, потому что нам вместе принимать решения", — добавил гендиректор.
Сохиев объяснил, почему принял решение возглавить театр, хотя его график очень плотный. "Очень неожиданное было предложение, я долго думал. Самое главное, что меня убедило возглавить этот один из великих театров мира, это серьезная и ответственная задача. Личность нынешнего директора театра, который ясно понимает, как должен театр развиваться. Когда есть команда, с которой можно строить театр, это очень много", — сказал дирижер.
Он добавил, что первый проект под его руководством планируется уже в сентябре этого года. Сохиев также отметил, что сейчас самое главное — познакомиться с людьми, а говорить о стратегии развитии пока что рано.
Дирижер сказал, что должен будет сокращать свои Западные контракты. "Я сохраню свои отношения с оркестрами, с которыми я работаю. Но год от года я буду все больше входить в работу Большого театра. По возможности, я буду проводить здесь как можно больше времени, потому что это единственный путь наладить работу и наметить дальнейшие пути развития", — пояснил он.
Урин отметил, что после вхождения музыкального руководителя  в работу, они намерены наметить планы оперной труппы на ближайшие три года.
Дирижер, народный артист республики Северная Осетия-Алания Туган Таймуразович Сохиев родился 21 октября 1977 года во Владикавказе.
В 1996 году окончил Владикавказское музыкальное училище (ныне носящее имя Валерия Гергиева), в 2001 году — факультет оперного и симфонического дирижирования Санкт-Петербургской государственной консерватории (класс профессоров Ильи Мусина и Юрия Темирканова).
С 1999 года по 2000 год дирижировал оркестрами Санкт-Петербургской консерватории и Мариинского театра на концертах памяти маэстро Ильи Мусина.
С 2000 года сотрудничал с Академией молодых оперных певцов Мариинского театра.
В декабре 2001 года дебютировал в Мариинском театре в концертной программе "По страницам опер Россини".
В 2002 году Сохиев дебютировал на сцене Уэльского национального оперного театра ("Богема" Джакомо Пуччини), а в 2003 году — в Метрополитен-опера ("Евгений Онегин" Петра Чайковского). В том же году дирижер впервые выступил с лондонским оркестром "Филармония", исполнив Вторую симфонию Сергея Рахманинова.
В 2004 году на фестивале в Экс-ан-Провансе (Франция) дирижировал оперой "Любовь к трем апельсинам" Сергея Прокофьева, которая позже была представлена в Люксембурге и Мадриде (Театро Реал).
В 2006 году в хьюстонской Гранд-опера он представил "Бориса Годунова" Модеста Мусоргского. В 2009 году состоялся дебют дирижера с Венским филармоническим оркестром.
С 2005 года Сохиев — постоянный дирижер Мариинского театра. Под его управлением состоялись премьеры опер "Путешествие в Реймс" Джоаккино Россини, "Кармен" Жоржа Бизе и "Сказка о царе Салтане" Николая Римского-Корсакова. В последних концертных сезонах в театре дирижировал операми "Золотой петушок" Римского-Корсакова, "Иоланта" Петра Чайковского, "Самсон и Далила" Камиля Сен-Санса, "Огненный ангел" Сергея Прокофьева.
В начале сезона 2008/2009 он стал музыкальным руководителем Национального оркестра Капитолия Тулузы, до этого на протяжении трех лет был главным приглашенным дирижером и артистическим консультантом этого оркестра. Первые записи коллектива на студии Naive Classique (Четвертая симфония Чайковского, "Картинки с выставки" Мусоргского, "Петя и волк" Прокофьева) получили высокую оценку критики. В последние году он дирижировал операми "Пиковая дама" и "Иоланта" Чайковского. В 2011 году — оперой "Аида" на фестивале "Хорегии Оранжа". В январе 2013 года коллективом были осуществлены записи "Весны священной" и "Жар-птицы" Игоря Стравинского.
С 2010 года Сохиев является главным дирижером Немецкого симфонического оркестра Берлина.
Дирижер активно гастролирует в странах Европы, выступая в качестве приглашенного дирижера в Страсбурге, Монпелье, Франкфурте и многих других городах.
Выступал в качестве приглашенного дирижера с оркестром Национальной академии Санта-Чечилия (Рим), симфоническим оркестром Артуро Тосканини, японским оркестром NHK и Национальным филармоническим оркестром России.
Сохиев сотрудничает с такими коллективами, как оркестры Шведского, Французского, Финского, Венского, Франкфуртского радио, Королевский филармонический оркестр Стокгольма, филармонические оркестры Осло и Мюнхена, Королевский оркестр Концертгебау, Национальный оркестр Франции, Немецкий симфонический оркестр (Берлин), Борнмутский симфонический оркестр и оркестр Баварского государственного оперного театра (Мюнхен).
В сезоне 2012/2013 Туган Сохиев впервые встал за пульты Чикагского симфонического оркестра и оркестра лейпцигского Гевандхауса, а также продолжил свое сотрудничество с Венским и Роттердамским филармоническими оркестрами. Среди театральных ангажементов — "Борис Годунов" Мусоргского в Венской государственной опере.
Туган Сохиев — народный артист республики Северная Осетия-Алания.
В 1999 году он был удостоен II премии III Международного конкурса дирижеров имени Прокофьева в Санкт-Петербурге, разделив ее с Александром Сладковским (I премия не присуждалась).




ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА МУЗЫКИ

 



«Мелодия всегда будет самым чистым выражением человеческой мысли»
Ш. Гуно

     Богаты и разнообразны выразительные средства музыки. Если художник в рисунке и красках, скульптор в дереве или мраморе, а прозаик и поэт в словах воссоздают картины окружающей жизни, то композиторы делают это с помощью музыкальных инструментов.
     В отличие от звуков немузыкальных (шум, скрежет, шорох). Музыкальные звуки имеют точную высоту и определенную длительность. Кроме того, они могут иметь различную окраску, звучать громко или тихо, исполняться быстро или медленно.
Ритм, лад и гармония, регистр и тембр, динамика и темп – это все выразительные средства музыкального искусства.

Но Главное - МЕЛОДИЯ.

П. И. Чайковский,  великий создатель мелодий, говорил: «Мелодия – душа музыки. В  ней – то светлой и радостной, то тревожной и сумрачной – слышатся нам человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья…».

Слово «МЕЛОДИЯ» произошло от  слов - melos - песнь, и ode - пение.
В общем, мелодия - это то, что мы с вами можем пропеть. Даже если мы не запомнили ее всю целиком, мы напеваем отдельные ее мотивы, фразы. Ведь в музыкальной речи,  есть и предложения, и фразы. Несколько звуков образуют мотив - маленькую частицу мелодии. Несколько мотивов составляют фразу, а фразы образуют предложения.

Рождественская сказка Чайковского «Щелкунчик»  полна прекрасных ярких мелодий: то напряженно-драматических, то тихих и нежных, то песенных, то танцевальных. Можно даже сказать, что музыка в этом балете достигла своей предельной выразительности – так убедительно  повествует она о событиях  сказки Гофмана.

Слушая мелодию Па-де-де из балета «Щелкунчик», удивляешься, как много в музыке от живой выразительности человеческой речи! Наверное, в этом ее свойстве снова и снова обнаруживает себя происхождение мелодии от интонации человеческого голоса. Ей доступны малейшие оттенки – и вопрос, и восклицание, и даже многоточие…
http://zaycev.net/pages/413/41326.shtml

Но есть в ней и то, о чем великий романтик Г. Гейне сказал:
«
Где кончаются сло
ва, там начинается музыка».

Может быть, правота этих слов особенно очевидна, если речь идет о мелодии: ведь именно мелодия ближе всего к интонации живой речи.

И все же – разве можно содержание мелодии передать словами?
Вспомните, как трогательна, как необыкновенно выразительна «Мелодия» («Жалоба Эвридики») из оперы К. Глюка «Орфей и «Эвридика» и как о многом может сказать она, не прибегая к словам.

http://pesni.fm/search/%D0%BE%D1%80%D1%84%D0%B5%D0%B9+%D0%B8+%D1%8D%D0%B2%D1%80%D0%B8%D0%B4%D0%B8%D0%BA%D0%B0
В данном фрагменте композитор обратился к чистой мелодии – и эта мелодия сама по себе сумела завоевать весь мир!

Наталья Щербина